L’ambiente che circonda l’artista è spesso una costante fonte di ispirazione grazie alla quale il singolo autore non solo riesce a raccontare ciò che il suo sguardo osserva, ma talvolta lo trascende interiorizzandolo e restituendo sotto forma di immagine pittorica una visione più intima, più personale dove il colore diviene punto focale della narrazione; così la riproduzione perfetta del visibile perde la sua rilevanza e tutto viene rappresentato con una forma insolita, con un’impronta assolutamente soggettiva e per questo rivelatrice dell’animo dell’esecutore dell’opera. La protagonista di oggi appartiene alla categoria di artisti che da un lato reinterpretano linguaggi espressivi del passato ma dall’altro tendono a sfuggire a ogni classificazione per la loro attitudine a sperimentare, mescolare e mettere in dialogo tecniche e materiali differenti attraverso cui danno origine a una propria ed esclusiva cifra pittorica.
La fine del Diciannovesimo secolo segnò un punto di svolta irreversibile nella storia dell’arte di ogni tempo poiché le anticipazioni e le differenti interpretazioni dell’utilizzo del colore e della luce fuoriuscite nel Romanticismo inglese di William Turner ebbero un successivo approfondimento nell’Impressionismo che, di contro, aprì la porta a una frammentazione della tecnica pittorica dove il disegno preparatorio scomparve e in cui l’esecuzione in studio non era più fondamentale. Malgrado le innovazioni formali, in questi due movimenti la sostanza era pressoché immutata rispetto alla pittura tradizionale, poiché entrambi ricercavano la perfetta resa della realtà osservata, l’equilibrio estetico che tuttavia, e forse inconsapevolmente, veniva arricchito di atmosfera e di suggestione.
Furono però le correnti artistiche che seguirono ad andare verso una modificazione più radicale trasportando la tendenza all’innovazione anche all’interno del senso del fare arte; da un lato la scientificità del Puntinismo, con la sua attenta analisi nei confronti dell’enfatizzazione della scomposizione cromatica, mentre dall’altro l’istintualità del Post-Impressionismo che cominciò a legare l’arte alle sensazioni dell’autore, a sovvertire le regole rappresentative eliminando la prospettiva, il chiaroscuro, l’aderenza alla realtà osservata per privilegiare una narrazione più interiore. L’inquietudine interiore di Vincent Van Gogh, le evasioni esotiche di Paul Gauguin e le sovversioni cromatiche di Paul Cézanne furono anticipatrici delle tematiche e delle estremizzazioni che contraddistinsero l’Espressionismo. All’interno di questo contesto di ribellione nei confronti di ogni tipo di regola accademica precedente si inserisce l’enfatizzazione decontestualizzante dei Fauves, un gruppo francese che determinò l’introduzione della predominanza della soggettività e dell’emozione, narrata in modo impattante e aggressivo quasi, da qui la denominazione di bestie, a scapito della vicinanza a un’immagine reale altamente sopravvalutata nella pittura tradizionale.
Le tonalità accese e intense di Henri Matisse raccontavano delle sensazioni provate dal grande maestro del Novecento quando si trovava all’interno della sua realtà quotidiana, i colori piatti e privi di chiaroscuro aprivano la strada a una relativizzazione dell’osservato basato solo e unicamente sul punto di vista dell’autore; tanto quanto i paesaggi di Maurice de Vlaminck mostravano la sua attitudine alla riflessione e all’interiorizzazione delle atmosfere secondo il vibrare delle proprie corde più intime, conducendo il fruitore in un mondo a metà tra l’irrealtà e il sogno. In entrambi gli interpreti la figurazione rimaneva la base essenziale per sottolineare e rappresentare quell’universo interiore che fu la base della loro pittura. L’artista francese Catherine Baylet, formatasi come autodidatta dopo un lungo periodo in cui il percorso di vita l’ha tenuta distante da un’inclinazione naturale avvertita fin da bambina e che poi è tornata a farsi sentire in una seconda fase esistenziale, assorbe dall’esperienza Fauves la tendenza a utilizzare colori inconsueti e fuori dal contesto dei paesaggi riprodotti, ma oltrepassa la loro sperimentazione mescolando non solo materiali insoliti bensì anche una tecnica che talvolta fa della suddivisione del tratto pittorico una delle sue caratteristiche fondamentali.
L’ispirazione è la natura, gli splendidi paesaggi montuosi dei Pirenei dove Catherine Baylet vive e che la inducono ad ascoltare le energie circostanti tanto quanto quelle interiori, permettendole così di dar vita a un approccio pittorico in cui l’istinto predomina mentre la ragione segue solo ed esclusivamente per quanto concerne lo studio dei materiali, quell’attenta analisi in virtù della quale sceglie lo strato della base, poi l’apporto cromatico e infine la definizione materica funzionale a scolpire letteralmente i contorni che contraddistinguono una delle principali linee guida della pittura Fauves così come di quella espressionista.
Con una connessione tanto profonda e intima con tutto ciò che la circonda, al punto da trasformare letteralmente la visione davanti a sé in luogo incantato che racchiude emozioni e sensazioni facendo diventare la tela un’estensione della sua interiorità, la gamma cromatica non potrebbe che essere intensa, vivace e al contempo intimista, come se le tonalità più accese squarciassero il velo suggestivo del silenzio dei panorami trasformandoli in riflesso di un sentire coinvolto e appassionato nei confronti della bellezza di fronte a sé.
Lo stucco utilizzato per dare spessore spessore alla tela, il gesso, l’acrilico e l’inchiostro nero indelebile per segnare i rilievi, la vernice, sono perciò essenziali a rendere più concrete le emozioni, a infondere quel tocco di vicinanza alla realtà della consistenza resistente e coriacea della roccia, mitigando in qualche modo la decontestualizzazione dei colori che trasportano l’osservatore in un mondo improbabile eppure possibile attraverso la capacità di lasciarsi andare al sentire, all’impulso empatico che le opere di Catherine Baylet suscitano.
Il dipinto Falaise (Scogliera) è dunque totalmente stravolto dal punto di vista delle tonalità scelte, poiché il colore della roccia presenta sfaccettature molto più allegre, decisamente più vivaci di quelle abitualmente a lei associate in quanto l’artista arricchisce la tela con il suo immaginario, con la sua ammirazione nei confronti del silenzio che avvolge il panorama, della natura che domina incontrastata e che la induce a riflettere su quanto sia fondamentale per l’animo umano non perdere mai il contatto con quel mondo che lo ospita e che è in grado di ricordargli l’importanza di apprezzare le piccole cose suscitando una serena e spontaneamente immotivata gioia interiore.
I rossi, gli arancio, i verdi che predominano richiamano appunto le emozioni positive e rigeneranti che l’autrice prova davanti a tanta suggestiva meraviglia, sebbene possa fruirne ogni giorno. Gavarnie racconta invece il punto di vista di Catherine Baylet su uno dei paesaggi più incantevoli della regione dei Pirenei, immortalando le sue amate montagne nel momento del calar del sole; ciò che però colpisce in modo particolare osservando la tela, è il Divisionismo lineare e marcato con cui viene raccontata la roccia delle montagne, quasi la frammentazione fosse necessaria per andare a definire le sfaccettature appartenenti alla roccia calcarea e straordinariamente resa forte e inscalfibile dal lavoro millenario dei ghiacciai e dunque la sua riproduzione pittorica non poteva prescindere dalla medesima dettagliata definizione. L’inchiostro in questo lavoro è presenza essenziale per andare a completare l’apporto cromatico dell’acrilico infondendo maggiore profondità al circo montuoso sovrastato da un cielo di un vivace e intenso arancione.
Il dipinto Rouge feu (Rosso fuoco) è tra i più Fauves della produzione pittorica di Catherine Baylet, qui le montagne sembrano lasciare il posto da protagonista al verde della vegetazione sottostante e al rosso innaturale del cielo, quasi l’artista volesse generare un’immagine intensa per enfatizzare la sensazione coinvolgente provata in quel particolare momento osservativo che l’ha indotta a dipingere quell’istante; il trasporto emozionale diviene così guida cromatica, come se le fosse impossibile non raccontare altri punti di vista del luogo che non si stanca mai di riprodurre, come se volesse mettere in evidenza anche gli aspetti meno solari ma certamente non meno affascinanti del paesaggio. La stratificazione materica è utilizzata per raffigurare la vegetazione, quasi volesse raccontare la molteplicità di piante che si trovano in quella zona della Francia e che coesistono inducendo l’uomo a perdersi letteralmente nella varietà di verdi differenti che si muovono al soffio del vento, l’inchiostro continua a definire la ruvidità della roccia mentre il cielo è affidato unicamente al colore acrilico per enfatizzare l’ariosità e al contempo il suo assecondare il sentire più intimo dell’artista.
Catherine Baylet ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive in Francia, in Italia e negli Stati Uniti, e ha ricevuto premi e riconoscimenti per la sua originalità espressiva e per la capacità di unire e sovrapporre materiali differenti pur rimanendo legata a una forte impronta figurativa.
CATHERINE BAYLET-CONTATTI
Email: catherinebaylet@yahoo.fr
Facebook: www.facebook.com/catherine.baylet.35
Instagram: www.instagram.com/catherinebaylet/
All the chromatic emotionality of the observation of nature in Catherine Baylet’s Fauves landscape
The environment that surrounds the artist is often a constant source of inspiration thanks to which the individual artist not only succeeds in recounting what his gaze observes, but sometimes transcends it, internalising it and rendering in the form of a pictorial image a more intimate, more personal vision where colour becomes the focal point of the narration; in this way, the perfect reproduction of the visible loses its relevance and everything is represented with an unusual form, with an absolutely subjective imprint and for this reason revealing the soul of the work’s executor. Today’s protagonist belongs to the category of artists who, on the one hand, reinterpret expressive languages of the past, but on the other hand, tend to escape any classification due to their attitude to experiment, mix and dialogue with different techniques and materials through which they give rise to their own, exclusive pictorial style.
The end of the 19th century marked an irreversible turning point in the history of art of all times, as the anticipations and different interpretations of the use of colour and light that emerged in the English Romanticism of William Turner were later deepened in Impressionism, which, on the other hand, opened the door to a fragmentation of painting technique where preparatory drawing disappeared and studio execution was no longer fundamental. Despite the formal innovations, the substance in these two movements was almost unchanged compared to traditional painting, as both sought the perfect rendering of observed reality, the aesthetic balance that was nevertheless, and perhaps unconsciously, enriched with atmosphere and suggestion. It was, however, the artistic currents that followed that tended towards a more radical modification, transporting the trend towards innovation even within the sense of making art; on the one hand the scientific nature of Pointillism, with its careful analysis of the emphasis on chromatic decomposition, and on the other the instinctuality of Post-Impressionism, which began to link art to the author’s feelings, to subvert the rules of representation by eliminating perspective, chiaroscuro, and adherence to observed reality in favour of a more interior narrative.
The inner restlessness of Vincent Van Gogh, the exotic escapades of Paul Gauguin and the chromatic subversions of Paul Cézanne were forerunners of the themes and extremes that characterised Expressionism. Within this context of rebellion against all previous academic rules came the decontextualising emphases of the Fauves, a French group that brought about the introduction of the predominance of subjectivity and emotion, narrated in an impactful and almost aggressive manner, hence the name beasts, at the expense of closeness to a real image highly overrated in traditional painting. Henri Matisse‘s bright and intense tones told of the feelings felt by the great 20th century master when he was within his everyday reality, the flat colours without chiaroscuro opened the way to a relativisation of the observed based solely on the author’s point of view; as much as the landscapes of Maurice de Vlaminck showed his aptitude for reflection and the internalisation of atmospheres according to the vibration of his own most intimate chords, leading the viewer into a world somewhere between unreality and dream. For both artists, figuration remained the essential basis for underlining and representing that inner universe that was the basis of their painting. The French artist Catherine Baylet, trained as a self-taught artist after a long period in which her life path kept her distant from a natural inclination felt since childhood and which then returned to make itself felt in a second existential phase, absorbed from the Fauves experience the tendency to adopt unusual colours out of the context of the landscapes reproduced, but went beyond their experimentation by mixing not only uncommon materials but also a technique that sometimes made the subdivision of the pictorial stroke one of its fundamental characteristics.
The inspiration is nature, the beautiful mountainous landscapes of the Pyrenees where Catherine Baylet lives and which induce her to listen to the surrounding energies as much as to her inner energies, thus enabling her to create a pictorial approach in which instinct predominates while reason follows only and exclusively as far as the study of materials is concerned, that careful analysis by virtue of which she chooses the base layer, then the chromatic contribution and finally the material definition functional to literally sculpt the contours that characterise one of the main guidelines of Fauves as well as Expressionist painting. With such a profound and intimate connection with everything that surrounds her, to the point of literally transforming the vision in front of her into an enchanted place that encloses emotions and sensations, making the canvas an extension of her interiority, the chromatic range could only be intense, lively and at the same time intimist, as if the brighter hues ripped through the evocative veil of the silence of the panoramas, transforming them into a reflection of a feeling of involvement and passion for the beauty in front of her.
The stucco used to give thickness to the canvas, the chalk, the acrylic and the indelible black ink to mark the reliefs, the varnish, are therefore essential to make the emotions more concrete, to infuse that touch of closeness to reality of the resistant and leathery consistency of the rock, mitigating in some way the decontextualisation of the colours that transport the observer to an improbable yet possible world through the ability to let go to the feeling, to the empathic impulse that Catherine Baylet‘s artworks arouse. The painting Falaise (Cliff) is thus totally overturned in terms of the tones chosen, as the colour of the rock presents much more cheerful facets, decidedly more vivid than those usually associated with it, as the artist enriches the canvas with her imagination, with her admiration for the silence that envelops the panorama, for nature that dominates unchallenged and that leads her to reflect on how fundamental it is for the human soul to never lose contact with that world that hosts it and that is capable of reminding it of the importance of appreciating small things, arousing a serene and spontaneously unmotivated inner joy. The reds, oranges and greens that predominate evoke precisely the positive and regenerating emotions that the author feels in front of such evocative wonder, even though she enjoys them every day. Gavarnie, on the other hand, recounts Catherine Baylet‘s view of one of the most enchanting landscapes in the Pyrenees region, immortalising her beloved mountains at sunset; what is particularly striking when observing the canvas, however, is the linear and marked Divisionism with which the rock of the mountains is portrayed, almost as if the fragmentation were necessary to define the facets belonging to the limestone rock and extraordinarily made strong and unbreakable by the millennial work of the glaciers, and therefore its pictorial reproduction could not do without the same detailed definition.
The ink in this work is an essential presence to complement the chromatic contribution of the acrylic, infusing greater depth to the mountainous cirque surmounted by a sky of a vivid and intense orange. The painting Rouge feu (Fire Red) is one of the most Fauves of Catherine Baylet‘s pictorial production, here the mountains seem to give way to the green of the vegetation below and the unnatural red of the sky, almost as if the artist wanted to generate an intense image to emphasise the involving sensation felt in that particular moment of observation that led her to paint that instant; the emotional transport thus becomes a chromatic guide, as if it were impossible for her not to tell other points of view of the place that she never tires of reproducing, as if she wanted to highlight even the less sunny but certainly no less fascinating aspects of the landscape. Material layering is used to depict the vegetation, as if to tell the story of the multiplicity of plants found in that area of France that coexist, inducing man to literally lose himself in the variety of different greens that move with the blowing of the wind. Ink continues to define the roughness of the rock while the sky is entrusted solely to acrylic colour to emphasise its airiness and at the same time its support of the artist’s innermost feelings. Catherine Baylet has participated in group exhibitions in France, Italy and the United States to her credit, and has received prizes and awards for her expressive originality and her ability to combine and superimpose different materials while remaining tied to a strong figurative imprint.
