L’approccio alla pittura svela la personalità espressiva di ciascun autore e ne lascia emergere il pensiero, il punto di vista, l’attitudine verso la vita e tutto ciò che essa offre; lo stile che ogni interprete sceglie per manifestare la creatività si lega pertanto all’esigenza di esplicitare la propria filosofia, optando per un linguaggio più figurativo, oppure lasciarla alle pieghe dell’interiorità avvicinandosi spesso a una rappresentazione più informale che ha bisogno di una connessione meno visiva e più impulsiva. L’artista di cui vi racconterò oggi appartiene al primo gruppo di creativi, e attraverso il suo tocco pittorico delicato e intenso conduce l’osservatore verso una dimensione del passato modernista che in fondo riesce a essere ancora attuale, descrivendo figure femminili forti, romantiche intense, attraverso cui svela uno sguardo nostalgico verso tempi lontani che però hanno formato e liberato un’essenza femminile che oggi può scegliere di essere davvero se stessa senza limiti o restrizioni.
Intorno alla fine dell’Ottocento si diffuse in tutta Europa un movimento pittorico di opposizione all’industrializzazione selvaggia in virtù della quale ogni oggetto era riproducibile in serie e dove l’essere umano era considerato solo come parte di una catena di montaggio; in Inghilterra, grazie all’intuizione di William Morris, vide la vita l’Arts and Crafts secondo le cui linee guida l’arte doveva allontanarsi da ogni immagine reale, evitando così la concorrenza della fotografia, ma soprattutto doveva avere delle caratteristiche talmente lontane da ogni tentativo di riproduzione meccanico da rendere necessaria l’introduzione di forme sinuose, floreali, delicate. Una delle altre caratteristiche del movimento fu quella di comprendere nell’arte anche l’artigianato, trasformando così le capacità del secondo in arricchimento per il primo, e al contempo dando ai maestri artigiani un ruolo primario ed elevato che mai avevano avuto in precedenza. Ben presto la corrente artistica investì l’intero Vecchio Continente, modificando il proprio nome sulla base del paese di provenienza – Art Nouveau in Francia, Stile Liberty in Italia, Secessionismo in Austria, Jugendstil in Germania, Modernismo in Spagna – e rendendo la figura femminile preponderante nelle rappresentazioni pittoriche e in quelle grafiche che a quell’epoca cominciavano a essere sempre più diffuse; pur rappresentando la donna in modo etereo e sognante, questa corrente fu testimonianza dell’amore per la bellezza e l’armonia, per il bel vivere e la sontuosità, che predominavano prima della distruzione della guerra. L’interruzione bellica non cancellò la voglia di vivere degli artisti, né quella dei popoli, che subito dopo la fine del conflitto risorsero ricercando ancora fasti e divertimento per dimenticare ciò che era stato visto e vissuto, e anche per celebrare la salvezza. Fu in questo periodo di rinascita che proprio una donna cominciò a far sentire in modo incisivo la sua voce artistica dando vita a uno stile, l’Art Déco, fortemente legato alle atmosfere piacevoli ed eleganti dell’Art Nouveau in cui era presente però un’essenza più patinata, diversa nel tratto pittorico poiché Tamara de Lempicka, questo il nome della maggiore esponente dello stile, scelse tonalità piene e definite, introducendo così le teorie cromatiche dell’Espressionismo e dei Fauves, attraverso cui tratteggiava personalità femminili di grande carattere, stilose e fortemente al passo con i tempi moderni. La moda e l’eleganza si intrecciarono così a un approccio pittorico unico, scintillante esattamente come lo fu l’architettura Art Déco che intendeva divenire testimonianza di un periodo di desiderio di sfarzo, di celebrazione di tutto ciò che era stato tolto in precedenza.
L’artista rumena Ioana Ursu si ispira alle atmosfere di Tamara de Lempicka reinterpretandole secondo il proprio approccio alla vita e all’esistenza, dunque mantenendone il cromatismo deciso e il tratto quasi spigoloso sia nella rappresentazione dei volti che in quella della luce che appaiono dunque scolpire le sue protagoniste e i loro abiti, ma dandone una versione più espressionista, quasi simbolista in alcune tele, dunque ammorbidendo lo sguardo e facendo emergere un’interiorità e una sensibilità che nelle opere della maestra dell’Art Déco sembravano nascondersi dietro l’approccio algido e determinato a una società in cui la donna doveva ancora guadagnarsi l’emancipazione e il diritto di poter un ruolo più centrale.
Ioana Ursu si muove su una dimensione atemporale perché per lei è essenziale ritrarre e celebrare la donna in ogni sua sfaccettatura, sfumature di personalità che lei trasforma in personaggi delle tele, ciascuna figura femminile con la propria caratteristica e con un’accezione specifica di un universo misterioso, enigmatico e sempre incredibilmente emozionale.
Dal punto di vista stilistico alcune opere presentano una caratteristica più Art Déco, altre invece hanno un tratto più espressionista a volte mescolato alla Metafisica e al Simbolismo, pertanto Ioana Ursu va a generare un linguaggio personale e adattabile alla sensazione che desidera trasmettere e all’ambientazione in cui desidera collocare le sue protagoniste; il mistero metafisico viene allontanato per mantenerne prevalentemente il significato nascosto che ha bisogno di essere esplorato e approfondito, tanto quanto lo scintillìo delle atmosfere Art Déco viene affievolito e armonizzato a una contemporaneità che talvolta guarda al passato, altre invece sembra volersi calare pienamente nei tempi attuali per sottolineare quanto in fondo ciò che la donna è oggi è risultato delle conquiste di ieri, di quella delicata determinazione con cui le ave del secolo scorso hanno trasformato l’impossibile in possibile generando aperture e opportunità impensabili in precedenza.
L’opera Madame Ceylon appartiene dunque alla serie più legata a un periodo non troppo lontano, quegli anni Venti e Trenta che cominciavano a permettere alle ragazze più anticonformiste di avere la sfrontatezza necessaria a ritagliarsi il proprio posto nel mondo; la donna ha gli occhi chiusi come se stesse meditando su come perseguire un obiettivo, oppure potrebbe anche aver ricevuto un rifiuto al quale non si vuole piegare e sta meditando il modo per aggirare l’ostacolo. In entrambi i casi la sensazione che emerge, e che viene accentuata dal colore verde dell’abito e delle piante intorno a lei, colore associato alla crescita ma anche all’equilibrio e alla sicurezza interiore, è di concentrazione più che di rassegnazione alla situazione che sta vivendo.
Il tratto pittorico è deciso e al contempo delicato, nostalgico nei confronti di un’epoca in cui tutto era ancora da conquistare ma i valori del passato, come il rispetto, erano ancora solidi e radicati nella società. Nella tela Leda with the swan, Ioana Ursu mescola l’impronta estetica Art Déco a un Simbolismo che fuoriesce in modo chiaro attraverso la connessione profonda tra la figura femminile protagonista e il piumaggio bianco del cigno che sembra quasi abbracciarla con le sue ali per alleviare la sua solitudine interiore e proteggerla fino all’arrivo di un amore tenero e solido a cui la ragazza aspira.
L’espressione del volto è infatti sognante, quasi ad assaporare un momento che sembra sfuggirle quasi non appartenesse al suo destino ma che lei invece anela; i capelli sono mossi da un vento impercettibile che equivale al desiderio irrealizzato ed è per questo motivo che il cigno giunge in suo soccorso, per ricordarle con la sua presenza l’esistenza dell’amore eterno. Lo sfondo si accorda alla sensazione della donna, le nuvole del cielo enfatizzano la sensazione di abbandono della protagonista, quasi per la prima volta fosse riuscita a raccontare a se stessa ciò che in precedenza si era rifiutata di ammettere.
Mater mundi è il dipinto che più di tutti mostra caratteristiche riconducibili alla Metafisica, poiché qui la completa decontestualizzazione dello sfondo è funzionale a mettere in risalto il concetto centrale, quello della nascita e della figura femminile intesa come generatrice di vita in grado di infondere un significato particolare a tutto ciò a cui si dedica; in questo caso l’espressione della donna appare inquieta, quel guscio rotto sembra corrispondere ai timori che la terra non sia un posto così accogliente come sarebbe nella sua intenzione, e che tutto ciò che viene generato debba poi scontrarsi con il dolore e la lotta per la sopravvivenza che l’umanità sembra avere insita in sé. Da un altro punto di vista però, il volto della ragazza può rappresentare anche la delusione per un pianeta, il mondo evocato dal titolo, troppo spesso maltrattato dall’uomo come se egli non si rendesse conto dell’importanza di mantenere un ecosistema in cui ogni tassello, ogni essere vivente ha il suo compito fondamentale. Forse è questo il motivo per cui il tuorlo d’uovo che copre il suo occhio sembra sanguinare, perdendo il nutrimento essenziale per mantenere invece tutto in perfetta armonia, ed ecco perché il volto sembra sofferente invece che serenamente felice per avere l’importante compito di generare vita. In questa opera l’approccio formale Art Déco viene limitato ai monili colorati che sembrano costituire gli orecchini e la collana di Madre Natura, la quale non riesce a rinunciare alla sua spiccata femminilità.
Ioana Ursu, insegnante di educazione visiva e artista, laureata all’Università Nazionale delle Arti di Bucarest (Storia e Teoria dell’Arte) e alla Facoltà di Lettere dell’UGAL, ha partecipato a mostre d’arte personali e collettive in Romania e all’estero – Spagna e Grecia -, è illustratrice di libri e saggista.
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Between Art Deco and Expressionism, the celebration of the feminine world in the painting by Ioana Ursu
The approach to painting reveals the expressive personality of each author and lets emerge its thought, point of view, attitude towards life and all that it offers; the style that each author chooses to manifest creativity is therefore linked to the need to explicate his philosophy, opting for a more figurative language, or leave it to the folds of interiority often approaching a more informal representation that needs a less visual and more impulsive connection. The artist I am going to tell you about today belongs to the first group of creatives, and through her delicate and intense pictorial touch she leads the viewer to a dimension of the modernist past that basically still manages to be relevant, describing strong, romantic intense female figures, through which she reveals a nostalgic look back to distant times that nonetheless formed and liberated a female essence that today can choose to be truly herself without limits or restrictions.
Around the end of the nineteenth century spread throughout Europe a pictorial movement of opposition to unbridled industrialization under which every object was mass-producible and where the human being was considered only as part of an assembly line; in England, thanks to the intuition of William Morris, saw the birth of the Arts and Crafts according to whose guidelines art had to move away from any real image, thus avoiding competition from photography, but above all it had to have characteristics so far removed from any attempt at mechanical reproduction that it was necessary to introduce sinuous, floral, delicate forms. One of the other characteristics of the movement was that it also included craftsmanship in art, thus transforming the skills of the latter into enrichment for the former, and at the same time giving master artisans a primary and elevated role that they had never had before. Soon the artistic current invested the entire Old Continent, changing its name on the basis of the country of origin – Art Nouveau in France, Stile Liberty in Italy, Secessionism in Austria, Jugendstil in Germany, Modernism in Spain – and making the female figure preponderant in the pictorial and graphic representations that were beginning to be increasingly popular at that time; while representing women in an ethereal and dreamy way, this current was testimony to the love of beauty and harmony, of fine living and sumptuousness, that predominated before the destruction of war.
The wartime interruption did not erase the artists’ lust for life, nor the peoples’ one, who immediately after the end of the conflict rose up still seeking pomp and amusement to forget what had been seen and experienced, and also to celebrate salvation. It was during this period of rebirth that a woman in particular began to make her artistic voice incisively heard, giving birth to a style, Art Deco, strongly linked to the pleasant and elegant atmospheres of Art Nouveau in which there was, however, a more glossy essence, different in the pictorial stroke since Tamara de Lempicka, this is the name of the major exponent of the style, chose full and defined tones, thus introducing the chromatic theories of Expressionism and the Fauves, through which she sketched female personalities of great character, stylish and strongly in step with modern times.
Fashion and elegance were thus intertwined with a unique pictorial approach, glittering exactly as Art Deco architecture was intended to become testimony to a period of desire for glitz, a celebration of all that had previously been taken away. Romanian artist Ioana Ursu is inspired by the atmospheres of Tamara de Lempicka, reinterpreting them according to her own approach to life and existence, thus retaining the decisive chromaticism and the almost edgy stroke both in the representation of faces and in that of the light that therefore appear to sculpt her protagonists and their clothes, but giving them a more expressionist version, symbolist in some canvases, thus softening the gaze and bringing out an interiority and sensitivity that in the artworks of the Art Deco master seemed to be hiding behind the algid and determined approach to a society in which women had yet to gain emancipation and the right to be able to a more central role.
Ioana Ursu moves on a timeless dimension because for her it is essential to portray and celebrate women in all their facets, nuances of personality that she transforms into characters of the canvases, each female figure with her own characteristic and specific meaning of a mysterious, enigmatic and always incredibly emotional. Stylistically, some paintings present a more Art Deco characteristic, while others have a more expressionist trait sometimes mixed with Metaphysics and Symbolism, so Ioana Ursu goes about generating a personal language that is adaptable to the feeling she wishes to convey and the setting in which she wants to place her protagonists; the metaphysical mystery is removed in order to keep mainly its hidden meaning that needs to be explored and deepened, just as much as the sparkle of Art Deco atmospheres is faded and harmonized to a contemporaneity that sometimes looks to the past, others instead seems to want to fully immerse itself in current times in order to emphasize how basically what woman is today is the result of yesterday’s achievements, of that delicate determination with which the ave of the last century transformed the impossible into the possible by generating previously unthinkable openings and opportunities. The artwork Madame Ceylon thus belongs to the series most closely associated with a period not too distant, those 1920s and 1930s that were beginning to allow the most nonconformist girls to have the boldness necessary to carve out their own place in the world; the woman has her eyes closed as if she is pondering how to pursue a goal, or she may also have received a rejection to which she does not want to bow and is finding ways to go around the obstacle.
In either case, the feeling that emerges, and which is accentuated by the green color of the dress and the plants around her, a color associated with growth but also with inner balance and security, is one of concentration rather than resignation to the situation she is experiencing. The painterly stroke is firm yet delicate, nostalgic towards a time when everything was still to be conquered but the values of the past, such as respect, were still solid and rooted in society. In the canvas Leda with the swan, Ioana Ursu mixes the Art Deco aesthetic imprint with a Symbolism that comes out clearly through the deep connection between the female protagonist figure and the white plumage of the swan that almost seems to embrace her with its wings to alleviate her inner loneliness and protect her until the arrival of a tender and solid love to which the girl aspires. Indeed, the expression on her face is dreamy, as if savoring a moment that seems to elude her as if it did not belong to her destiny but which she instead yearns for; hair are moved by an imperceptible wind that equates to unrealized desire, and that is why the swan comes to her rescue, to remind her by its presence of the existence of eternal love. The background matches the woman’s emotions, the clouds in the sky emphasize the protagonist’s feeling of abandonment, as if for the first time she had been able to tell herself what she had previously refused to admit.
Mater mundi is the painting that most of all shows characteristics that can be traced back to Metaphysics, for here the complete decontextualization of the background is functional in emphasizing the central concept, that of birth and of the female figure understood as the generator of life capable of infusing a particular meaning into everything to which she devotes herself; in this case, the woman’s expression appears restless, that broken shell seems to correspond to fears that the earth is not as welcoming a place as it would be in her intention, and that all that is generated must then clash with the pain and struggle for survival that humanity seems to have inherent in it. From another point of view, however, the girl’s face may also represent disappointment with a planet, the world evoked by the title, too often mistreated by man as if he does not realize the importance of maintaining an ecosystem in which every piece, every living thing has its fundamental task. Perhaps this is why the egg yolk covering her eye seems to be bleeding, losing the essential nourishment to instead keep everything in perfect harmony, and this is why the face looks suffering instead of serenely happy for having the important task of generating life. In this artwork, the formal Art Deco approach is limited to the colorful jewelry that seems to make up the earrings and necklace of Mother Nature, who is unable to give up her distinct femininity. Ioana Ursu, visual education teacher and artist, a graduate of the National University of Arts in Bucharest (History and Theory of Art) and the Faculty of Humanities of UGAL, has participated in solo and group art exhibitions in Romania and abroad – Spain and Greece – and is a book illustrator and essayist.
