L’Arte Informale di Pamela Caddeo, quando i colori divengono il fulcro di un’incontenibile forza espressiva

Nel momento in cui la realtà circostante diviene troppo limitante per riuscire a descrivere tutte quelle implicazioni che appartengono al sentire interiore, l’estro artistico avverte l’esigenza di trovare un mezzo più affine alla propria natura; in questo caso lo stile più adeguato a lasciare che l’irrazionalità tanto temuta nella vita quotidiana possa trovare un linguaggio espressivo che escluda ogni regola, ogni schema e ogni tipo di limite, per fuoriuscire dall’interiorità dell’artista raggiungendo con la sua forza le corde emotive dell’osservante, è la dimensione della mancanza di forma. In questo modo non solo le scelte cromatiche bensì anche l’approccio stesso alla tela, quella che abitualmente viene definita tecnica, diviene funzionale a compiere quel processo di liberazione che si traduce in necessaria indefinitezza e che rompe gli argini esecutivi per entrare in una dimensione più ancestrale e primitiva. La protagonista di oggi mostra un’intenzione esecutiva travolgente perché dettata solo e unicamente da un istinto che di fatto è guida e luce di tutta la sua produzione pittorica.

L’Arte Informale, figlia di quelle intuizioni che determinarono l’allontanamento di ogni rappresentazione riconducibile alla realtà osservata, diede inizio a un inedito modo di intendere tutto quel mondo indefinito e astratto che aveva dominato nei primi decenni del Ventesimo secolo; dopo una fase in cui ogni tipo di soggettività e di emozionalità che era stata la linea guida principale dei gruppi come il Suprematismo, il De Stijl e l’Astrattismo Geometrico, molti artisti realizzarono che era ormai anacronistico lasciare la dimensione interiore completamente estranea alla pratica pittorica, anche perché il mondo era appena uscito dalle guerre mondiali dunque si avvertiva la necessità di lasciare che le emozioni si manifestassero con tutta la loro forza anche nell’arte. L’Espressionismo Astratto nato negli Stati Uniti si diffuse ben presto anche in Europa, dove però gli interpreti introdussero la materia, in particolar modo quella derivante da scarti di lavorazioni industriali o da oggetti di uso quotidiano, plasmata e modificata per enfatizzare tutto ciò che galleggiava nell’animo dell’artista nel momento in cui si apprestava a realizzare un lavoro. La superficie liscia e bidimensionale della tela non era dunque più sufficiente per esprimere le sensazioni interiori e quindi aveva bisogno di stratificazioni dove l’azione dell’autore avrebbe potuto sottolineare e mettere in luce il tormento interiore, le ansie e le angosce tanto quanto un atteggiamento più scientifico sulla reazione della materia e degli oggetti alla trasformazione artistica.

Alberto Burri fu forse quello che più di tutti riuscì a coniugare scientificità dell’azione sui materiali utilizzati, come iuta, plastica, legni, bruciati e poi ritoccati con colle, smalti, vernici, e la potenza espressiva delle ferite interiori e delle sofferenze depositate sulla propria emozionalità; il catalano Antoni Tàpies affiancò il percorso di Burri con una comunicatività più moderata ed equilibrata ma introducendo a sua volta elementi come argilla e polvere di marmo amalgamati nei colori utilizzati su legno e tela, ma anche la carta, i lacci delle scarpe e gli stracci a completare quel percorso di esplorazione nei confronti della possibilità espressiva di tutto ciò che abitualmente non viene considerato arte. Dunque l’Arte Informale riuscì a dare libertà agli interpreti che scelsero di aderirvi, sia dal punto di vista esteriore che da quello della possibilità di sperimentare e introdurre nuove idee all’interno di una tela, trasformando così il gesto pittorico in un’esperienza catartica dell’anima; questo tipo di risanamento interiore fu peraltro il concetto base dell’Arte Brut la quale, sebbene avesse prevalentemente caratteristiche più figurative, andava a sollecitare la capacità di mettere su tela tutto ciò che diversamente non era possibile esprimere, stimolando il processo di guarigione dei pazienti degli ospedali psichiatrici. L’artista genovese, ma con origini sarde, Pamela Caddeo da un lato sceglie l’Arte Informale per le sue infinite potenzialità di assecondarsi a tutto ciò che l’emozione del momento le suggerisce, trasformando la tela in un dialogo profondo con l’io più autentico e spontaneo, dall’altro compie un percorso di guarigione dell’anima, concetto base dell’Art Brut, in cui aveva bisogno di lasciar zampillare al di fuori di sé un periodo complesso e delicato che l’aveva messa faccia a faccia con la sofferenza e con la necessità di cambiare rotta alla sua vita.

Dunque nelle sue tele è percepibile tutta la forza emozionale con cui lei affronta ogni opera, ogni nuova creazione come quest’ultima fosse estensione del sé, perché in ogni momento ora, dopo l’evento che ha cambiato la sua esistenza, sa di dover assaporare l’istante e di manifestarlo attraverso un’espressione creativa che è un catartico canale comunicativo con l’esterno.

La totale impulsività realizzativa si svela nella scelta dei colori, che spesso sembrano chiedere essi stessi a Pamela Caddeo di essere scelti quasi la pittura fosse un unicum con le sensazioni incontenibili che spingono per essere raccontate, ma anche nella stesura delle tonalità di acrilico e degli altri materiali che vanno a stratificare e comporre i suoi dipinti, perché abitualmente utilizza le mani, graffia con la punta posteriore del pennello, inserisce cellulosa, pittura muraria, gesso che asciuga a phon, insomma, il suo processo esecutivo è di fatto un bilanciamento perfetto tra istinto e presa di coscienza, tra intuito e meditazione sul risultato del suo manifestarsi.

L’Arte Informale diviene così a volte materica, altre sperimentale e perfetta per permettere a Pamela Caddeo di compiere quel cammino evolutivo di cui l’essenza della nuova lei ha bisogno per continuare a tendere verso un’ascesa irrinunciabile; la tela La morte e la fenice è particolarmente emblematica di questo percorso perché sembra voler raccontare quanto sia necessario a volte lasciar morire, lasciar andare una parte di sé per trovare lo stimolo funzionale a rialzarsi in piedi, ad attingere alla forza e al coraggio per ricostruire dalle proprie ceneri una personalità nuova, più consapevole di dover assaporare ogni piccolo dono della vita ma anche di far sì che le cose accadano, di generare quei cambiamenti in grado di innescare un meccanismo di causa ed effetto che crea un domino energetico positivo e rigenerante. Il dipinto è sostanzialmente bicromo, il rosso e il giallo sono il simbolo della sofferenza, il primo, e della luce di rinascita il secondo, infondendo nell’osservatore la sensazione che essi siano due facce della stessa medaglia, quella dell’esperienza da cui scaturiscono nuovi punti di vista e inediti modi di affrontare ciò che accade.

Navigando sgretolandosi è un’opera contraddistinta prevalentemente dal grattage, dalle striature quasi nette ottenute stendendo direttamente con le dita quel misto di materiali che compongono il dipinto: pittura muraria, vinavil, gesso, cellulosa, acrilico e pittura dorata. Le linee consistenti che compongono l’intero lavoro servono appunto a sottolineare il senso del titolo, quella sensazione di andare alla deriva perdendosi nel fluttuare delle acque, metafora di una vita umana spesso molto più fragile di quanto si immagini e dunque la forza del mare ha il compito di essere un monito, di ricordare quanto sia importante apprendere a nuotare anche nella tempesta perché la vita è tutto ciò che l’essere umano ha. Affrontare le proprie paure e debolezze è un insegnamento importante perché è da quel punto che è possibile ripartire per osservare ogni cosa con sguardo diverso, è solo quando si è attraversato il buio della mareggiata che si può guardare alla luce in modo nuovo; ecco dunque che i solchi del cielo intorno alla vela, possono essere dissolutivi ma anche, e forse soprattutto, ricostruttivi di una nuova vita.

Nel dipinto Amore e Psiche invece, Pamela Caddeo affronta il tema dei sentimenti, l’universo dell’irrazionalità per eccellenza che sfugge a qualsiasi controllo della mente, malgrado i tentativi che quest’ultima compie per dare un senso a ciò che spesso un senso non ha; qui lo smalto argento sembra voler creare un involucro contenitivo per le molteplici emozioni contraddistinte da varie tonalità di rosa, che non riescono a restare all’interno di quei confini, tutt’altro, sembrano sfuggire a ogni tentativo di delimitare la loro forza prorompente. Il senso dell’opera è quello di trovare un equilibrio tra le due parti di sé, quella sentimentale ed emozionale e quella logica, eppure, come appare chiaramente, i confini razionali sono molto più deboli di quelli dell’amore, perché in fondo l’anima è talmente inafferrabile da trovare sempre un modo per seguire le proprie ragioni.

L’opera Piume è la più delicata ed eterea di questa selezione di Pamela Caddeo, lo sfondo è color indaco, la tonalità dei sogni, dell’intuizione superiore in grado di accogliere e custodire la leggerezza fluttuante di frammenti di sensazioni, di idee, di pensieri che avvolgono l’osservatore, quasi lo invitassero a lasciare da parte ogni resistenza costituita dalle proprie barriere e pensieri limitanti per ballare insieme agli elementi che compongono l’opera il cui volo impalpabile solo relativamente è disturbato da piccoli e delicati graffi che non riescono a interrompere l’ondeggiamento di quei preziosi frammenti dell’essere.

Pamela Caddeo inizia a esporre solo recentemente, nel 2023, eppure ha già al suo attivo la partecipazione a mostre collettive a Roma, Varazze, Imperia, Alassio, Milano, Ferrara, Barcellona e ha preso parte alle fiere internazionali Arte Genova e Vernice Art Fair di Forlì.

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The Informal Art by Pamela Caddeo, when colours become the focus of an irrepressible expressive force

At a time when the surrounding reality becomes too limiting to be able to describe all those implications that belong to the inner feeling, the artistic inspiration feels the need to find a medium more akin to its own nature; in this case, the most appropriate style to let the irrationality so feared in daily life can find an expressive language that excludes every rule, every scheme and every type of limitation, to escape from the artist’s interiority reaching with its force the emotional chords of the observer, is the dimension of formlessness. In this way, not only the chromatic choices but also the very approach to the canvas, that which is usually defined as technique, becomes functional in order to carry out that process of liberation which translates into necessary indefiniteness and that breaks through the executive boundaries to enter a more ancestral and primitive dimension. Today’s protagonist shows an overwhelming executive intention because it is dictated solely and exclusively by an instinct that is in fact the guide and light of her entire pictorial production.

Informal Art, the offspring of those intuitions that led to the distancing of all representations which could be traced back to observed reality, initiated an unprecedented way of understanding the whole indefinite and abstract world that had dominated the first decades of the 20th century; after a phase in which all subjectivity and emotionality that had been the main guideline of groups such as Suprematism, De Stijl and Geometric Abstractionism, many artists realised that it was anachronistic to leave the inner dimension completely out of painting practice, not least because the world had just come out of the world wars so there was a need to let emotions manifest themselves with all their force in art too. Abstract Expressionism, born in the United States, soon spread to Europe, where, however, the interpreters introduced matter, especially that derived from industrial waste or everyday objects, moulded and modified to emphasise everything that floated in the artist’s mind at the moment he was about to create an artwork. The smooth, two-dimensional surface of the canvas was therefore no longer sufficient to express inner sensations and therefore needed layers where the author’s action could emphasise and highlight inner torment, anxieties and anguish as much as a more scientific attitude to the reaction of matter and objects to artistic transformation.

Alberto Burri was perhaps the one who, more than anyone else, succeeded in combining the scientific nature of the action on the materials used, such as jute, plastic, wood, burnt and then retouched with glues, enamels, varnishes, and the expressive power of the inner wounds and sufferings deposited on his emotionality; the Catalan Antoni Tàpies followed Burri‘s path with a more moderate and balanced communicativeness, but introducing in turn elements such as clay and marble dust amalgamated in the colours used on wood and canvas, but also paper, shoelaces and rags to complete that path of exploration towards the expressive possibility of everything that is not usually considered art. Thus, Informal Art succeeded in giving freedom to the interpreters who chose to adhere to it, both from an exterior point of view and from that of the possibility of experimenting and introducing new ideas within a canvas, thus transforming the pictorial gesture into a cathartic experience of the soul; this type of inner healing was moreover the basic concept of Brut Art which, although it had predominantly more figurative characteristics, went on to solicit the ability to put on canvas everything that could not otherwise be expressed, stimulating the healing process of patients in psychiatric hospitals. The Genoese artist, but with Sardinian origins, Pamela Caddeo on the one hand chooses Informal Art for its infinite potential to go along with everything that the emotion of the moment suggests to her, transforming the canvas into a profound dialogue with the most authentic and spontaneous self; on the other hand, she follows a path of healing of the soul, a basic concept of Art Brut, in which she needed to let gush out of her a complex and delicate period that had brought her face to face with suffering and the need to change course in her life.

Thus, in her canvases it is perceptible all the emotional strength with which she faces each work, each new creation as if the latter were an extension of the self, because in every moment now, after the event that changed her existence, she knows she must savour the moment and manifest it through a creative expression that is a cathartic channel of communication with the outside world. The total impulsiveness of execution is revealed in the choice of colours, which often seem to ask Pamela Caddeo to be chosen as if the painting were a unicum with the uncontainable sensations that push to be told, but also in the drafting of the acrylic shades and other materials that layer and compose her paintings, because she habitually uses her hands, scratches with the back tip of the brush, inserts cellulose, wall paint, plaster that she dries with a hair dryer, in short, her execution process is in fact a perfect balance between instinct and awareness, between intuition and meditation on the result of its manifestation. Thus, Informal Art becomes at times material, at others experimental and perfect to allow Pamela Caddeo to make that evolutionary journey that the essence of the new her needs to continue to strive towards an undeniable ascent; the canvas Death and the Phoenix is particularly emblematic of this path because it seems to want to tell how necessary it is sometimes to let die, to let go of a part of oneself in order to find the functional stimulus to get back on one’s feet, to draw on the strength and courage to rebuild from one’s ashes a new personality, more aware of having to savour every little gift of life, but also of making things happen, of generating those changes capable of triggering a cause and effect mechanism that creates a positive and regenerating energy domino.

The painting is essentially bichromatic, with red and yellow symbolising suffering, the former, and the light of rebirth, the latter, instilling in the observer the feeling that they are two sides of the same coin, that of experience from which arise new points of view and new ways of dealing with what happens. Navigando sgretolandosi is a work predominantly characterised by grattage, by the almost sharp streaks obtained by directly applying with the fingers the mixture of materials that make up the painting: wall paint, vinavil, chalk, cellulose, acrylic and gold paint. The consistent lines that make up the entire work serve precisely to underline the meaning of the title, that sensation of drifting, losing oneself in the fluctuating waters, a metaphor for a human life that is often much more fragile than one imagines, and therefore the power of the sea has the task of being a warning, of reminding us how important it is to learn to swim even in the storm because life is all that human beings have. Facing one’s own fears and weaknesses is an important lesson because it is from that point that it is possible to start again in order to look at everything with a different gaze, it is only when one has crossed the darkness of the storm that can look at the light in a new way; thus, the furrows in the sky around the sail can be dissolving but also, and perhaps above all, reconstructive of a new life. In the painting Amore e Psiche (Cupid and Psyche), Pamela Caddeo tackles the theme of feelings, the universe of irrationality par excellence that escapes any control of the mind, despite its attempts to make sense of what often has no sense; here the silver enamel seems to want to create a containment envelope for the multiple emotions marked by various shades of pink, which cannot remain within those boundaries, on the contrary, they seem to escape any attempt to delimit their bursting strength.

The sense of the work is to find a balance between the two parts of oneself, the sentimental and emotional one and the logical one, yet, as it clearly appears, the rational boundaries are much weaker than those of love, because after all, the soul is so elusive that it always finds a way to follow its own reasons. The artwork Feathers is the most delicate and ethereal of this selection by Pamela Caddeo, the background is indigo, the shade of dreams, of superior intuition capable of welcoming and guarding the fluctuating lightness of fragments of sensations, of ideas, of thoughts that envelop the observer, as if inviting him to leave aside all resistance constituted by his own barriers and limiting thoughts in order to dance together with the elements that make up the work, whose impalpable flight is only relatively disturbed by small, delicate scratches that fail to interrupt the swaying of those precious fragments of being. Pamela Caddeo started exhibiting only recently, in 2023, yet she has already participated in group exhibitions in Rome, Varazze, Imperia, Alassio, Milan, Ferrara, Barcelona and has taken part in the international Arte Genova and Vernice Art Fairs in Forlì.