Nel momento in cui l’impulso artistico si manifesta, tende in alcuni casi a dover uscire dalla realtà osservata perché troppo spesso limitante e non sufficiente a legarsi con tutte quelle sfaccettature intense e personali che appartengono a ciascun creativo, dando origine così a una necessità di distaccarsi dal punto di vista della forma, o della non forma, oppure da quello del colore; in virtù di questa tendenza pertanto l’arte può non corrispondere a ciò che lo sguardo si aspetta di trovare davanti a sé, piuttosto si adegua e si conforma a ciò che l’anima dell’artista ha bisogno di trasmettere nel modo migliore per manifestarsi. Nel caso della protagonista di oggi emerge in modo chiaro la necessità di dare vita a un mondo vivace, allegro, quasi tutto l’osservato si trovasse sotto la lente di un caleidoscopio attraverso cui l’autrice modifica formalmente la struttura delle cose o ne rappresenta astrattamente l’essenza che si svela con il più positivo e divertente apporto cromatico.
Intorno alla fine dell’Ottocento si sviluppò in Francia e nel nord Europa una spinta ad ampliare la ricerca di scomposizione dell’immagine iniziata con l’Impressionismo; il Postimpressionismo si distinse proprio per un distacco formale e a volte esecutivo da quella realtà che invece per gli impressionisti era tanto importante riprodurre nella maniera più impeccabile. All’interno di questa idea di sviluppo emersero due diverse correnti, il Puntinismo in cui la pennellata frammentata venne estremizzata fino a ridursi in piccoli punti cromatici attraverso cui veniva ricomposta la realtà, e i primi pionieri dell’Espressionismo come Vincent Van Gogh e Paul Gauguin che mantennero invece una figurazione ben definita ma decontestualizzata da un utilizzo piatto e pieno dei colori. Le eredità di questi due stili furono raccolte dai teorici dei Fauves, che non costituirono mai un vero e proprio movimento pur gettando le basi per l’Espressionismo nord europeo, che si distinsero per l’utilizzo di una gamma cromatica completamente innaturale e distaccata dalla realtà che doveva amplificare un tratto pittorico sovversivo, privo di prospettiva, di profondità, di sfumature che invece avevano contraddistinto l’arte precedente.
L’utilizzo del colore da quel momento in avanti cambiò completamente perché non doveva più servire a raccontare la realtà così come percepita nella quotidianità bensì legandosi al mondo interiore, alle emozioni del singolo artista trasformando perciò la pittura in gesto soggettivo e non più in riproduzione oggettiva e privata di ogni influenza dell’autore. Le tonalità forti e impattanti furono dunque sdoganate nella loro vivacità e intensità trovando applicazione anche in quelle nuove e sovversive correnti riconducibili all’Arte Astratta come il Cubismo Orfico, che si distaccò dall’avanguardia cubista sia per un allontanamento completo e totale da ogni riferimento alla realtà sia per la tavolozza di colori più vivida e brillante; in questo caso la frammentazione dell’immagine tipica del Cubismo fu applicata a forme geometriche e tondeggianti in cui cominciava a emergere un singolare effetto ottico definito e determinato esattamente dalla contrapposizione cromatica. Questo movimento sviluppato prevalentemente dai coniugi Robert e Sonia Delaunay costituì probabilmente l’ispirazione per Victor Vasarely nell’elaborazione della sua vibrante e variopinta Op Art in cui la sensazione ipnotica del movimento era associata alla magia dei colori ed enfatizzata proprio dall’accostamento di tonalità forti e intense attraverso le quali infondeva profondità e rotondità alle immagini geometriche che erano una sperimentazione e una rappresentazione della società psichedelica degli anni Sessanta del Novecento. L’artista slovacca Margaréta Nomülner crea uno stile decisamente originale unendo le influenze del Postimpressionismo, Vincent Van Gogh è stato uno degli autori che più l’hanno ispirata, a quelle dell’Optical Art sebbene nel suo caso quest’ultima perda completamente l’approccio scientifico e analitico per trasformarsi in manifestazione interiore di una gioia di vivere e in un’interpretazione allegra e vivace della realtà intorno a sé osservata attraverso la lente poliedrica di un meraviglioso prisma che fa ruotare sulla base della sensazione ricevuta dalla realtà e interiorizzata dal suo filtro emozionale.
Artista fin da bambina e con l’arte come unica compagna di giochi dopo un incidente che le ha lasciato una disabilità a causa della quale è stata emarginata dai suoi compagni di scuola, si è imposta sulla famiglia per intraprendere studi artistici, almeno nella prima parte del suo percorso scolastico, ma successivamente è stata convinta a seguire un indirizzo più tecnico senza tuttavia mai perdere lo stimolo a disegnare e dipingere. Il suo mondo variopinto diviene dunque estensione di una vivacità fanciullesca che trovava sfogo solo e unicamente tra i colori, inducendola a trovare una propria strada espressiva poi consolidata e approfondita, molti anni dopo e con il sostegno del marito, attraverso studi specifici.
Nelle sue tele più figurative è impossibile non notare l’influenza dell’Espressionismo, sia nella rappresentazione delle nature morte e sia per la particolarità di modificare le forme allontanandole dalla visione più reale per entrare nel mondo della fantasia, quasi come se ogni oggetto, ogni fiore, fossero sul punto di muoversi mostrando la loro vera essenza. La decontestualizzazione descrittiva la avvicina anche, in alcune tele, alla NeoPop Art dell’artista giapponesse Takashi Murakami in cui i fiori hanno l’aspetto stilizzato e variopinto del fumetto; ecco, in Margaréta Nomülner tutto questo viene elevato all’ennesima potenza, come volesse sottolineare che il suo mondo non potrebbe mai essere allontanato dalla vivacità che ha costituito la base stessa della sua vita di bambina e di adulta in grado di perseguire con determinazione il suo sogno artistico. La gamma cromatica diviene dunque estensione di tutta quell’allegria e quella gioia che non ha potuto condividere con gli altri bambini e che ha pertanto riversato nella sua pittura che non può fare a meno di travolgere e conquistare l’osservatore.
L’opera Natura morta con teiera è forse la più Fauves tra tutte perché le tonalità sono dense e piene, la narrazione somiglia a quella di una scena di Alice nel Paese delle Meraviglie, e l’irrealtà del contesto è sottolineata dallo sfondo giallo così come dall’aspetto antico della teiera che sembra appartenere a un’altra epoca, un periodo lontano in cui tutto era più semplice e le piccole cose costituivano la base della felicità. Anche i fiori e le fragole co-protagoniste della composizione sono stilizzati, essenziali nella forma e giocosi nell’aspetto, quasi a sottolineare il mondo fiabesco a cui Margaréta Nomülner si è ispirata per realizzare l’opera.
In Il mondo circolare invece reinterpreta le forme tondeggianti del Cubismo Orfico riadattandolo alla sua sensibilità espressiva che la conduce verso una predominanza colori secondari tenui e pastello che tuttavia vengono utilizzati nella loro piena intensità, dando vita a una composizione dove, a dispetto del titolo, in realtà sono molti i mondi che convergono e si toccano, quasi a sottolineare quanto in fondo la vita sociale non sia altro che una costante interazione di individui i quali, pur mantenendo ciascuno la propria individualità e singolarità, di fatto hanno bisogno l’uno dell’altra, hanno la necessità di entrare in contatto reciproco accrescendo la forza dei loro singoli colori, intesi come emanazione della personalità. I puntini colorati al di sotto della forma in primo piano rappresentano la moltitudine che si trova oltre la sfera della quotidianità, tutti quei miliardi di persone inconosciute che vivono e replicano la stessa casualità di incontri e di vicinanza che sta sperimentando la forma protagonista dell’opera.
Nel lavoro Palla da discoteca colorata fuoriesce invece l’approccio Op Art di Margaréta Nomülner, il reticolo geometrico contiene le variopinte tonalità scelte che sembrano ancora una volta appartenere alla dimensione della gioia, la stessa provata nelle discoteche degli anni Settanta e Ottanta del Novecento quando la spensieratezza contraddistingueva la società di quel periodo; ma ciò che emerge in maniera chiara è anche l’effetto ottico dell’opera che crea lo stesso magnetismo visivo generato dalla sfera stroboscopica che sembrava non arrestare mai il suo movimento luminoso. Come da linee guida dell’Op Art, qui la sensazione di convessità è data dalla differenza di dimensioni dei tasselli colorati e dalla linea nera di definizione del cerchio esterno, mentre la disposizione dei colori infonde l’idea della rotazione.
Un colorato prato di colori infine è l’opera più vicina alla NeoPop di Murakami perché i fiori sono assoluti protagonisti con la loro diversità e singolarità, quasi Margaréta Nomülner volesse sottolinearne la personalità unica e decisa che si staglia su uno sfondo costituito da tanti piccoli frammenti di colore contenuti all’interno di una delineazione ben definita, quasi a rappresentare la necessità di un approccio gioioso e giocoso alla vita. Ancora una volta, la stilizzazione sottolinea quanto l’arte per l’autrice rappresenti un mezzo di evasione e un modo per immergersi in una realtà immaginaria e fantastica da cui sentirsi protetta nella sua sensibilità.
Margaréta Nomülner ha al suo attivo la partecipazione a mostre collettive a Bratislava e sta cominciando a intraprendere un percorso espositivo all’estero che inizierà con la collettiva Spring inspiration Budapest 2025.
MARGARÉTA NOMÜLNER-CONTATTI
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Explosion of colours and narrative vivacity in the original style by Margaréta Nomülner, poised between Expressionism, Op Art and NeoPop
When the artistic impulse manifests itself, it tends in some cases to have to break out of the observed reality because it is too often limiting and insufficient to bind with all those intense and personal facets that belong to each creative, thus giving rise to a need to detach from the point of view of form, or non-form, or colour; by virtue of this tendency, therefore, art may not correspond to what the eye expects to find before it, rather it adapts and conforms to what the artist’s soul needs to convey in the best way to manifest itself. In the case of today’s protagonist emerges clearly the need to give life to a lively, cheerful world, almost as if everything observed were under the lens of a kaleidoscope through which the artist formally modifies the structure of things or abstractly represents their essence, which is revealed with the most positive and entertaining chromatic contribution.
Around the end of the 19th century developed in France and northern Europe a push to broaden the search for decomposition of the image that had begun with Impressionism; Postimpressionism was distinguished precisely by a formal and sometimes executive detachment from the reality that was so important for the Impressionists to reproduce in the most impeccable manner. Within this idea of development emerged two different currents, Pointillism in which the fragmented brushstroke was exaggerated to the point of being reduced to small chromatic dots through which reality was recomposed, and the early pioneers of Expressionism such as Vincent Van Gogh and Paul Gauguin who instead maintained a well-defined figuration but decontextualised by a flat and full use of colours. The legacies of these two styles were picked up by the theorists of the Fauves, who never constituted a real movement although they did lay the foundations for Northern European Expressionism, which were distinguished by the use of a completely unnatural range of colours detached from reality that was meant to amplify a subversive pictorial stroke, lacking perspective, depth and nuances that had characterised previous art.
The use of colour from that moment on changed completely because it was no longer to be used to tell the story of reality as perceived in everyday life, but was to be linked to the inner world, to the emotions of the individual artist, thus transforming painting into a subjective gesture and no longer into an objective reproduction deprived of any influence of the author. The strong and impactful tones were thus cleared through customs in their vividness and intensity, finding application even in those new and subversive currents traceable to Abstract Art such as Orphic Cubism, which broke away from the Cubist avant-garde both for a complete and total departure from any reference to reality and for the more vivid and brilliant colour palette; in this case the fragmentation of the image typical of Cubism was applied to geometric and rounded forms in which began to emerge a singular optical effect defined and determined precisely by colour contrast. This movement developed mainly by Robert and Sonia Delaunay was probably the inspiration for Victor Vasarely in the elaboration of his vibrant and colourful Op Art in which the hypnotic sensation of movement was associated with the magic of colours and emphasised precisely by the juxtaposition of strong and intense tones through which he infused depth and roundness into the geometric images that were an experimentation and representation of the psychedelic society of the 1960s.
The Slovakian artist Margaréta Nomülner creates a decidedly original style by combining the influences of Post-Impressionism – Vincent Van Gogh was one of the authors who most inspired her – with those of Optical Art, although in her case the latter completely loses its scientific and analytical approach to become an inner manifestation of a joy of living and a cheerful and lively interpretation of the reality around her observed through the polyhedral lens of a marvellous prism that she rotates on the basis of the sensation received from reality and internalised by her emotional filter. An artist since childhood and with art as her only playmate after an accident that left her with a disability due to which she was ostracised by her schoolmates, she forced herself on her family to undertake artistic studies, at least in the first part of her schooling, but was later persuaded to follow a more technical direction without, however, never losing the urge to draw and paint. Her multicoloured world thus became an extension of a childlike vivacity that found its outlet solely and exclusively in colours, leading her to find her own expressive path, which she then consolidated and deepened, many years later and with the support of her husband, through specific studies.
In her more figurative canvases, it is impossible not to notice the influence of Expressionism, both in the depiction of still lifes and in the particularity of modifying the forms, distancing them from the most real vision to enter the world of fantasy, almost as if every object, every flower, were on the verge of moving, showing their true essence. The descriptive decontextualisation also brings her close, in some canvases, to the NeoPop Art of Japanese artist Takashi Murakami in which the flowers have the stylised and multicoloured appearance of a comic strip; here, in Margaréta Nomülner, all this is elevated to the nth power, as if to emphasise that her world could never be distanced from the liveliness that constituted the very basis of her life as a child and as an adult able to pursue her artistic dream with determination. The range of colours thus becomes an extension of all that cheerfulness and joy that she was not able to share with other children and that she therefore poured into her painting that cannot help but overwhelm and conquer the observer.
The work Still Life with Teapot is perhaps the most Fauves of all because the tones are dense and full, the narrative resembles that of a scene from Alice in Wonderland, and the unreality of the context is emphasised by the yellow background as well as by the antique appearance of the teapot that seems to belong to another era, a distant time when everything was simpler and small things formed the basis of happiness. Even the flowers and strawberries that co-star in the composition are stylised, essential in form and playful in appearance, as if to emphasise the fairy-tale world that Margaréta Nomülner was inspired by in creating the work. In The Circular World, on the other hand, she reinterprets the rounded forms of Orphic Cubism, readapting them to her expressive sensibility which leads her towards a predominance of soft secondary colours and pastels that are nevertheless used in their full intensity, creating a composition where, despite the title, there are actually many worlds that converge and touch, almost as if to emphasise how social life is basically nothing more than a constant interaction of individuals who, while each maintaining their individuality and singularity, in fact need each other, need to come into contact by increasing the strength of their individual colours, understood as an emanation of personality. The coloured dots below the shape in the foreground represent the multitude that lies beyond the sphere of the quotable, all those billions of unknown people who experience and replicate the same randomness of encounters and closeness that the shape protagonist of the work is experiencing.
In the work Coloured Disco Ball, on the other hand, emerges Margaréta Nomülner‘s Op Art approach, the geometric net contains the chosen multicoloured tones that once again seem to belong to the dimension of joy, the same dimension experienced in the discotheques of the 1970s and 1980s when carefreeness characterised the society of that period; but what also emerges clearly is the optical effect of the work that creates the same visual magnetism generated by the stroboscopic sphere that never seemed to stop its luminous movement. In accordance with the Op Art guidelines, here the sensation of convexity is given by the difference in size of the coloured tiles and the black line defining the outer circle, while the arrangement of the colours infuses the idea of rotation. Lastly A colourful meadow of colours is the work closest to Murakami‘s NeoPop because the flowers are the absolute protagonists with their diversity and singularity, almost as if Margaréta Nomülner wanted to emphasise their unique and decisive personality that stands out against a background made up of many small fragments of colour contained within a well-defined delineation, almost as if to represent the need for a joyful and playful approach to life. Once again, the stylisation underlines how art for the artist represents a means of escape and a way of immersing herself in an imaginary and fantastic reality from which she feels protected in her sensitivity. Margaréta Nomülner has to her credit the participation in group exhibitions in Bratislava and is beginning to embark on an exhibition path abroad that will start with the group show Spring inspiration Budapest 2025.
