La modernità, così come gli stili artistici che hanno contraddistinto gli ultimi due secoli, ha generato un distacco pressoché totale nei confronti di tutto ciò che aveva costituito la base dell’esecuzione pittorica e scultorea, dove la ricerca della perfezione estetica e la riproduzione esatta dei dettagli della realtà era l’essenza stessa dell’arte; la sovversione di tutte le regole esecutive indusse molti autori a distaccarsi completamente dall’osservato per entrare nella dimensione interpretativa soggettiva, spesso necessitante una decisa astrazione funzionale a lasciar fuoriuscire la pura emozione. Vi sono tuttavia creativi che mostrano invece il bisogno di ritrovare quella dimensione di bellezza e di ricerca della perfezione necessaria per approfondire il senso che a volte si nasconde anche dietro un’immagine impeccabile e rappresentata con lo stesso splendore che aveva contraddistinto l’epoca più tradizionale e classica dell’arte. Il protagonista di oggi riesce a far rivivere il passato in virtù del suo tratto pittorico e dei soggetti raccontati, pur introducendo introspezioni fortemente contemporanee come l’impulso esistenzialista di andare più a fondo di ciò che lo sguardo coglie nell’immediato.
Il distacco dalle linee guida accademiche tradizionali che ebbe luogo nel dinamico periodo a cavallo tra Ottocento e Novecento, produsse innovazioni talmente destabilizzanti rispetto al gusto estetico classico da essere accolte con fatica dagli ambienti culturali ma poi universalmente accettate come simbolo del cambiamento dei tempi; dall’Espressionismo al Cubismo, dal Futurismo all’Astrattismo, la lontananza dalla ricerca estetica era totale al punto che dopo la fine del primo periodo bellico vi fu, per alcuni autori, una necessità di ritorno all’ordine, di riavvicinamento alle origini artistiche che tanta bellezza avevano generato nei secoli precedenti. Fu la Metafisica a sottolineare per prima la necessità del legame con un Classicismo che pur essendo ormai distante dal vivere della nuova epoca, costituiva in ogni caso la base della vita, il percorso da cui l’umanità era partita per giungere al punto in cui si trovava in quel momento. Ecco perché nelle opere di Giorgio De Chirico erano sempre presenti elementi neoclassici, busti o parti di colonne che andavano a sottolineare l’importanza del passato per comprendere in maniera più profonda il presente. Anche il Realismo Magico italiano e la Nuova Oggettività tedesca si riavvicinarono a una figurazione più tradizionale, pur allontanandosi dalle linee guida di De Chirico. Oltrepassata la seconda fase bellica e raggiunta una stabilità esistenziale, fu negli Stati Uniti che si delineò un tipo di ricerca completamente figurativa e alla ricerca spasmodica di un’aderenza alla realtà che potesse andare ad arginare il predominio dell’ormai consolidata tecnica fotografica attraverso la realizzazione di opere di tale perfezione esecutiva da essere facilmente confondibili con gli scatti ottenuti con le nuove macchine; il Fotorealismo, poco dopo trasformatosi in Iperrealismo, cercava la perfetta resa dell’osservato in tutte le sue sfaccettature, raccontando scorci urbani con la semplicità e la solarità che sottolineavano un ritrovato ottimismo e una forte ammirazione nei confronti delle metropoli statunitensi, come nelle tele di Richard Estes, o raccontavano vedute degli interni delle tavole calde, divenute simbolo delle abitudini della nuova società, che contraddistinsero l’opera di Ralph Goings.
L’artista di origini napoletane Giuseppe Fiore, da anni residente in Germania, fonde le esperienze dell’Iperrealismo ma torna indietro a una rappresentazione Classica, sia dal punto di vista delle pose e della perfezione plastica dei soggetti raccontati, sia dall’utilizzo sapiente della luce che non può non ricondurre alle sperimentazioni del genio italiano Caravaggio a cui è accomunabile anche per la perfezione dei drappeggi e delle pieghe; eppure al contempo non sfugge lo straniamento negli sguardi che avvicina il suo stile a quello del Realismo Magico, quasi come se un solo linguaggio non fosse sufficiente per lui a esprimere un mondo interiore che ha bisogno di manifestarsi sotto diverse sfaccettature per potersi liberare nella sua totalità complessa e originale. Non solo, talvolta emerge nelle opere di Giuseppe Fiore anche un significato metafisico, un voler scendere al di sotto del manto di impeccabilità formale per rivelare qualcosa in più, o forse sarebbe meglio dire per sottolineare quanto nella vita attuale sia più facile celare la propria essenza dietro una coltre protettiva piuttosto che mostrarsi apertamente a qualcuno che potrebbe anche approfittare della momentanea apertura per andare a colpire la parte più fragile.
Dal punto di vista esecutivo il tratto magistralmente iperrealista si rivela nei dettagli, nel gioco di luci e di ombre e nella capacità di raccontare l’intensità di uno sguardo tanto quanto la plasticità di un drappeggio, delle pieghe di una carta increspata che talvolta nasconde mentre altre lascia intravedere. Il riferimento più evidente nei suoi personaggi prevalentemente maschili è quello alle statue greche, a quella pura e perfetta bellezza simbolo di vigore ma anche di forza, a cui Giuseppe Fiore riesce a infondere una profondità espressiva in grado di catalizzare l’attenzione sullo sguardo dei protagonisti, distante, distratto oppure intento a dialogare silenziosamente con l’osservatore per svelare la propria essenza.
Nella tela Crimson God infatti il giovane uomo viene rappresentato come una divinità, un abitante dell’Olimpo che mostra nell’espressione immortalata dall’artista tutto il suo turbamento nell’osservare il mondo al di sotto costituito da imperfezioni, da azioni crudeli, da errori che vanno a provocare ferite e sofferenze nei suoi occhi, quasi come se non riuscisse a tollerare tanta illogica insensatezza. In qualche modo dunque il suo atteggiamento appare come un monito, come un avvertimento all’essere umano di ritrovare un modo di vivere più semplice, più solidale, meno aggressivo nei confronti del suo simile, per evitare una punizione superiore che potrà abbattersi, con tutta la forza del dolore provato, sugli attori di tanta scelleratezza. L’inquadratura è focalizzata sulla bellezza virile evidenziata dalla perfetta resa dei muscoli, della barba e dei capelli rossi che incorniciano il volto eburneo e gli occhi verdi incredibilmente limpidi.
L’opera Yellow storm appartiene invece alla serie in cui Giuseppe Fiore distende un manto, un velo trasparente di copertura su ciò che appartiene all’interiorità, come se lasciasse intuire che alcuni segreti devono rimanere tali, anche laddove si possa avvertire l’esigenza di aprirsi per comunicarli; questa sensazione emerge dal contrasto tra la nudità dell’uomo, che sembrerebbe dunque suggerire una spinta verso la disponibilità a scoprirsi all’altro, e la posizione di spalle, come a voler mantenere un atteggiamento protettivo nei confronti della parte più fragile di sé. E poi il velo costituito da carta trasparente increspata che va a impedire una visione limpida e chiara sottolineando l’impossibilità a rivelarsi in maniera totale, un po’ per paura di restare feriti e un po’ perché le tempeste del passato, ecco dunque il riferimento riscontrabile nel titolo, vanno a costituire una stratificazione emotiva pressoché impossibile da abbandonare completamente. In questa tela emerge la tecnica classica dell’artista, l’uomo è immortalato in una posa tradizionalmente appartenente alle statue elleniche e raffigurato con l’impeccabilità esecutiva che caratterizza il tratto pittorico di Fiore, tanto quanto la carta che copre l’uomo appare perfetta in tutte le sue sfaccettature, in tutte le sue increspature luminose così come lo è il vento del passato alle spalle del protagonista.
Il tema delle pieghe diviene predominante e unico soggetto di alcuni dipinti, come Golden echo in amethist, dove la luce è fondamentale per sottolineare la sinuosità del tessuto laminato, dove la voluttuosità mostra tutta la morbidezza di un materiale che in fondo può essere inteso come simbolo di una necessità dell’uomo di ascoltare tutto ciò che spesso rimane latente nell’interiorità ma che non riesce a restare completamente in silenzio e dunque divenire duttili, lasciarsi andare a quel sentire emozionale, può corrispondere a trovare un nuovo modo di interpretare gli eventi e di affrontare le circostanze. Il violetto, in tutte le sue sfumature è un colore fortemente spirituale, si lega all’evoluzione e alla metamorfosi interiore che, come l’artista suggerisce, può avere luogo solo nel momento in cui è possibile prendere atto di quegli echi più nascosti che svelano profonde verità sul sé più autentico.
In Meditation 1 il drappo, che ricorda il sipario di un teatro, sembra essere un invito a entrare in quello spazio lasciato inavvertitamente aperto per entrare in una dimensione riflessiva e silenziosa dove ogni cosa può avere un senso diverso da quello apparente; le pieghe della stoffa sono infatti sospese, non trattenute da alcun supporto, appaiono poggiate su qualcosa che non c’è ed è proprio quella percezione a stimolare l’esigenza di comprendere la composizione narrata dall’artista. In questa tela si evidenzia in maniera persino più nitida l’influenza caravaggesca presente nella sua tecnica pittorica che si avvale dell’estetica come mezzo per andare oltre e scendere in profondità inaspettate.
Giuseppe Fiore, diplomato presso l’Accademia di Belle Arti di Napoli, ha al suo attivo due mostre personali a Vienna e due a Monaco, e la partecipazione a mostre collettive a Monaco, Londra, Bruxelles e Mykonos.
GIUSEPPE FIORE-CONTATTI
Email: g.fiore.art@gmail.com
Sito web: www.g-fiore.art/
Facebook: www.facebook.com/pataterx
Instagram: www.instagram.com/g.fiore.art
The pictorial Classicism by Giuseppe Fiore, between Hyperrealism and Caravaggio’s light to look beyond the veil of reality
Modernity, as well as the artistic styles that have characterised the last two centuries, has generated an almost total detachment from everything that had constituted the basis of pictorial and sculptural execution, where the search for aesthetic perfection and the exact reproduction of the details of reality was the very essence of art; the subversion of all rules of execution induced many authors to move completely away from the observed to enter into the subjective interpretative dimension, often necessitating a decisive abstraction functional to letting pure emotion escape.
There are, however, creatives who instead show the need to rediscover that dimension of beauty and search for perfection necessary to delve into the meaning that is sometimes hidden even behind an impeccable image depicted with the same splendour that characterised the more traditional and classical era of art. Today’s protagonist succeeds in bringing the past to life by virtue of his painterly stroke and the subjects depicted, while introducing strongly contemporary introspections such as the existentialist impulse to go deeper than what the eye grasps immediately.
The detachment from traditional academic guidelines that took place in the dynamic period between the 19th and 20th century produced innovations so destabilising compared to classical aesthetic taste that they were received with difficulty by cultural circles but then universally accepted as symbols of the changing times; from Expressionism to Cubism, from Futurism to Abstractionism, the distance from aesthetic research was total to the point that after the end of the first war period there was, for some authors, a need to return to order, to get closer to the artistic origins that had generated so much beauty in previous centuries. It was Metaphysics that was the first to emphasise the need for the link with a Classicism that, although by then distant from the living of the new epoch, constituted in any case the basis of life, the path from which humanity had set out to reach the point where it was at that time.
This is why in Giorgio De Chirico‘s works there were always neoclassical elements, busts or parts of columns that emphasised the importance of the past for a deeper understanding of the present. Italian Magic Realism and German New Objectivity also moved closer to a more traditional figuration, although they detached from De Chirico‘s guidelines. Once the second phase of the war had passed and existential stability had been achieved, it was in the United States that a completely figurative type of research took shape, spasmodically searching for an adherence to reality that could go to stem the dominance of the now consolidated photographic technique through the realisation of artworks of such executive perfection as to be easily confused with shots taken with the new cameras; Photorealism, shortly afterwards transformed into Hyperrealism, sought the perfect rendering of the observed in all its facets, recounting urban views with the simplicity and radiance that underlined a rediscovered optimism and a strong admiration for the American metropolis, as in the canvases of Richard Estes, or recounted views of the interiors of diners, which had become a symbol of the habits of the new society, that distinguished the paintings of Ralph Goings.
The Neapolitan-born artist Giuseppe Fiore, who has been living in Germany for many years, blends the experiences of Hyperrealism but goes back to a Classical representation, both in terms of the poses and plastic perfection of the subjects depicted, and in the skilful use of light, which cannot fail to recall the experiments of the Italian genius Caravaggio, to whom he is also related in the perfection of the draperies and folds; yet at the same time there is no escaping the estrangement in the gazes that brings his style closer to that of Magic Realism, almost as if a single language were not enough for him to express an inner world that needs to manifest itself in different facets in order to be released in its complex and original totality. Not only that, at times also emerges in Giuseppe Fiore‘s artworks a metaphysical meaning, a desire to descend below the mantle of formal impeccability to reveal something more, or perhaps it would be better to say to emphasise how much easier it is in today’s life to conceal one’s essence behind a protective blanket rather than to show oneself openly to someone who might even take advantage of the momentary openness to go and strike at one’s most fragile side.
From an executive point of view, the masterfully hyperrealist stroke is revealed in the details, in the play of light and shadow, and in the ability to portray the intensity of a gaze as much as the plasticity of a drape, of the folds of a rippled paper that sometimes conceals while others allow a glimpse. The most obvious reference in his predominantly male characters is to Greek statues, to that pure and perfect beauty that is a symbol of vigour but also of strength, to which Giuseppe Fiore succeeds in infusing an expressive depth capable of catalysing attention on the gaze of the protagonists, whether distant, distracted or intent on silently dialoguing with the observer in order to reveal their essence. In the painting Crimson God, in fact, the young man is represented as a divinity, an inhabitant of Olympus who shows, in the expression immortalised by the artist, all his disturbance in observing the world below made up of imperfections, cruel actions, errors that cause wounds and suffering in his eyes, almost as if he could not tolerate such illogical senselessness.
In some way, then, his attitude appears as a warning, as a admonishment to human beings to find a simpler way of life, more sympathetic, less aggressive towards their fellow man, to avoid a higher punishment that may fall, with all the force of the pain felt, on the actors of such wickedness. The framing is focused on the virile beauty highlighted by the perfect rendering of muscles, beard and red hair framing the ebony face and incredibly clear green eyes. The artwork Yellow storm, on the other hand, belongs to the series in which Giuseppe Fiore spreads a cloak, a transparent veil of coverage over that which belongs to the inner self, as if to suggest that certain secrets must remain such, even when one may feel the need to open up to communicate them; this sensation emerges from the contrast between the nudity of the man, which would therefore seem to suggest a push towards a willingness to reveal oneself to others, and the position with his back turned, as if to maintain a protective attitude towards the most fragile part of himself. And then there is the veil made of transparent rippled paper that prevents a clear and limpid vision, underlining the impossibility of revealing oneself completely, partly out of fear of being hurt and partly because the storms of the past, hence the reference in the title, constitute an emotional stratification that is almost impossible to abandon completely. In this canvas emerge the artist’s classical technique, the man is immortalised in a pose traditionally belonging to Hellenic statues and depicted with the executive impeccability that characterises Fiore‘s pictorial line, as much as the paper covering the man appears perfect in all its facets, in all its luminous ripples, as does the wind of the past behind the protagonist.
The theme of the folds becomes predominant and the sole subject of some paintings, such as Golden echo in amethist, where light is fundamental to emphasise the sinuosity of the laminated fabric, where the voluptuousness shows all the softness of a material that can basically be understood as a symbol of man’s need to listen to all that often remains latent in the interiority but cannot stay completely silent, and therefore becoming ductile, letting oneself go to that emotional feeling, may correspond to finding a new way of interpreting events and dealing with circumstances. Violet, in all its nuances, is a strongly spiritual colour, it is linked to evolution and inner metamorphosis which, as the artist suggests, can only take place when it is possible to become aware of those most hidden echoes that reveal profound truths about the most authentic self.
In Meditation the drape, reminiscent of the curtain of a theatre, seems to be an invitation to enter that space inadvertently left open to enter a reflective and silent dimension where everything can have a meaning other than the apparent one; the folds of the fabric are in fact suspended, not held by any support, they appear to be resting on something that is not there and it is precisely this perception that stimulates the need to understand the composition narrated by the artist. In this canvas, the Caravaggesque influence present in his painting technique, which uses aesthetics as a means to go beyond and descend into unexpected depths, becomes even clearer. Giuseppe Fiore, a graduate of the Academy of Fine Arts in Naples, has to his credit two solo exhibitions in Vienna and two in Munich, and participation in group exhibitions in Munich, London, Brussels and Mykonos.
