Echi dell’anima e magnetismo avvolgente nell’Arte Informale di Katerina Louka, tra materia e impalpabilità cromatica per perdersi dentro le emozioni

L’ascolto profondo di tutto ciò che appartiene all’interiorità, ma anche a tutto quell’esterno che circonda l’individuo che spesso rimane inascoltato a causa del predominante pragmatismo della società contemporanea, genera in alcuni artisti lo stimolo a perdersi esattamente dentro quell’indefinito e inspiegabile che fluttua nella quotidianità e che si svela solo attraverso una particolare sensibilità che apre le porte a energie potenti e avvolgenti funzionali a lasciarsi andare, a perdere il controllo della razionalità ed entrare in una dimensione ovattata quanto introspettiva. In questo tipo di manifestazione pittorica l’occhio è solo e unicamente un mezzo in virtù del quale il messaggio dell’autore si propaga dalla tela per andare a comunicare direttamente con le corde interiori del fruitore che non ha bisogno di comprendere bensì solo di sentire e lasciarsi coinvolgere. L’artista di cui vi racconterò oggi sceglie un approccio fortemente intimista verso la pittura e soprattutto verso un’indefinitezza che in lei è funzionale a perdere il confine tra reale e immaginario per entrare in una terra di mezzo da cui ascoltare le vibrazioni intense e suggestive dell’anima.

Nell’ambito dei movimenti cosiddetti informali, di cui l’Espressionismo Astratto fu vero e proprio capostipite, si distinsero molteplici interpretazioni realizzative e stilistiche che costituirono quasi uno spartiacque tra tutti quegli autori impulsivi per cui l’istinto era l’unica linea guida nel lasciar fuoriuscire la rabbia, l’aggressività, il dolore e le ferite, e altri per cui invece dipingere corrispondeva a immergersi in una dimensione trascendentale costituita da calma e da pace interiore, o da serenità vivace e positiva. Gli artisti di questo secondo gruppo scelsero prevalentemente la tecnica del Color Field, meno aggressiva del Dripping di Pollock o della pittura segnica di Kline e sicuramente in grado di suscitare nell’osservatore riflessioni sull’inutilità di lasciarsi dominare dalle sensazioni inquiete e negative perché in quell’equilibrio tranquillo e contemplativo tutto sembrava più semplice. Mark Rothko coniugò la tecnica utilizzano prevalentemente colori in scala tra loro, oppure a volte cromaticamente opposti, per realizzare dipinti in cui la tela era sostanzialmente divisa in due metà unite da sfumature impalpabili e funzionali a infondere la sensazione di leggerezza non solo dello spazio ma anche dell’anima che in esse si perdeva; Helen Frankenthaler ne diede un’interpretazione sicuramente più femminile ma anche sfaccettata nell’aspetto finale poiché nelle sue grandi opere le molteplici tonalità vanno a comporre un mondo gentile e quasi magico dove la dominante è quella del sogno, della capacità di vedere il bello e la luminosità dentro qualsiasi evento, accadimento od osservazione.

Clyfford Still virò invece verso campiture di colori intensi e scuri, accostati gli uni agli altri verticalmente come se fossero squarci di tonalità all’interno di una stessa tela funzionali a sottolineare la necessità di rompere uno schema per generare qualcosa di nuovo; e infine alcuni autori come Barnett Newman ma anche molti rappresentanti europei della tecnica, come Yves Klein e Piero Manzoni, scelsero invece un approccio monocromatico per concentrarsi sul magnetismo e sulla capacità comunicativa di un solo colore, e la possibilità di generare riflessioni e meditazione epurando la pittura da qualsiasi riferimento visivo o immaginativo. L’artista greca Katerina Louka arricchisce il Color Field più distensivo, e dunque vicino alle meditazioni silenziose di Mark Rothko, di tonalità tendenzialmente terrose e cipriate, delicate e quasi evanescenti dove la luce sembra predominare, quasi come fosse un lampo di coscienza che emerge dalla morbidezza dell’atmosfera circostante; il contatto con la parte più profonda del sé è costante, come se nel gesto stesso del dipingere questa sensibile artista trovasse la capacità di immergersi dentro un’anima che solo attraverso la manifestazione pittorica può trovare quella suggestione, quella calma di cui ha bisogno per liberarsi e far sentire la propria voce.

Le opere, quasi prevalentemente tono su tono si arricchiscono dell’introduzione della materia oppure semplicemente di una consistenza che emerge dalla bitonalità degli sfondi per rendere concreti alcuni dettagli, dei richiami a quegli echi solenni del momento in cui l’interiorità si connette alle energie dell’universo circostante; è questo il motivo dell’alternanza tra impalpabilità e luce che contraddistingue alcuni dipinti, e la rugosità di striature che sembrano voler mettere in evidenza il concetto di base suggerito dal titolo ma poi oltrepassato dalla sensazione del singolo osservatore che riceve l’emozione secondo il suo proprio sentire, il suo istante presente, il suo particolare e unico percorso di vita.

La gamma cromatica riflette l’intenzione esecutiva di Katerina Louka, ma anche il significato più profondo di ogni lavoro perché ciò che emerge in modo chiaro dalla sua produzione pittorica è la necessità di andare oltre il visibile, oltre le parole per lasciarsi cullare da tutto ciò che è intangibile, dall’aura quasi magnetica che fuoriesce non appena lo sguardo si lascia catturare dalle sue atmosfere mistiche e liriche.

Il dipinto Beyond the void sembra suggerire che al di là delle convinzioni limitanti, quelle che inducono a credere che il vuoto costituisca la fine di qualcosa e che abbia un’accezione negativa in quanto legata alla perdita la cui assenza sembra essere insormontabile, di fatto possa esservi una nuova possibilità, impensate opportunità che si concretizzano esattamente in virtù di quella mancanza che ha costretto a rialzarsi per voltare pagina; il blu è il colore della nostalgia ma anche del sogno, della spiritualità che si può risvegliare attraverso un passaggio in quell’oscurità che spesso spaventa. Ecco il motivo del chiarore della parte centrale dell’opera attraversato da striature che appaiono quasi come ferite rimarginate al di sotto delle quali si trova la luce della rigenerazione e della possibilità di riempire il vuoto precedente.

Storms of emotions ha invece tonalità polverose, cipriate, perché è esattamente quella la consistenza delle sensazioni che si accumulano nell’anima fino a generare una vera e propria tempesta dirompente che spinge per essere liberata, per trovare corpo in un esterno troppo spesso percepito come una minaccia alla sua fragilità; la parte materica in questa tela si trova al centro, come se costituisse dei solchi indelebili corrispondenti a tutti i sentimenti stratificati dentro ciascun individuo e che, malgrado tutto, a dispetto dei tentativi di metterli a tacere per poter andare avanti nel proprio cammino, persistono e si vanno depositando nell’interregno tra anima e ragione fino al momento in cui non diventano troppo coriacei per non essere manifestati. Katerina Louka usa uno sfondo delicato con sfumature pastello nella parte superiore, mentre la parte inferiore del dipinto è più terrosa e materica, quasi a sottolineare quell’ascesa della parte emozionale verso una dimensione eterea; entrambe le metà sono però arricchite da foglia oro a testimonianza della preziosità di quel mondo interiore, sia che riesca a elevarsi e sia che rimanga invece legato tenacemente alla realtà e alla difesa di se stesso.

Il dipinto Touching the light of Delos è una poetica interpretazione del significato mitologico dell’isola vicinissima a Mikonos, perché la leggenda narra che proprio a Delo nacquero gli dei gemelli della luce, il dio Apollo e la sorella Artemide, simboli del sole e della luna; Katerina Louka rende così omaggio all’affascinante storia antica del suo popolo mettendo in primo piano proprio alla luminosità circondata dall’evocazione dell’azzurro del Mar Egeo che qui delimita il confine tra ciò che è terreno, e dunque tangibile, e ciò che invece è sacro e per questo impossibile da cogliere se non attraverso la scelta di credere che qualcosa di superiore e di magico possa esistere. Dal punto di vista metaforico la luce è quella in grado di guidare l’individuo, la consapevolezza interiore che agisce a tutela dell’evoluzione malgrado spesso sia ignorata perché affidarsi a qualcosa di poco concreto appare rischioso e irresponsabile; eppure l’artista sottolinea la possibilità di credere all’incanto e di lasciarsi andare a quell’atmosfera fortemente spirituale.

Il dipinto Light from the trenches è invece più cupo, induce a immaginare la desolazione e la disperazione che avvolge chiunque si trovi al di là di una barricata perché davanti alla possibilità della perdita della vita, ciò che l’essere umano ha di più prezioso, decade ogni ideologia, ogni convinzione di essere più nel giusto dell’altro o di avere più ragione e umanità, in trincea tutto ciò perde di consistenza. L’artista dunque sottolinea la cupezza che può dissolversi solo e unicamente davanti alla possibilità che presto tutto finisca; gli elementi materici di quest’opera enfatizzano la perdita di certezze, lo sfaldamento di ciò che prima era stato costruito e che ora non esiste più solo perché qualcuno ha deciso che una guerra doveva essere combattuta, a qualunque costo.

Katerina Louka è un’artista di fama internazionale e ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive in Grecia, Italia, Spagna, Austria e Stati Uniti, sia in gallerie che in musei e spazi pubblici, ottenendo premi e riconoscimenti per il suo talento espressivo.

KATERINA LOUKA-CONTATTI

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Echoes of the soul and enveloping magnetism in the Informal Art of Katerina Louka, between matter and chromatic impalpability to lose in emotions

The profound listening to all that belongs to the interiority, but also to all that exterior that surrounds the individual which often remains unheard due to the predominant pragmatism of contemporary society, generates in some artists the stimulus to lose precisely within that indefinite and inexplicable that floats in everyday life and that is only revealed through a particular sensitivity that opens the doors to powerful and enveloping energies functional to letting go, to losing control of rationality and entering into a dimension that is as muffled as it is introspective.

In this type of pictorial manifestation, the eye is solely and only a means by virtue of which the author’s message propagates from the canvas to communicate directly with the inner chords of the viewer who does not need to understand but only to feel and be involved. The artist I am going to tell you about today chooses a strongly intimist approach to painting and above all to an indefiniteness that in her is functional in losing the boundary between real and imaginary to enter a middle ground from which to listen to the intense and suggestive vibrations of the soul.

Within the sphere of the so-called informal movements, of which Abstract Expressionism was the real progenitor, there were many different interpretations in terms of realisation and style that almost constituted a watershed between all those impulsive artists for whom instinct was the only guideline in letting out anger, aggression, pain and wounds, and others for whom painting corresponded to immersing in a transcendental dimension made up of calm and inner peace, or lively and positive serenity. The artists of this second group mainly chose the technique of Colour Field, less aggressive than Pollock‘s Dripping or Kline‘s sign painting and certainly able to provoke in the observer reflections on the futility of letting be dominated by restless and negative feelings because in that calm and contemplative equilibrium everything seemed easier.

Mark Rothko combined the technique by predominantly using colours in scale with each other, or at times chromatically opposed, to create paintings in which the canvas was substantially divided into two halves joined by impalpable shades that served to instil the sensation of lightness not only of space but also of the soul that was lost in them; Helen Frankenthaler gave it a more feminine interpretation, but also a multifaceted one in the final aspect, since in her large works the multiple tones compose a gentle and almost magical world where the dominant one is that of dreams, of the ability to see beauty and luminosity within any event, happening or observation. Clyfford Still, on the other hand, veered towards fields of intense, dark colours, juxtaposed one against the other vertically as if they were glimpses of shades within the same canvas, functional to emphasise the need to break a pattern in order to generate something new; and finally, some authors as Barnett Newman, but also many European representatives of the technique, such as Yves Klein and Piero Manzoni, chose instead a monochromatic approach to focus on the magnetism and communicative capacity of a single colour, and the possibility of generating reflection and meditation by purging painting of any visual or imaginative reference.

The Greek artist Katerina Louka enriches the more relaxing Colour Field, and thus close to Mark Rothko‘s silent meditations, with tones that tend to be earthy and powdery, delicate and almost evanescent, where light seems to predominate, almost as if it were a flash of consciousness emerging from the softness of the surrounding atmosphere; the contact with the deepest part of the self is constant, as if in the very gesture of painting this sensitive artist found the ability to immerse herself in a soul that only through pictorial manifestation can find that suggestion, that calm that it needs to free itself and make its voice heard. The works, almost predominantly tone-on-tone, are enriched by the introduction of matter or simply by a consistency that emerges from the bitonality of the backgrounds to make certain details concrete, reminders of those solemn echoes of the moment in which interiority connects with the energies of the surrounding universe; this is the reason for the alternation between impalpability and light that characterises some paintings, and the roughness of streaks that seem to want to highlight the basic concept suggested by the title but then transcended by the feeling of the individual observer who receives the emotion according to his own feeling, his present instant, his particular and unique life path.

The range of colours reflects Katerina Louka‘s executive intention, but also the deeper meaning of each work, because what clearly emerges from her painting production is the need to go beyond the visible, beyond words to let oneself be lulled by all that is intangible, by the almost magnetic aura that emerges as soon as one’s gaze is captured by its mystical and lyrical atmospheres. The painting Beyond the void seems to suggest that over the limiting beliefs, those that lead one to believe that the void constitutes the end of something and that it has a negative meaning as it is linked to the loss whose absence seems to be insurmountable, there may in fact be a new possibility, unimagined opportunities that materialise precisely by virtue of that lack that has forced one to get up and turn over a new leaf; blue is the colour of nostalgia but also of dreams, of spirituality that can be awakened through a passage into that darkness that often frightens. This is the reason for the lightness of the central part of the artwork crossed by streaks that appear almost like healed wounds beneath which lies the light of regeneration and the possibility of filling the previous emptiness.

Storms of emotions, on the other hand, has dusty, powdery tones, because that is exactly the consistency of the sensations that accumulate in the soul to the point of generating a veritable disruptive storm that pushes to be freed, to find body in an exterior too often perceived as a threat to its fragility; the material part in this canvas is located in the centre, as if forming indelible furrows corresponding to all the feelings stratified within each individual and that, despite all attempts to silence them in order to move forward on their path, persist and settle in the interregnum between soul and reason until they become too tough not to be manifested. Katerina Louka uses a delicate background with pastel shades in the upper part, while the lower part of the painting is more earthy and material, almost as if to emphasise that ascent of the emotional part towards an ethereal dimension; both halves, however, are enriched with gold leaf, testifying to the preciousness of that inner world, whether it manages to rise up or remain tenaciously bound to reality and the defence of itself.

The painting Touching the light of Delos is a poetic interpretation of the mythological meaning of the island very close to Mykonos, because legend has it that the twin gods of light, the god Apollo and his sister Artemis, symbols of the sun and the moon, were born on Delos; Katerina Louka thus pays homage to the fascinating ancient history of her people by foregrounding precisely the brightness surrounded by the evocation of the blue Aegean Sea which here demarcates the boundary between what is earthly, and therefore tangible, and what is instead sacred and therefore impossible to grasp except through the choice to believe that something superior and magical can exist. From a metaphorical point of view, light is that which is able to guide the individual, the inner awareness that acts to protect evolution, despite the fact that it is often ignored because relying on something insubstantial appears risky and irresponsible; yet the artist emphasises the possibility of believing in enchantment and letting oneself go in that strongly spiritual atmosphere.

The painting Light from the trenches, on the other hand, is darker, inducing one to imagine the desolation and despair that envelops anyone on the other side of a barricade, because when faced with the possibility of the loss of life, that which human beings hold most precious, all ideology lapses, all conviction of being more right than the other or of having more reason and humanity, in the trenches all this loses consistency. The artist therefore emphasises the gloom that can only dissolve in the face of the possibility that everything will soon be over; the material elements of this artwork emphasise the loss of certainties, the crumbling of what was previously built and which now no longer exists just because someone decided that a war had to be fought, whatever the cost. Katerina Louka is an artist of international renown and has participated in group exhibitions in Greece, Italy, Spain, Austria and the United States, both in galleries and in museums and public spaces, gaining awards and recognition for her expressive talent.