L’alternanza tra allegria e introspezione dell’Espressionismo Astratto di Simona Sedláková, osservando i due lati dell’essenza umana

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Il dualismo che inevitabilmente appartiene alla natura dell’uomo non viene spesso lasciato emergere nell’ambito artistico poiché la tendenza degli interpreti della pittura è di mostrare il lato predominante attraverso cui essi guardano tutto ciò che li circonda, quel mondo reale o emozionale che diviene essenziale per la loro manifestazione espressiva; eppure, come due facce della stessa medaglia, esiste un lato più ombroso e uno più solare in ciascun individuo, sulla base delle circostanze e della fase dell’esistenza che si attraversa, e dunque narrare questa ambivalenza può divenire un modo inedito di concretizzare una natura artistica che non riesce a soffermarsi solo su una parte di sé. La protagonista di oggi sviluppa la sua produzione pittorica restando in perfetto equilibrio tra un approccio più meditativo e riflessivo, e uno invece più impulsivo, solare e positivo, mostrando quanto entrambi appartengano alla sua indole creativa.

Nel momento in cui nella storia dell’arte si generò una rottura tra tutto ciò che era stato un irrinunciabile schema espressivo, orientato alla rappresentazione estetica dell’osservato e al seguire le regole accademiche, lo stravolgimento dei concetti fu tale da far considerare il Novecento come il secolo più rivoluzionario di ogni tempo, dal punto di vista culturale, pittorico e scultoreo. In particolare furono tutti quegli autori che scelsero di distaccarsi dalla narrazione oggettiva a sottolineare una superiorità del gesto plastico su qualsiasi realtà circostante, tratteggiando una dimensione completamente avulsa dall’osservato che richiedeva una capacità di contemplazione assolutamente differente. L’Arte Astratta, questo il nome del nuovo movimento, fu creata da Wassily Kandinsky per essere in qualche modo un mezzo di connessione tra la mancanza di punti di riferimento percepibili dagli occhi e le sensazioni di fluttuazione nello spazio della coscienza interiore e di emozioni che potevano liberarsi in virtù dell’ascolto della musica; tuttavia gli altri autori che aderirono all’idea di staccare la raffigurazione artistica da una realtà che ormai poteva essere immortalata anche attraverso l’emergente tecnica fotograica, virarono verso un rifiuto totale di ogni soggettività dell’autore per spingersi verso l’estremizzazione geometrica, e cromatica, delle loro opere. Il Suprematismo e il De Stjil ridussero la rappresentazione a figure come il quadrato, il rettangolo e le linee mentre i colori ai soli toni primari proprio per mettere in evidenza l’estraneità della purezza dell’arte rispetto a qualunque emozione umana. Eppure le sensazioni interiori, le tempeste provocate dalle incertezze e dalle angosce dei conflitti mondiali, avevano bisogno di fuoriuscire e manifestarsi e così, qualche decennio dopo, l’Espressionismo Astratto, creato negli Stati Uniti grazie alla determinazione e alle intuizioni di Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning e Arshile Gorky, rinunciò a qualsiasi tipo di forma per entrare nel mondo indefinito e intellegibile dell’informale più assoluto, dove non esistevano più regole esecutive o cromatiche perché la vera e unica linea guida era di lasciare che l’irrazionalità, l’impulsività e l’emozione agissero sulla tela adattandosi alla personalità espressiva del singolo autore. Dunque il Dripping di Pollock e di Lee Krasner sembrava entrare in contrasto con la calma evocativa del Color Field di Mark Rothko e di Helen Frankenthaler, tanto quanto i monocromi di Barnett Newman sembravano essere completamente distanti dagli incisivi segni nero su bianco delle tele di Franz Kline. All’interno di questo movimento, ciascun artista poteva esprimere la propria personalità e soprattutto la propria interiorità lasciando predominare la propria parte preponderante. L’artista slovacca Simona Sedláková invece sceglie di portare alla luce le due diverse facce della medaglia del suo temperamento creativo, come se all’interno di sé convivessero due anime entrambe dominanti sulla base della sensazione del momento o della spinta che la induce a porsi davanti alla tela per dare inizio a una nuova opera.

Il lato più meditativo viene interpretato attraverso un Color Field tendenzialmente bicromo ma tono su tono, come se gli squarci più scuri che contraddistinguono queste tele fossero le domande, gli interrogativi e le riflessioni che hanno bisogno di emergere in un contesto silenzioso, rappresentato dalla tonalità più chiara sottostante, perché è solo quando l’animo si trova davanti a se stesso e privato di ogni barriera per difendersi dall’esterno, che può compiere quel percorso profondo in cui far fuoriuscire tutto ciò che normalmente viene messo a tacere dalla quotidianità.

L’altro lato, quello solare e vivace, è narrato da Simona Sedláková con una tavolozza di colori sfaccettata, vibrante, intensa e travolgente come solo le emozioni positive come l’allegria e l’entusiasmo possono essere; la tavolozza si tinge così di rosa, di fucsia, di arancione, di azzurro, di verde, quasi a voler far zampillare verso l’esterno quella girandola di sensazioni appartenenti alla gioia di vivere e a un approccio sorridente e vitale a tutte le esperienze che si presentano. Dal punto di vista più strettamente esecutivo Simona Sedláková fa i conti con un eclettismo sperimentatore che la induce a utilizzare la tecnica ad acrilico mescolata a filo di rame, oppure l’encausto su superficie di legno, mostrando così una particolare abilità nel plasmare differenti approcci e molteplici materiali alla sua intenzione espressiva.

Winter dreaming appartiene proprio ai lavori eseguiti a encausto, così come alla parte più introspettiva della sua personalità creativa; sembra che qui l’autrice non solo voglia sottolineare il colore che più di tutti rappresenta la stagione invernale, e cioè il bianco della neve, bensì anche la sensazione di protezione che il manto candido infonde, quasi all’interno della mancanza di rumore che la sua presenza genera fosse più semplice riuscire ad ascoltare i propri pensieri e a lasciarsi andare alla semplice piacevolezza che il paesaggio che si svela infonde all’interno dell’animo dell’autrice. L’invito è quello di tuffarsi dentro quella morbidezza avvolgente, sfidandone il freddo che inevitabilmente si genera e che costituisce l’ultima barriera prima di affondare dentro un’interiorità troppo spesso inascoltata.

Nella tela Wild bird invece, Simona Sedláková mescola la suggestione dei colori acrilici in tonalità terrose con la brillantezza cangiante del filo di rame che ricorda vagamente le ali di un uccello ma che in fondo potrebbero anche essere le stesse di cui l’essere umano ha bisogno per non dimenticarsi di sognare, di osare e di sollevarsi dagli ostacoli contingenti per perseguire obiettivi apparentemente lontani e tuttavia possibili. È nel contesto di questo coraggio che l’autrice inserisce la parola selvaggio del titolo, come se solo ascoltando la parte più impulsiva di sé, l’interiorità riuscisse a non conformarsi a tutto ciò che non la fa sentire appagata scegliendo di combattere per la propria realizzazione più completa; ecco dunque che la luminosità del rame sottolinea la preziosità del mantenere vivo l’entusiasmo e la consapevolezza che tutto può essere possibile se solo si sceglie di non arrendersi.

La tela With essence of summer appartiene all’altro lato di Simona Sedláková, quello che ha bisogno di procedere spensierato, apprezzando solo il bello dell’esistenza, i colori della vita che fuoriescono e coinvolgono chi è capace di lasciarsi andare alla bellezza, non tanto estetica quando sostanziale, di tutto ciò che ruota intorno all’essere umano; qui a essere celebrata è la stagione della libertà, dell’esplosione rigogliosa della natura, del calore del sole che scalda le temperature ma anche l’anima in virtù della leggerezza che contraddistingue quel particolare periodo dell’anno. L’artista sceglie dunque una gamma cromatica energica e vitale che infonde nell’osservatore la sensazione di trovarsi immerso nei colori e nei profumi tipici inducendolo a perdersi nei ricordi di momenti trascorsi e vissuti con la stessa allegria che emerge dall’opera.

Purple soul, pur appartenendo al gruppo di opere legate al lato solare di Simona Sedláková, ha invece un approccio più intimista sottolineato dalla predominanza dei colori magenta e ciclamino, che vanno proprio a stimolare le vibrazioni dell’anima, e anche dalla semplicità espressiva con cui l’artista racconta un delicato fiore stilizzato, forse evocazione della sensibilità di un’interiorità che ha bisogno di essere protetta ma al contempo manifestata perché è solo nell’equilibrio tra prudenza e coraggio che è possibile permettere a se stessi di evolvere e di vivere una vita piena. In quest’opera viene introdotto anche un lieve segno grafico, quasi l’autrice volesse tracciare un confine tra mancanza di forma e necessità di trovare dei riferimenti per comprendere, talvolta, quei messaggi interiori più accessibili per la mente, definendo e tratteggiando l’immagine del fiore che diviene metafora delle profondità dell’animo.

Simona Sedláková ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive e personali in Slovacchia e all’estero ricevendo consensi sia dal pubblico che dagli addetti ai lavori e dalla critica.

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The alternation between cheerfulness and introspection in Simona Sedláková’s Abstract Expressionism, observing the two sides of the human essence

The dualism that inevitably belongs to the nature of man is not often allowed to emerge in the artistic sphere, as the tendency of painters is to show the predominant side through which they view everything around them, that real or emotional world that becomes essential to their expressive manifestation; and yet, like two sides of the same coin, there is a shadier and a sunnier side to each individual, depending on the circumstances and the phase of existence one goes through, and so narrating this ambivalence can become an unprecedented way of realising an artistic nature that fails to dwell on just one side of itself. Today’s protagonist develops her pictorial production by remaining perfectly balanced between a more meditative and reflective approach, and one that is more impulsive, sunny and positive, showing how much both belong to her creative nature.

At the moment when a rupture was generated in the history of art between everything that had been an inalienable expressive scheme, oriented towards the aesthetic representation of the observed and the following of academic rules, the upheaval of concepts was such that the 20th century was considered the most revolutionary century of all time, from a cultural, pictorial and sculptural point of view. In particular, it was all those authors who chose to detach themselves from objective narration who emphasised a superiority of the plastic gesture over any surrounding reality, outlining a dimension completely detached from the observed that required an absolutely different capacity for contemplation. Abstract Art, this was the name of the new movement, was created by Wassily Kandinsky to be in some way a means of connecting the lack of reference points perceptible to the eyes with the sensations of fluctuation in the space of the inner consciousness and emotions that could be freed by virtue of listening to music; however, the other authors who adhered to the idea of detaching artistic depiction from a reality that could now also be immortalised through the emerging photographic technique, veered towards a total rejection of any subjectivity of the author in order to push the geometric, and chromatic, extremization of their works. Suprematism and De Stjil reduced representation to figures such as the square, the rectangle and lines, and colours to primary tones in order to emphasise the extraneousness of the purity of art to any human emotion. Yet the inner feelings, the storms caused by the uncertainties and anxieties of the world wars, needed to come out and manifest themselves and so, a few decades later, Abstract Expressionism, created in the United States thanks to the determination and insights of Jackson Pollock, Mark Rothko, Willem de Kooning and Arshile Gorky, renounced any kind of form in order to enter the undefined and intelligible world of the most absolute informal, where there were no longer any rules of execution or colour because the true and only guideline was to let irrationality, impulsiveness and emotion act on the canvas, adapting to the expressive personality of the individual artist. Thus Pollock‘s and Lee Krasner‘s Dripping seemed to contrast with the evocative calm of Mark Rothko‘s and Helen Frankenthaler‘s Colour Field, just as Barnett Newman‘s monochromes seemed to be completely distant from the incisive black-on-white marks of Franz Kline‘s canvases. Within this movement, each artist was able to express his own personality and above all his own interiority, leaving one’s own side to predominate. The Slovakian artist Simona Sedláková, chooses instead to bring to light the two different sides of the coin of her creative temperament, as if two souls coexisted within her, both dominating on the basis of the feeling of the moment or the impulse that leads her to place herself in front of the canvas to begin a new artwork. The more meditative side is interpreted through a Colour Field that tends to be bichromatic but tone-on-tone, as if the darker gaps that distinguish these canvases were the questions, interrogations and reflections that need to emerge in a silent context, represented by the lighter shade below, because it is only when the soul is in front of itself and deprived of any barrier to defend itself from the outside that it can make that profound journey in which to let out all that is normally silenced by everyday life. The other side, the sunny and lively one, is narrated by Simona Sedláková with a multifaceted, vibrant, intense and overwhelming palette of colours, as only positive emotions such as joy and enthusiasm can be; the palette is thus tinged with pink, fuchsia, orange, blue and green, as if to make that whirlwind of sensations belonging to the joy of life and a smiling, vital approach to all experiences. From a more strictly executive point of view, Simona Sedláková reckons with an experimental eclecticism that leads her to use the acrylic technique mixed with copper wire, or encaustic on a wooden surface, thus showing a particular ability to mould different approaches and multiple materials to her expressive intention. Winter dreaming belongs precisely to the works executed in encaustic, as well as to the more introspective part of her creative personality; it seems that here the author not only wishes to emphasise the colour that most represents the winter season, namely the white of snow, but also the feeling of protection that the white mantle instils, almost as if within the lack of noise that its presence generates it were easier to be able to listen to one’s own thoughts and to let oneself go to the simple pleasantness that the landscape that is revealed instils within the author’s soul. The invitation is to dive into that enveloping softness, challenging the coldness that is inevitably generated and constitutes the last barrier before sinking into an interiority that is too often unheard. In the canvas Wild bird, on the other hand, Simona Sedláková mixes the suggestion of acrylic colours in earthy tones with the iridescent brilliance of copper wire, vaguely reminiscent of a bird’s wings, but which in the end could also be the same as the wings that human beings need in order not to forget to dream, to dare and to rise above contingent obstacles to pursue goals that are apparently far away and yet possible. It is in the context of this courage that the author inserts the word wild in the title, as if only by listening to the most impulsive part of oneself, the inner self could manage not to conform to everything that does not make it feel fulfilled, choosing to fight for its own more complete realisation; thus, the luminosity of copper underlines the preciousness of keeping enthusiasm alive and the awareness that everything can be possible if only one chooses not to give up. The canvas With essence of summer belongs to the other side of Simona Sedláková, the one that needs to proceed light-heartedly, appreciating only the beauty of existence, the colours of life that emerge and involve those capable of letting themselves go to the beauty, not so much aesthetic as substantial, of everything that revolves around the human being; to be celebrated here is the season of freedom, of the lush explosion of nature, of the warmth of the sun that heats up the temperatures but also the soul by virtue of the lightness that characterises this particular time of year. The artist therefore chooses an energetic and vital chromatic range that infuses the observer with the sensation of being immersed in typical colours and scents, inducing him to lose himself in memories of moments spent and experienced with the same joy that emerges from the work. Purple soul, although belonging to the group of works related to Simona Sedláková‘s sunny side, has instead a more intimist approach emphasised by the predominance of magenta and cyclamen colours, which stimulate the vibrations of the soul, and also by the expressive simplicity with which the artist depicts a delicate stylised flower, perhaps evoking the sensitivity of an interiority that needs to be protected but at the same time manifested because it is only in the balance between prudence and courage that one can allow oneself to evolve and live a full life. In this work is also introduced a slight graphic sign, almost as if the author wanted to draw a boundary between lack of form and the need to find references to understand, at times, those inner messages that are more accessible to the mind, defining and sketching the image of the flower that becomes a metaphor for the depths of the soul. Simona Sedláková has participated in group and solo exhibitions in Slovakia and abroad to her credit, receiving acclaim from both the public and critics.