La capacità di mettere in risalto e lasciar parlare la parte più morbida e delicata dell’interiorità appartiene a molti artisti, soprattutto quelli in grado di osservare la realtà attraverso il filtro del sogno, dell’immaginazione intuitiva in virtù della quale è possibile andare oltre il visibile per connettersi con le energie che corrono a un livello più alto, inspiegabile eppure fortemente percepibile. Questi interpreti dell’arte hanno sempre saputo generare una dimensione quasi magica dentro cui gli appassionati di ogni tempo non hanno potuto fare a meno di desiderare di immergersi, quasi quella momentanea fuga dalla contingenza costituisse un angolo irrinunciabile per un’interiorità troppo spesso imbrigliata nelle pieghe della realtà. L’artista di cui vi racconterò oggi racconta diverse sfaccettature del mondo femminile a cui lei stessa appartiene, e che dunque comprende nella loro complessità, collocando le figure protagoniste in ambientazioni serene e magiche, piacevolmente avvolgenti, per far sì che si lascino andare e mostrino la loro vera essenza, quella parte istintiva e selvaggia che le avvicina al mondo della natura più affine alle caratteristiche che il loro carattere rivela.
La nascita dell’Espressionismo coincise con la presa di coscienza da parte di un gruppo di artisti, inizialmente i francesi definiti Fauves, che tutta l’arte precedente si era concentrata solo e unicamente sulla narrazione estetica, sulla riproduzione fedele di una realtà circostante che così perdeva il senso più profondo, quello che poteva essere compreso solo in virtù del filtro della soggettività dell’autore; per compiere quel cambiamento dell’intenzione pittorica ne sarebbe stato necessario anche uno formale che rompesse ogni schema esecutivo per allontanarsi completamente dall’oggettività pur di conformarsi completamente al sentire dell’autore di un’opera. Il risultato fu un abbandono della terza dimensione, del chiaroscuro e delle sfumature cromatiche in favore di tele a tinte forti, evocanti lo stato d’animo, l’irrequietezza o la semplicità quotidiana dell’artista; dunque dalle atmosfere familiari e piene di gioie semplici raccontate da Henri Matisse si passava alle inquietudini degli autori del nord Europa come Edvard Munch, le cui atmosfere cupe riflettevano le angosce e la disperazione provate in vita dall’autore stesso, all’incertezza del vivere di Egon Schiele, aggrappato alla fisicità e alla sessualità per poter tollerare il dolore esistenziale. Ma l’Espressionismo ebbe anche interpreti che seppero donare un punto di vista diverso, più rarefatto e orientato a mettere in evidenza il positivo, l’irreale, il sogno, esaltato dai colori decontestualizzati ma tuttavia funzionali a permettere agli autori di tratteggiare la realtà esattamente come immaginata dal loro sguardo sognante. August Macke sottolineò la gradevolezza di tutto ciò su cui si posavano i suoi occhi, quella rilassata vita di fine Ottocento arricchita da tonalità forti eppure a volte soffuse, funzionali a sottolineare l’appartenenza a una dimensione filtrata dall’interpretazione personale; Franz Marc si concentrò invece sul mondo animale, in special modo suoi soggetti favoriti furono i cavalli, quasi lo ritenesse l’unico talmente spontaneo e sincero da permettergli di abbandonarsi alle emozioni più pure; e poi Marc Chagall che riuscì a irrorare l’Espressionismo con quella magia in grado di trasformare la realtà, di arricchirla di quella bellezza innocente di cui egli, il sognatore per eccellenza, riusciva a riempirsi lo sguardo elevando la quotidianità a straordinarietà dell’istante osservato. L’artista slovacca Silvia Henniger sembra voler unire le intenzioni rappresentative di Marc Chagall, concentrato sugli oggetti, sui paesaggi familiari e sull’essere umano, all’attenzione al mondo della fauna di Franz Marc, focalizzandosi però sull’universo femminile, sull’essenza segreta svelata dalle tonalità utilizzate e dai contesti dentro cui inserisce i volti delle sue protagoniste, dal legame con la parte più selvaggia del sé fortemente connessa con l’animale le cui caratteristiche sono più vicine alla loro natura.
In qualche modo dunque il suo stile può essere definito Espressionismo Magico poiché la presenza di quella sottile spiritualità che avvolge le atmosfere raccontate si lega all’enigma esistenziale del Simbolismo ripreso poi agli inizi del Novecento dal Realismo Magico, dove tuttavia l’attenzione era concentrata esclusivamente sull’essere umano e i suoi misteri interiori.
Silvia Henniger invece non riesce a rinunciare all’indissolubile connessione con la natura di cui descrive lo stretto rapporto con l’individuo, quasi esso riuscisse a essere se stesso solo respirando una spontaneità spesso dimenticata nel vivere contemporaneo; la femminilità ha insita al suo interno la capacità di porsi in una posizione di maggiore ascolto, non solo della sua profondità bensì anche di tutto ciò che ruota intorno, divenendo così un mezzo comunicativo tra ciò che viene osservato con gli occhi e quell’inspiegabile che viene respirato attraverso l’intuizione e l’emotività. Dal punto di vista formale le opere sono un’affascinante mescolanza tra forza cromatica, con tonalità fuori contesto ma legate alle sensazioni espresse dalle protagoniste delle tele, esaltazione della spiritualità attraverso il contatto con la parte più istintiva che si svela in virtù delle caratteristiche dell’animale che Silvia Henniger associa a ciascuna donna, e infine la magia della natura, a volte presente altre soltanto intuita e immaginata, che sembra cullare e avvolgere tutto ciò che appartiene agli istanti immortalati.
Clarity of consciousness mostra quanto l’istinto e la percezione siano fondamentali per raggiungere la consapevolezza di sé e per far sì che il vivere entri in contatto con l’essenza per ottenere un equilibrio in grado di permettere alla donna di evolvere; l’irrazionale blu dei capelli colloca la protagonista nella dimensione della meditazione, della riflessione e dell’osservarsi senza alcun velo, compiendo un percorso interiore guidato solo e unicamente dall’intuito evocato dalla presenza di un’aquila simbolo della capacità di guardare ogni cosa dall’alto, dunque da una prospettiva diversa da quella abituale. Il volto della ragazza, con tratti e caratteristiche tipicamente espressioniste, mostra sorpresa, quasi sollievo per aver compreso l’importanza di sfidare i propri limiti e spingersi così verso il coraggio di realizzare il proprio sogno.
In Blue heron è ancora una volta il colore azzurro a essere protagonista, in questo caso però rappresenta la dimensione leggera della tranquillità, della pace, della capacità di assaporare la semplicità considerandola una delle più grandi ricchezze di cui l’essere umano possa godere; la protagonista ha uno sguardo trasognato, come si stesse beando della delicata bellezza intorno a sé che sembra voler contribuire a generare il benessere in cui ella si immerge. L’airone collocato in basso a sinistra, che dà il titolo alla tela è di fatto una figura co-protagonista con tutti gli altri uccelli e fiori dello sfondo che contribuiscono a dar vita a una composizione incantata da cui emerge la donna con la sua personalità gentile e quasi ingenua. Qui la magia, sempre presente nelle opere di Silvia Henniger, si manifesta in virtù di una gamma cromatica composta da tonalità vivaci come il giallo, il rosa, il fucsia, sempre contornate dalla tonalità di base costituita dalla spiritualità suggestiva dell’azzurro declinato in diverse sfumature.
Jungle of my life rappresenta dunque l’universo in cui l’autrice ama perdersi, quel mondo animale puramente istintivo in cui ogni cosa ha un senso, dove non esiste malvagità o secondo fine bensì tutti gli elementi convivono in un equilibrio perfetto in cui ogni creatura è funzionale alla vita dell’altra, generando quel cerchio della vita dalle cui dinamiche troppo spesso l’uomo si allontana preferendo un’altra giungla, quella cittadina e tecnologica del vivere contemporaneo. Silvia Henniger ama perdersi nell’immaginario di quel mondo sereno e bilanciato in cui una pantera non costituisce una minaccia, piuttosto sembra voler vegliare per proteggere l’habitat alle sue spalle, dove gli altri animali e le piante hanno bisogno di essere tutelate dall’irruenza di un essere umano incurante e distruttivo. La struttura del dipinto presenta i tratti tipici dell’Espressionismo così come l’assenza di prospettiva e di profondità contribuisce a sottolineare l’aspetto irreale quanto fantastico del luogo raccontato.
Sunny joy trascende invece sia la presenza umana che quella animale lasciando che siano gli elementi più inanimati e tuttavia più suggestivi della natura a raccontare le emozioni provate dall’artista nel momento dell’esecuzione dell’opera, come se immergersi nella contemplazione di quel paesaggio fatato avesse fatto esplodere dentro di lei quelle emozioni delicate e morbide che abitualmente vengono tenute a bada dalla logica e dalla razionalità; in questo paesaggio di inizio estate dove la natura è rigogliosa e il sole non ancora abbastanza caldo da spegnere la vivacità cromatica dei fiori appena sbocciati, lo sguardo si perde sentendosi avvolto e invitato a tuffarsi in quell’armonia totale senza però turbarne il perfetto equilibrio. Questo è il motivo per cui la presenza umana è lasciata al di fuori, pura osservatrice di una bellezza perfetta e incontaminata.
Silvia Henniger, artista e terapista, espone regolarmente a Praga e ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive a Milano e Roma. Attualmente vive e lavora nella Repubblica Ceca.
SILVIA HENNIGER-CONTATTI
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The fantastic universe of the female essence in Silvia Henniger’s Magic Expressionism, showing the secret side of the self
The ability to highlight and let speak the softer, more delicate side of the inner self belongs to many artists, especially those able to observe reality through the filter of the dream, of the intuitive imagination by virtue of which it is possible to go beyond the visible to connect with energies that run at a higher, inexplicable yet strongly perceptible level. These interpreters of art have always known how to generate an almost magical dimension into which enthusiasts of all times have been unable to help but wish to immerse themselves, almost as if that momentary escape from contingency constituted an indispensable corner for an interiority all too often entangled in the folds of reality. The artist I am going to tell you about today recounts different facets of the female world to which she herself belongs, and which she therefore understands in all their complexity, placing the protagonist figures in serene and magical settings, pleasantly enveloping them, so that they let themselves go and show their true essence, that instinctive and wild part that brings them closer to the world of nature more akin to the characteristics that their character reveals.
The birth of Expressionism coincided with the realisation on the part of a group of artists, initially the French called Fauves, that all previous art had concentrated solely and exclusively on aesthetic narration, on the faithful reproduction of a surrounding reality that thus lost its deepest meaning, that which could only be understood by virtue of the filter of the author’s subjectivity; to achieve that change in pictorial intention, would also be necessary a formal one that broke every executive scheme to move away completely from objectivity in order to conform completely to the feeling of the author of an artwork. The result was an abandonment of the third dimension, chiaroscuro and chromatic shades in favour of canvases with strong colours, evoking the artist’s mood, restlessness or everyday simplicity; thus, from the familiar atmospheres full of simple joys portrayed by Henri Matisse, we moved on to the restlessness of northern European artists such as Edvard Munch, whose gloomy atmospheres reflected the anguish and despair experienced in life by the artist himself, to the uncertainty of living of Egon Schiele, who clung to physicality and sexuality in order to be able to tolerate existential pain. But Expressionism also had interpreters who were able to give a different point of view, more rarefied and oriented towards highlighting the positive, the unreal, the dream, exalted by colours that were decontextualised but nevertheless functional in allowing the authors to sketch reality exactly as imagined by their dreamy gaze.
August Macke emphasised the pleasantness of everything on which his eyes rested, that relaxed life of the late 19th century enriched by strong yet sometimes suffused tones, functional to underline the belonging to a dimension filtered by personal interpretation; Franz Marc instead concentrated on the animal world, especially his favourite subjects were horses, almost as if he considered it the only one so spontaneous and sincere as to allow him to abandon to the purest emotions; and then Marc Chagall, who succeeded in sprinkling Expressionism with that magic capable of transforming reality, of enriching it with that innocent beauty with which he, the dreamer par excellence, was able to fill his gaze, elevating the everyday to the extraordinariness of the observed instant. The Slovakian artist Silvia Henniger seems to want to combine the representational intentions of Marc Chagall, exalting objects, familiar landscapes and the human being, with Franz Marc‘s attention to the world of fauna, focusing, however, on the female universe, on the secret essence revealed by the tones used and the contexts within which he places the faces of her protagonists, by the link with the wildest part of the self strongly connected with the animal whose characteristics are closest to their nature.
In some ways, therefore, her style can be defined as Magic Expressionism, since the presence of that subtle spirituality that envelops the atmospheres told is linked to the existential enigma of Symbolism, later taken up again at the beginning of the 20th century by Magic Realism, where, however, the attention was exclusively on the human being and his inner mysteries. Silvia Henniger, on the other hand, does not manage to renounce the indissoluble connection with nature, of which she describes the close relationship with the individual, almost as if it were only able to be itself by breathing a spontaneity that is often forgotten in contemporary life; femininity has inherent within it the ability to place in a position of greater listening, not only to its depth but also to everything that revolves around it, thus becoming a communicative medium between what is observed with the eyes and the inexplicable that is breathed in through intuition and emotionality.
From a formal point of view, the works are a fascinating mixture of chromatic strength, with tones that are out of context but linked to the sensations expressed by the protagonists of the canvases, the exaltation of spirituality through contact with the most instinctive part that is revealed by virtue of the characteristics of the animal that Silvia Henniger associates with each woman, and finally the magic of nature, sometimes present, sometimes only intuited and imagined, which seems to cradle and envelop everything that belongs to the immortalised moments. Clarity of consciousness shows how instinct and perception are fundamental in order to achieve self-awareness and for living to come into contact with the essence to obtain a balance that allows the woman to evolve; the irrational blue of her hair places the protagonist in the dimension of meditation, reflection and observing herself without any veil, following an interior path guided solely and exclusively by the intuition evoked by the presence of an eagle, symbol of the ability to look at everything from above, therefore from a different perspective from the usual one.
The girl’s face, with typically expressionist features and characteristics, shows surprise, almost relief at having understood the importance of challenging hers own limits and thus pushing herself towards the courage to realise her own dream. In Blue heron it is once again the colour azure that is the protagonist, but in this case it represents the light dimension of tranquillity, of peace, of the ability to savour simplicity, considering it one of the greatest riches that human beings can enjoy; the protagonist has a dreamy gaze, as if she were rejoicing in the delicate beauty around her that seems to want to contribute to generating the well-being in which she immerses herself. The heron in the lower left-hand corner, which gives the canvas its title, is in fact a co-star figure with all the other birds and flowers in the background that contribute to an enchanted composition from which the woman emerges with her gentle, almost naive personality. Here the magic, always present in Silvia Henniger‘s paintings, is manifested by virtue of a chromatic range composed of vivid shades such as yellow, pink, fuchsia, always surrounded by the evocative spirituality of light blue declined in different nuances. Jungle of my life therefore represents the universe in which the author loves to lose herself, that purely instinctive animal world in which everything makes sense, where there is no evil or second purpose, but all the elements coexist in a perfect balance in which each creature is functional to the life of the other, generating that circle of life from whose dynamics man too often distances himself, preferring another jungle, the urban and technological one of contemporary life.
Silvia Henniger likes to lose herself in the imagery of that serene and balanced world in which a panther does not pose a threat, but rather seems to want to keep watch to protect the habitat behind it, where other animals and plants need to be protected from the impetuosity of a careless and destructive human being. The structure of the painting shows typical Expressionist traits, just as the absence of perspective and depth contributes to emphasising the unreal as much as fantastic aspect of the place depicted. Sunny joy, on the other hand, transcends both the human and animal presence, leaving the most inanimate and yet most evocative elements of nature to tell the story of the emotions felt by the artist at the moment of the execution of the painting, as if immersing herself in the contemplation of that enchanted landscape had made explode within her those delicate and soft emotions that are usually kept at bay by logic and rationality; in this early summer landscape where nature is luxuriant and the sun is not yet hot enough to extinguish the bright colours of the newly blooming flowers, the gaze is lost, feeling enveloped and invited to dive into that total harmony without disturbing its perfect balance. This is why the human presence is left outside, pure observer of a perfect and uncontaminated beauty. Silvia Henniger, an artist and therapist, exhibits regularly in Prague and has participated in group exhibitions in Milan and Rome. She currently lives and works in the Czech Republic.
