Il senso luminoso del buio nelle opere di Mar.Giancarlo Mariani, dove il Simbolismo incontra l’ironia NeoDada

Esistono artisti che hanno un atteggiamento riflessivo e intimista non solo verso i concetti che dalla vita si srotolano quotidianamente ma anche verso un’espressività che pertanto ha bisogno di osservare tutti gli aspetti delle pieghe che si nascondono oltre la realtà, anche e soprattutto quelli che non sono evidenti alla luce del giorno o con una gamma cromatica vivace e chiara; questi particolari interpreti dell’arte scelgono così di attraversare il buio, l’oscurità, intesa non come qualcosa di cupo o minaccioso piuttosto come una fase necessaria per raccogliere le idee e spingersi verso una più profonda consapevolezza di quelle sfaccettature intimiste ma funzionali a esortare un’immersione nelle profondità del pensiero e della considerazione di ciò che ruota intorno all’essere umano. Il protagonista di oggi affronta esattamente le ombre, il negativo della pellicola della vita, per mettere in primo piano alcuni aspetti della società contemporanea che emergono attraverso una sottile ironia in virtù della quale quel buio mostra la sua luce funzionale a raggiungere una consapevolezza differente.

Nel corso della storia dell’arte di ogni tempo, il buio ha esercitato un fascino irresistibile per tutti quegli autori che non riuscivano a concepire il colore e la luce senza la loro privazione, il loro opposto imprescindibile grazie al quale tutte le altre caratteristiche venivano esaltate; furono i pittori fiamminghi i primi a usare il nero assoluto negli sfondi dei loro ritratti, aprendo così le porte alla successiva ricerca dell’opposizione e dell’esaltazione di esso compiuta da Caravaggio che divenne dunque il maggiore interprete del potere prorompente del buio che dominava le sue opere e che paradossalmente lo rese uno dei più grandi maestri della forza della luce. Qualche decennio dopo fu Rembrandt a utilizzare l’ombra, seppur in maniera più sfumata e meno definita rispetto al suo predecessore, per dare solennità alle scene riprodotte nelle sue tele più celebri.

Francisco Goya si spinse ben oltre, legandolo a riti oscuri e scene spaventose dando così al nero quell’accezione negativa che invece non apparteneva ai due artisti sopra citati. Lo studio del buio inteso come momento intimo di riflessione e di ascolto di un’interiorità nascosta rispetto all’essenza che invece si rivela al mondo, e del suo effetto introspettivo sul fruitore di una tela, proseguì anche dopo l’avvento della rivoluzione artistica che condusse verso l’Arte Astratta, dove la forma e la luce potevano anche essere completamente escluse da una tela per esprimere l’assoluta radicalizzazione dell’essenza della mancanza di luce o di colore; a questa sfaccettatura appartiene il dipinto Quadrato nero di Kazimir Malevich a cui si ispirò successivamente l’esponente dell’Espressionismo Astratto, e del Minimalismo, Ad Reinhardt i cui monocromi spesso svelavano una sovrapposizione appena percettibile e funzionale a far fuoriuscire una sensazione e una riflessione più immediate, quasi a sottolineare la possibilità di chiarore anche nel buio.

Frank Stella stesso, più noto per le sue tele a righe colorate e vivaci, dipinse un’intera serie in bianco e nero, dove la contrapposizione tra i due opposti infondeva un effetto ipnotico sia dal punto di vista ottico che da quello della percezione inconscia verso la necessità accettare e accogliere l’alternanza degli estremi dell’esistenza. All’interno del panorama di autori che hanno celebrato il nero è impossibile non citare Anish Kapoor che manipola la mancanza di colore secondo il suo intento espressivo ma anche sulla base della sensazione che desidera suscitare nel fruitore, come se il magnetismo del buio fosse necessario per mettere l’osservatore davanti a se stesso, alle proprie emozioni più nascoste, e ritenendo il nero così fondamentale nel suo percorso artistico da arrivare persino a brevettarne una particolare gradazione.

Il fiorentino Mar.Giancarlo Mariani, artista da sempre ma con una ricerca pittorica accantonata per i lunghi anni durante i quali ha svolto la professione di scenografo per il teatro e l’opera lirica, appartiene a quegli autori per i quali sottolineare il buio, inteso come assenza di colore, assume un senso profondo, stimola la connessione con le corde interiori più sottili e soprattutto richiede una particolare sensibilità e attenzione per riuscire a cogliere quei piccoli particolari che fuoriescono dalle sue opere;

lo stile è una mescolanza sinergica tra Simbolismo, che emerge da dettagli accennati oppure da elementi più manifesti, ironia e analisi della società che lo avvicina all’irriverenza del Dadaismo attenuato e alleggerito dal suo innato atteggiamento moderato e curioso più che critico, e infine l’attitudine alla sperimentazione materica appartenente all’Arte Informale, di cui mantiene gli sfondi indefiniti e decontestualizzati, riadattata però alla necessaria presenza della figurazione.

In qualche modo Mar.Giancarlo Mariani svela il suo aver vissuto a lungo tra teatri e opera, dove spesso il buio precede e contribuisce a creare l’atmosfera di raccoglimento perfetta prima che le luci illuminino i palcoscenici per poi tornare a predominare nelle scene più salienti e suggestive, fino a essere protagonista dopo il finale lasciando così agli spettatori il tempo di prendere atto della grandiosità del messaggio ricevuto. Ma il buio raccontato da Mar.Giancarlo Mariani non è mai totale, contiene sempre in sé una possibilità di luminosità, quasi egli volesse sottolineare quanto in fondo esso sia fondamentale per esaltare tutto ciò che in piena luce non potrebbe mai emergere, ciò che appartiene a quelle energie sussurrate in grado di farsi sentire solo se l’altro è predisposto a un attento ascolto; in alcuni lavori invece la leggera luminosità è esortativa a concentrarsi sul senso dell’opera, sul concetto filosofico più che quello visivo, che si mette così in connessione con l’interiorità di un uomo contemporaneo, nella fattispecie l’osservatore, spesso troppo distratto o abituato a galleggiare in superficie per essere capace di notare ciò che può essere colto solo con l’ausilio del buio.

Nel lavoro Irritated flowers è evidente l’approccio ironico di Mar.Giancarlo Mariani che dà voce a un mazzo di fiori maltrattati dalla mano che dovrebbe donarli, o che forse li ha ricevuti non gradendoli, sottolineando il loro disappunto, il fastidio provato per quella mancanza di delicatezza e di riguardo verso l’elemento della natura che costituiscono. Il braccio in scala di grigi tiene il mazzo come se non si curasse degli scossoni che la sua negligenza provoca ai delicati petali, chiari come se l’artista volesse sottolinearne la positività che riescono a portare nel cuore e nella vita di chi li riceve, anche se la loro durata è breve e proprio per questo richiede una cura più rispettosa.

In Ghost invece il Simbolismo si mescola all’acuta osservazione di Mar.Giancarlo Mariani nei confronti di una società attuale dove l’avvento e l’utilizzo indiscriminato della tecnologia hanno completamente distaccato gli individui dalla capacità di provare e vivere le sensazioni del momento presente; qui la persona che tiene in mano il cellulare non è minimamente turbata dalla presenza di un fantasma, sia esso benevolo o meno non sembra essere fondamentale, piuttosto ciò di cui è preoccupata è di riuscire a filmare quel momento, più per mostrarlo agli altri o per averlo sulla memoria del telefonino che di ciò che quella presenza può generare o del significato che può contenere.

In Sindone A1 viene affrontato il tema del mistero della veste di Gesù rinvenuta a Torino e sulla quale Mar.Giancarlo Mariani si interroga per l’effetto mistico che riveste per le persone di religione cattolica per cui la certezza della sua autenticità è un dettaglio quasi irrilevante perché di fatto la fede non ha bisogno di chiedere prove bensì semplicemente di ritenere valida una teoria che costituisca un modo per avvalorare le credenze su cui hanno basato la loro intera vita. In quest’opera emerge in maniera chiara l’attitudine sperimentatrice dell’artista che utilizza colle, applicazioni materiche e colori scuri successivamente bruciati in alcuni dettagli e nello specifico nella parte delle braccia del Salvatore, come a riproporre una sua versione dell’impronta del sacro telo di stoffa mentre lo sfondo esce dal buio del nero per adeguarsi alla molteplicità delle varie stoffe che vanno a sottolineare l’approccio dubitativo dell’artista nei confronti del rinvenimento della sindone, come mostrando quanto i materiali possano essere invecchiati e trasformati sulla base della necessità.

In Due pezzi di pizza l’autore si lascia invece andare a un sano campanilismo nazionale celebrando una delle prelibatezze per cui il Bel Paese è diventato noto in tutto il mondo, la pizza; l’immagine golosa mette in evidenza la mozzarella filante delle fette che vengono sollevate e qui il nero lascia spazio a un grigio azzurrato piacevole e conviviale, irradiato dalla luminosità del formaggio quasi esso fosse l’essenza stessa di uno dei cibi più mangiati al mondo. Il fondo astratto e indefinito è funzionale a mettere in risalto la scena principale per la quale l’attenzione dell’osservatore è attratta dalle braccia scure e solo in un secondo momento si sposta verso la base del lavoro da cui comprende il senso del tutto.

Mar.Giancarlo Mariani ha al suo attivo un importante percorso espositivo nella prima parte della sua carriera, dunque nella fase precedente alla scelta di dedicare la sua creatività alla professione di scenografo teatrale, che lo ha visto esporre in mostre collettive e personali a Firenze e a Trento, poi ha ripreso la ricerca pittorica recentemente esponendo a Cuneo, a Firenze, a Ravenna, a Mestre e in Lussemburgo.

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The luminous sense of darkness in the artworks by Mar.Giancarlo Mariani, where Symbolism meets NeoDada irony

There are artists who have a reflective and intimist attitude not only toward the concepts that unfurl from life on a daily basis but also toward an expressiveness that therefore needs to observe all aspects of the folds that are hidden beyond reality, even and especially those that are not evident in daylight or with a vivid and clear color palette; these particular interpreters of art thus choose to go through the dark, the darkness, understood not as something gloomy or threatening rather as a necessary stage to gather ideas and push towards a deeper awareness of those facets that are intimate but functional to exhort an immersion in the depths of thought and consideration of what revolves around the human being. Today’s protagonist confronts exactly the shadows, the negative of the film of life, to foreground certain aspects of contemporary society that emerge through a subtle irony by virtue of which that darkness shows its functional light to achieve a different awareness.

Throughout the history of art of all times, darkness has exerted an irresistible fascination for all those authors who could not conceive of color and light without their deprivation, their inescapable opposite thanks to which all other characteristics were exalted; it was the Flemish painters who were the first to use absolute black in the backgrounds of their portraits, thus opening the door to the later search for the opposition and exaltation of it accomplished by Caravaggio, who thus became the greatest interpreter of the bursting power of darkness that dominated his artworks and paradoxically made him one of the greatest masters of the power of light. A few decades later it was Rembrandt who used shadow, albeit in a more nuanced and less defined manner than his predecessor, to give solemnity to the scenes reproduced in his most famous canvases.

Francisco Goya went much further, linking it to dark rituals and frightening scenes, thus giving black that negative meaning that did not belong to the two artists mentioned above. The study of darkness understood as an intimate moment of reflection and listening to a hidden interiority compared to the essence that is instead revealed to the world, and of its introspective effect on the viewer of a canvas, continued even after the advent of the artistic revolution that led toward Abstract Art, where form and light could also be completely excluded from a canvas to express the absolute radicalization of the essence of the lack of light or color; to this facet belongs Kazimir Malevich‘s painting Black Square, which was later inspired by the exponent of Abstract Expressionism, and Minimalism, Ad Reinhardt whose monochromes often revealed a barely perceptible overlay that was functional in bringing out a more immediate feeling and reflection, as if to emphasize the possibility of flare even in the dark.

Frank Stella himself, best known for his brightly colored striped canvases, painted an entire series in black and white, where the juxtaposition of the two opposites infused a hypnotic effect both optically and in terms of unconscious perception toward the need to accept and accommodate the alternating extremes of existence. Within the panorama of authors who have celebrated black, it is impossible not to mention Anish Kapoor, who manipulates the lack of color according to his expressive intent but also on the basis of the sensation he wishes to arouse in the viewer, as if the magnetism of darkness were necessary to put the viewer in front of himself, his own most hidden emotions, and considering black so fundamental to his artistic journey that he even went so far as to patent a particular gradation of it. The Florentine Mar. Giancarlo Mariani, a lifelong artist but with a pictorial research set aside due to the long years during which he worked as a set designer for theater and opera, belongs to those authors for whom emphasizing darkness, understood as the absence of color, takes on a profound meaning, stimulates the connection with the subtlest inner chords and above all requires a special sensitivity and attention to be able to grasp those small details that emerge from his works; the style is a synergistic mixture of Symbolism, which emerges from hinted details or from more manifest elements, irony and analysis of society that brings him close to the irreverence of Dadaism toned down and lightened by his innate moderate and curious rather than critical posture, and finally the aptitude for material experimentation belonging to Informal Art, of which he maintains the indefinite and decontextualized backgrounds, readapted, however, to the necessary presence of figuration.

Somehow Mar.Giancarlo Mariani reveals his having lived for a long time between theaters and opera, where darkness often precedes and contributes to creating the perfect atmosphere of recollection before the lights illuminate the stages and then returns to predominate in the most salient and evocative scenes, until it takes center stage after the finale, thus leaving viewers time to take note of the grandeur of the message received. But the darkness narrated by Mar. Giancarlo Mariani is never total, it always contains within itself a possibility of luminosity, as if he wanted to emphasize how fundamentally it is essential to exalt all that in full light could never emerge, that which belongs to those whispered energies capable of making themselves heard only if the other is predisposed to careful listening; in some works, on the other hand, the light brightness is exhortative to focus on the meaning of the work, on the philosophical rather than the visual concept, which thus connects with the interiority of a contemporary man, in this case the observer, who is often too distracted or accustomed to floating on the surface to be able to notice what can only be grasped with the aid of darkness. In the artwork Irritated flowers, is evident Mar.Giancarlo Mariani‘s ironic approach as he gives voice to a bouquet of flowers mistreated by the hand that is supposed to give them, or perhaps has received them disliking them, emphasizing their disappointment, the annoyance felt at that lack of delicacy and regard for the element of nature they constitute.

The arm in grayscale holds the bouquet as if it does not care about the shocks its neglect causes to the delicate petals, clear as if the artist wanted to emphasize the positivity they manage to bring to the heart and life of the recipient, even if their life span is short and for that very reason requires more respectful care. In Ghost, on the other hand, Symbolism is mixed with the acute observation of Mar. Giancarlo Mariani towards a current society where the advent and indiscriminate use of technology have completely detached individuals from the ability to feel and experience the sensations of the present moment; here the person holding the cell phone is not at all disturbed by the presence of a ghost, whether it is benevolent or not does not seem to be fundamental, rather what is worried about is being able to film that moment, more to show it to others or to have it on the cell phone’s memory than what that presence can generate or the meaning it can contain. In Shroud A1 the subject of the mystery of the robe of Jesus found in Turin is addressed and on which Mar.Giancarlo Mariani questions the mystical effect it has for people of the Catholic religion for whom the certainty of its authenticity is an almost irrelevant detail because, in fact, faith does not need to ask for evidence but simply to hold a theory that constitutes a way to validate the beliefs on which they have based their entire lives. In this work emerge clearly the artist’s experimental attitude as he uses glues, material applications and dark colors subsequently burned in some details and specifically in the part of the Savior’s arms, as if to reproduce his own version of the imprint of the sacred cloth while the background comes out of the darkness of black to adapt to the multiplicity of the various fabrics that go to emphasize the artist’s doubtful approach to the discovery of the shroud, as if showing how much materials can be aged and transformed based on necessity.

In Two Pieces of Pizza, on the other hand, the author indulges in a healthy national parochialism by celebrating one of the delicacies for which the Bel Paese has become known throughout the world, pizza; the mouthwatering image highlights the stringy mozzarella cheese of the slices being lifted, and here the black gives way to a pleasant and convivial bluish gray, radiated by the brightness of the cheese as if it were the very essence of one of the most eaten foods in the world. The abstract and indefinite background is functional to highlight the main scene for which the viewer’s attention is drawn to the dark arms and only later moves to the base of the work from which he understands the meaning of the whole. Mar.Giancarlo Mariani has to his credit an important exhibition path in the first part of his career, thus in the phase before he chose to devote his creativity to the profession of theatrical set designer, which saw him exhibit in group and solo shows in Florence and Trento, then took up his pictorial research recently exhibiting in Cuneo, Florence, Ravenna, Mestre and Luxembourg.