L’alternanza tra leggerezza e profondità dell’Espressionismo Astratto di Mari Knuuttila

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soulscape

Spesso la vita quotidiana induce a percorrere binari che non sono completamente compatibili con la piena essenza di un’interiorità sfaccettata e complessa che ha bisogno di un apporto più metodico e razionale tanto quanto di un altro impulsivo e privo di schemi; altrettanto di frequente, in questo caso, può emergere una vena artistica che consente di esprimere il lato meno sottoposto al controllo logico, quella parte del sé incapace di non lasciarsi andare a una dimensione istintiva attraverso la quale è possibile manifestare tutto ciò che appartiene alla spontaneità emozionale. L’incapacità di rientrare all’interno di regole espressive predeterminate induce questo tipo di personalità creative a scegliere un linguaggio stilistico che consenta loro di permettere al gesto pittorico di divenire il mezzo di connessione tra l’interno e l’esterno, inteso come energia che dall’osservato raggiunge le corde vibrazionali per poi fuoriuscire di nuovo. La protagonista di oggi ha lungamente lasciato in silenzio la sua natura artistica che però poi si è improvvisamente manifestata inducendola a prediligere un approccio Informale in cui ogni gesto, ogni colore, ogni evocazione, si assoggettano all’emozione predominante del momento in cui sceglie di iniziare una nuova tela.

Il moto di ribellione che tutto il mondo dell’arte ebbe nel periodo a cavallo tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del Novecento, si focalizzò principalmente sul divario tra contemplazione e riproduzione oggettiva della realtà osservata, che aveva predominato in tutta la pittura e la scultura antecedenti, e la nuova esigenza di irrorare le opere delle emozioni del soggetto esecutore così da trasformare il gesto creativo in un forte mezzo comunicativo e interpretativo. Furono i Fauves a voler affermare con determinazione e aggressività espressiva l’importanza di un sentire che apparteneva indissolubilmente agli artisti e che doveva manifestarsi per raggiungere e travolgere l’osservatore. Da questa teoria si svilupparono molti movimenti che predominarono il Ventesimo secolo, sia figurativi che astratti, perché i tempi erano maturi per un esistenzialismo che divenne irrinunciabile in particolar modo nel periodo a cavallo tra i conflitti mondiali e che determinò la nascita dell’Espressionismo, dove le ferite, le ansie e le angosce fuoriuscivano in maniera dirompente dalle tele di Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, così come il recupero della connessione profonda con la dimensione interiore perduta con tutti i movimenti di rinuncia alla riproduzione dell’osservato che si erano completamente distaccati da ogni influenza del soggetto sull’opera d’arte, intendo cioè il Suprematismo, il De Stijl, l’Astrattismo Geometrico e tutte le correnti ribelli e irriverenti come il Dadaismo che deridevano il concetto stesso dell’arte. Con l’Espressionismo Astratto fu rivalutata l’importanza del sentire profondo, della connessione con un’interiorità che doveva fuoriuscire sulla tela, anche nell’approccio astrattista perché altrimenti il distacco tra soggetto emanatore, l’esecutore dell’opera, e soggetto ricevente, l’osservatore, non avrebbe mai generato il totale coinvolgimento che un dipinto deve suscitare. Dunque il gruppo iniziale costituito da Jackson Pollock, Willelm de Koonig, Mark Rothko, Arshile Gorky considerati i fondatori dell’Espressionismo Astratto, si ampliò di molti altri nomi, tra cui Barnett Newman, Cy Twombly, Franz Kline, Morris Louis, espandendosi dagli Stati Uniti al vecchio continente, a testimonianza di quanto fosse necessario per l’Arte Astratta recuperare il contatto con le sensazioni. In Europa alcuni interpreti come Alberto Burri introdussero nell’Informale la materia, modificata e manipolata per essere assecondata alle emozioni del momento creativo, altri si concentrarono sulla monocromia quasi analitica ma in grado di generare suggestioni magnetiche, come Ives Klein, oppure rimanendo su un segno assoluto ampliato cromaticamente come nelle tele di Emilio Vedova. L’artista finlandese Mari Knuuttila percepisce l’arte come un momento di liberazione di tutto quel mondo irrazionale che non può lasciar fuoriuscire nella quotidianità di una professione basata essenzialmente su leggi e regolamenti da far osservare, pertanto il gesto espressivo è catartico poiché le permette di non avere alcuno schema a cui doversi attenere.

ultramarine
1 Ultramarine – acrylic on canvas, 90x90cm

È questo il motivo per cui la scelta stilistica è caduta fin dagli inizi del suo cammino artistico sull’Espressionismo Astratto, l’unico privo di qualsiasi canone predeterminato se non l’imperativo di lasciare che le sensazioni siano guida del gesto plastico della creazione di un’opera. E infatti sia dal punto di vista cromatico che narrativo, laddove il racconto è quello indefinito delle emozioni generate dall’osservazione di qualcosa oppure dalla riflessione su temi esistenziali e percettivi, le opere sembrano dividersi tra quelle più leggere e impalpabili, dove tutto sembra correre sul binario della meditazione, della morbidezza, come se l’intera composizione coloristica fosse funzionale ad accogliere la positività e l’intensità dell’anima, e altre in cui Mari Knuuttila si sofferma su atmosfere meno rassicuranti, più inquiete o semplicemente dove i contrasti sono molto più evidenti esattamente come accade nella realtà della vita.

lily
2 Lily – acrylic on canvas, 80x60cm

Le tonalità scelte dall’artista sono perciò fondamentali per sottolineare quale sia la sensazione emergente di volta in volta, quella che nel preciso istante creativo ha bisogno di predominare e poi debordare sotto forma di arte; anche l’interpretazione astrattista varia sulla base della necessità di accordarsi al sentire più profondo, dunque in alcuni casi i rilievi e le striature ottenute con la tecnica mista di cui Mari Knuuttila spesso si avvale sono marcatamente evidenti mentre in altri l’espressività viene ottenuta solo e unicamente con gradazioni di tonalità, e in alcune invece emergono grattage che sembrano incidere il colore sottolineandone l’intensità.

earth wind and fire
3 Earth, Wind and Fire – mixed media on canvas, 80x100cm

Earth, wind and Fire mette in connessione l’artista con quegli elementi naturali che contraddistinguono il paese da cui proviene e in cui vive, la Finlandia, perché lì dove la densità abitativa è inferiore rispetto ad altre nazioni europee, è più facile non perdere quel necessario legame con la terra che ospita l’essere umano e che spesso viene trascurata come se non contasse. Mari Knuuttila mette in evidenza invece la pura bellezza delle tonalità cromatiche che appartengono ai tre elementi, quasi volesse sottolineare quanto l’uno abbia bisogno dell’altro, la terra per costituire le radici, il fuoco per stimolare la passione e il coraggio e l’aria per sollevare e far volare i sogni. La linea netta che divide in due la tela sembra essere un orizzonte che rende impossibile distinguere il cielo dalla terra, come se oltre un certo livello, quello raggiunto dall’anima, tutto avesse un senso differente da quello percepito con la razionalità.

red energy
4 Red Energy – mixed media on canvas, 60x80cm

Red energy sottolinea ancora una volta l’importanza del saper ascoltare tutto ciò che dall’esterno raggiunge l’interiorità, generando una forza comunicativa che viene sospinta dai colori e dalla capacità di accoglierne e interpretarne il significato; Mari Knuuttila attribuisce al rosso sfumato verso l’arancio la capacità di illuminare il buio dello sfondo proprio in virtù dell’energia sprigionata che può essere intesa come metafora di una consapevolezza a volte raggiunta in modo prorompente, quasi incontenibile e in occasione di un evento dove è necessario guardarsi dentro e ascoltare tutto quel mondo rimasto a lungo in silenzio ma che improvvisamente deve far sentire la propria voce.

the door
5 The Door – mixed media on canvas, 90×75,5cm

La tela The door appartiene al contrario a quella serie in cui il buio predomina, in cui l’artista ha bisogno di affrontare i propri interrogativi, gli enigmi che appartengono all’esistenza, quanto alla sua anima, e che devono in qualche modo essere affrontati; la porta di cui parla il titolo costituisce lo spartiacque tra una certezza acquisita e rassicurante, e l’incognito che si trova dietro di essa, oltre quella soglia che è necessario aprire se si vogliono incontrare nuove opportunità. L’inganno visivo generato da Mari Knuuttila, adotta il nero come sinonimo di inquietudine e usa il grattage per rendere meno attrattiva la porta, suggerendo quanto spesso le persone si lasciano condizionare dall’aspetto associandovi sensazioni poco piacevoli e permettendo così alle convinzioni limitanti di arrestare un’evoluzione che invece sarebbe funzionale al miglioramento di sé e alla scelta di fare un salto nel buio rischioso quanto nella maggior parte dei casi favorevole e positivo.

feels like summer
6 Feels like summer – mixed media on canvas, 120x100cm

La tela Feels like summer è l’unica di questa selezione a mostrare un lato figurativo poiché il volto della donna sembra immergersi all’interno della girandola di emozioni legate alla stagione più piacevole e spensierata, quella delle vacanze e dell’atteso riposo, quella in cui il sole è più forte e le giornate sono più lunghe e dunque si può stare all’aria aperta, si può trarre beneficio da tutta la vitalità e dalla leggerezza di quel periodo dell’anno; la figura femminile protagonista sembra rapita nel ricordo di un frangente appena trascorso, come se le sensazioni non riuscissero ad allontanarsi da lei, come se volesse mantenere la piacevolezza ancora un po’ con sé. Le macchie di colore delicate ed evanescenti come un fiore di tarassaco, rappresentano il caleidoscopio di sentimenti che la avvolgono e che le resteranno addosso molto a lungo.

abstract woman
7 Abstract woman – mixed media on canvas, 100x80cm

Mari Knuuttila ha iniziato a dipingere recentemente, ascoltando l’impulso interiore che le suggeriva di entrare in connessione con la sua parte creativa, e da quel momento ha cominciato un percorso espositivo che l’ha vista protagonista di mostre personali e collettive in Finlandia, in Italia e nel corso del 2025 in Spagna, Turchia, Estonia, USA e Qatar.

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The alternation between lightness and depth in Mari Knuuttila’s Abstract Expressionism, listening to the inner sound of sensations

Everyday life often induces to travel along tracks that are not completely compatible with the full essence of a multifaceted and complex interiority that needs a more methodical and rational input as much as an impulsive and unpatterned one; just as frequently, in this case, can emerge an artistic vein that allows to express the side less subject to logical control, that part of the self incapable of not letting go of an instinctive dimension through which it is possible to manifest everything that belongs to emotional spontaneity. The inability to fit within predetermined rules of expression induces this type of creative personality to choose a stylistic language that allows them to let the pictorial gesture to become the means of connection between the inside and the outside, understood as energy that from the observed reaches the vibrational chords and then flows out again. Today’s protagonist has long left her artistic nature in silence, which, however, then suddenly manifested inducing her to favor an Informal approach in which every gesture, every color, every evocation, subjects itself to the predominant emotion of the moment in which she chooses to begin a new canvas.

The movement of rebellion that the entire art world had in the period between the end of the nineteenth century and the beginning of the twentieth century focused mainly on the gap between contemplation and objective reproduction of observed reality, which had predominated in all antecedent painting and sculpture, and the new need to sprinkle the artworks with the emotions of the subject executor so as to transform the creative gesture into a strong communicative and interpretive medium. It was the Fauves who wanted to assert with determination and expressive aggression the importance of a feeling that belonged inextricably to artists and that had to manifest itself in order to reach and overwhelm the viewer. From this theory developed many movements that predominated the twentieth century, both figurative and abstract, because the time was ripe for an existentialism that became inescapable especially in the period between the world wars and that led to the birth of Expressionism, where the wounds, anxieties and anguish leaked out disruptively from the canvases of Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, as well as the recovery of the deep connection with the inner dimension lost with all the movements of renunciation of the reproduction of the observed that had completely detached themselves from any influence of the subject on the work of art, by which I mean Suprematism, De Stijl, Geometric Abstractionism and all the rebellious and irreverent currents such as Dadaism that mocked the very concept of art.

With Abstract Expressionism the importance of deep feeling, of the connection with an interiority that had to leak out onto the canvas, was revalued, even in the abstractionist approach because otherwise the detachment between the emanating subject, the author of the artwork, and the receiving subject, the viewer, would never generate the total involvement that a painting must elicit. So the initial group consisting of Jackson Pollock, Willelm de Koonig, Mark Rothko, and Arshile Gorky, considered the founders of Abstract Expressionism, expanded by many other names, including Barnett Newman, Cy Twombly, Franz Kline, Morris Louis, spreading from the United States to the old continent, testifying to how necessary it was for Abstract Art to recover contact with sensations. In Europe, some interpreters as Alberto Burri introduced matter into Informal Art, modified and manipulated to be pandered to the emotions of the creative moment; others focused on monochromy that was almost analytical but capable of generating magnetic suggestions, such as Ives Klein, or remaining on an absolute sign expanded chromatically as in the canvases of Emilio Vedova.

The Finnish artist Mari Knuuttila perceives art as a moment of liberation of all that irrational world that she cannot let out in the daily routine of a profession based essentially on laws and regulations to be enforced, therefore the expressive gesture is cathartic since it allows her to have no pattern to adhere to. This is the reason why her stylistic choice from the very beginning of her artistic journey has fallen on Abstract Expressionism, the only one devoid of any predetermined canon other than the imperative to let sensations guide the plastic gesture of creating an artwork. And indeed, both chromatically and narratively, where the narrative is the indefinite one of emotions generated by observation of something or reflection on existential and perceptual themes, the paintings seem to divide between the lighter and more impalpable ones, where everything seems to run on the track of meditation of softness, as if the entire color composition was functional to accommodate the positivity and intensity of the soul, and others in which Mari Knuuttila dwells on atmospheres that are less reassuring, more restless or simply where the contrasts are much more evident exactly as happens in the reality of life.

The tones chosen by the artist are therefore crucial in emphasizing which is the emerging feeling from time to time, the one that in the precise creative instant needs to predominate and then overflow in the form of art; even the abstractionist interpretation varies on the basis of the need to tune in to the deepest feeling, so in some cases the reliefs and streaks obtained with the mixed technique that Mari Knuuttila often makes use of are markedly evident while in others the expressiveness is achieved solely and only with gradations of tonality, and in some instead emerges grattage that seems to etch the color emphasizing its intensity. Earth, Wind and Fire connects the artist with those natural elements that distinguish the country from which she comes from and in which she lives, Finland, because there where the population density is lower than in other European nations, it is easier not to lose that necessary bond with the land that is home to human beings and that is often neglected as if it did not matter.

Instead, Mari Knuuttila highlights the sheer beauty of the color tones that belong to the three elements, as if to emphasize how much one needs the other, earth to constitute the roots, fire to stimulate passion and courage, and air to lift and make dreams fly. The sharp line dividing the canvas in two seems to be a horizon that makes it impossible to distinguish heaven from earth, as if beyond a certain level, the one reached by the soul, everything had a different meaning from the one perceived with rationality. Red energy again emphasizes the importance of being able to listen to all that from the outside reaches the inside, generating a communicative force that is propelled by the colors and the ability to welcome and interpret their meaning; Mari Knuuttila attributes to the red shaded toward orange the ability to illuminate the darkness of the background precisely by virtue of the energy released, which can be understood as a metaphor for an awareness sometimes reached in a bursting, almost irrepressible way and on the occasion of an event where it is necessary to look inside and listen to all that world that has remained silent for a long time but suddenly has to make its voice heard.

On the contrary, the canvas The door belongs to that series in which darkness predominates, in which the artist needs to face her own questions, the enigmas that belong to existence, as much as to her soul, and that must somehow be confronted; the door of which the title speaks constitutes the watershed between an acquired and reassuring certainty, and the unknown that lies behind it, beyond that threshold that is necessary to open if new opportunities are to be encountered. The visual deception generated by Mari Knuuttila, adopts black as a synonym for disquiet and uses grattage to make the door less attractive, suggesting how often people allow themselves to be conditioned by appearance by associating unpleasant feelings with it and thus allowing limiting beliefs to halt an evolution that would instead be functional to self-improvement and the choice to take a leap into the dark as risky as in most cases favorable and positive. The canvas Feels like summer is the only one in this selection to show a figurative side as the woman’s face seems to immerse itself within the whirlwind of emotions associated with the most pleasant and carefree season, the season of vacations and long-awaited rest, the one in which the sun is strongest and the days are longest and therefore one can be outdoors, benefit from all the vitality and lightness of that time of year; the female protagonist figure seems enraptured in the memory of a juncture that has just passed, as if the sensations could not get away from her, as if she wanted to keep the pleasantness with her a little longer. The spots of color as delicate and evanescent as a dandelion flower represent the kaleidoscope of feelings that envelop her and that will stay with her for a very long time. Mari Knuuttila started painting recently, listening to the inner impulse that suggested her to connect with her creative side, and from that moment she began an exhibition journey that has seen her featured in solo and group exhibitions in Finland, Italy and during 2025 in Spain, Turkey, Estonia, the USA and Qatar.