Tra Neopop e concetti esistenziali i soggetti semaforici della fotografia di Matteo Cervone

Nel mondo contemporaneo il significato di arte si è incredibilmente amplificato andandosi a collocare anche in quelle pieghe e in quelle modalità espressive che in precedenza non erano prese in considerazione perché assolutamente fuori dagli schemi e dai canoni delle regole accademiche. La possibilità per gli interpreti del ventunesimo secolo di ispirarsi e di sintetizzare le linee guida dei principali movimenti rivoluzionari del più recente passato, concede loro la libertà di dare vita a contaminazioni, ispirazioni e linguaggi innovativi dove l’imperativo è trasformare il gesto creativo in espressione non solo della propria interiorità bensì anche delle riflessioni su tutto ciò che per le persone comuni costituisce una normalità quasi invisibile ma che sotto la loro lente osservativa diviene invece occasione di narrazione visiva da trasmettere in modo semplice e diretto all’osservatore. L’artista di cui vi racconterò oggi, pur nascendo come fotografo, focalizza la sua attenzione sul significato che scaturisce da oggetti semplici, forse persino banali nella loro costante presenza, per farne un simbolo espressivo da cui si diramano le sue sottili dissertazioni sulla vita e sulla società.

Dopo la netta rottura con le regole accademiche che contraddistinse i primi decenni del Ventesimo secolo, quando la figurazione dovette lasciare spazio all’astrazione più completa, alla rinuncia a ogni forma conosciuta, e dopo la sovversione completa degli schemi espressivi e compositivi delle sperimentazioni avanguardiste compiute dai cubisti, dai futuristi e dai surrealisti, l’arte avvertì l’esigenza di tornare a un ordine visivo che potesse essere più facilmente compreso e accolto dalla società borghese che si stava affermando dopo il secondo dopoguerra e che aveva bisogno di riconoscere simboli e icone più attuali e vicine al loro gusto. La Pop Art dei primi anni Cinquanta segnò un nuovo percorso, inizialmente negli Stati Uniti ma poi ampliatosi anche in Europa, attraverso cui l’espressione creativa scelse di parlare non più all’élite colta che aveva una formazione culturale radicata e in grado di comprendere opere concettuali o semplicemente perfette nella loro plasticità; la nuova classe abbiente necessitava di ritrovare i simboli del loro benessere, delle loro abitudini e di ciò che era familiare nella quotidianità. Le icone cinematografiche e quelle consumistiche di Andy Warhol, che riuscì con uno stile fresco e di forte impatto cromatico a rendere protagoniste di un’opera le dive del grande schermo così come le zuppe del supermercato, si affiancavano al mondo dei fumetti di Roy Lichtenstein e di Steve Kaufman così come agli omini stilizzati e semplificati di Keith Haring, forse il primo a entrare nel concetto della Pop Art lasciando nelle grandi opere murali i suoi messaggi di condivisione e la sua richiesta di solidarietà nella moltitudine moderna.

Haring lasciò trapelare dalle sue immagini un grido di aiuto, di richiesta di accettazione in una società che non era ancora pronta a comprendere la sua diversità, attraverso uno stile divertente e scanzonato che conquistò il grande pubblico grazie anche alla sua capacità imprenditoriale di creare ogni tipo di gadget di cui erano protagonisti i suoi omini. La Street Art dunque si mescolò alla prima Pop Art segnando un cammino nuovo dal punto di vista figurativo, che seppe aprire la strada alle estremizzazioni edoniste e puramente spogliate dall’interiorizzazione di Jeff Koons, o al contrario alla decontestualizzazione emozionale di Mark Kostabi in virtù della quale l’individuo possa immedesimarsi nei suoi personaggi privi di ogni segno distintivo se non per l’amplificazione delle sensazioni che da essi si propaga.

L’artista milanese Matteo Cervone mostra un approccio analogo seppur trovando un mezzo creativo diverso rispetto agli artisti citati finora, poiché con un passato da fotografo non poteva non continuare a utilizzare lo strumento a lui più congeniale, quello in virtù del quale la sua ispirazione concettuale potesse esprimersi al meglio; di contro non è trascurabile l’aspetto Pop e decisamente personale della sua modalità narrativa poiché a sua volta, come Haring e Kostabi, sceglie degli omini privi di caratterizzazione che possono al contempo rappresentare l’individuo tanto quanto la moltitudine, l’attitudine contemporanea ad andare senza mai fermarsi, quel costante movimento sinonimo di globalizzazione ma anche di evoluzione personale che costituisce il flusso dell’esistenza moderna.

Ma la particolarità più identificativa di Matteo Cervone è la scelta dei soggetti protagonisti delle sue opere, quei semafori pedonali che la maggior parte delle persone vive semplicemente come una segnalazione visiva volta a garantire sicurezza e incolumità durante gli attraversamenti mentre per lui si trasformano in vere e proprie occasioni per studiare l’approccio figurativo di diverse zone d’Italia e del mondo, anche sulla base del periodo in cui sono state installate le colonnine, e per immaginare un’ambientazione e un significato più psicologico e sociale, quasi quegli omini rossi, verdi o arancioni, divenissero protagonisti di scenette, di meditazioni e di riflessioni funzionali all’artista ad approfondire la vita e la natura umana. Il messaggio Pop si configura pertanto per la larga diffusione degli oggetti tipici di ogni giungla urbana, che dunque li rende immediatamente identificabili nell’aspetto e solo un attimo dopo costringe l’occhio a focalizzarsi sulle inconsuete pose colte dall’autore, così come sulla similitudine alla marcia continua degli omini di una celeberrima pubblicità degli anni settanta, quelli delle pentole Lagostina, riuscendo a dare vita a una favola metropolitana che di scatto in scatto si modifica anche sulla base delle ambientazioni scelte, a volte naturali ed esaltate grazie all’apporto delle infinite potenzialità del digitale, altre invece sovrapposte durante l’elaborazione digitale per infondere al risultato finale una maggiore suggestione che conduca verso il concetto che l’artista desidera esprimere.

Dal punto di vista significante, la guida all’osservazione giunge dal titolo, ironico nel modo in cui solo qualcosa che vuole scendere nel profondo ha bisogno di essere, prendendo in esame abitudini esistenziali, approcci alla conoscenza di sé che troppo spesso l’uomo contemporaneo trascura di compiere. La messa in luce di quei risvolti, di quelle pieghe, attraverso una figurazione popolare e al contempo mai presa in considerazione come forma d’arte, in qualche modo sorprende e nello stesso tempo destabilizza poiché Matteo Cervone chiarisce immediatamente che oltre l’immagine vi è altro, vi è una curiosità introspettiva che lo induce a mostrare il mondo per come è nella sua essenza, a raccontare, in virtù della sua fantasia visiva, storie, frammenti di esistenza che si concretizzano davanti al suo sguardo nel momento in cui scruta i semafori pedonali, così affascinanti in fondo nella loro immediatezza.

La sua immaginazione, al pari di quella di un regista, lo induce a dar vita a una linea narrativa che si compie in virtù dell’ambiente circostante, quasi la sospensione dei piccoli e colorati personaggi, protagonisti assoluti delle sue composizioni fotografiche, gli permettesse di creare uno scenario ideale che si collega all’evocazione che desidera infondere di opera in opera. L’osservatore è così coinvolto in un mondo metropolitano in virtù del quale Matteo Cervone suscita interrogativi, riflessioni sulle attitudini moderne, sul modo di trasformare l’oggettività in soggettività per avere un inedito punto di vista, ma soprattutto, in perfetta linea Pop Art, di utilizzare l’ironia e il sorriso per sdrammatizzare, pur evidenziandola, la consapevolezza di essere parte di un tutto che tende da un lato a indurre l’individuo a sentirsi come un numero ma dall’altro a comprendere quanto le sensazioni e le emozioni provate nell’esistenza appartengano al genere umano e siano condivise a livello universale, annullando pertanto ogni tipo di divisione in base alla razza, alla religione, alla cultura.

I giochi di luce e di riflessi spesso presenti nelle sue opere catturano l’attenzione tanto quanto lo fanno le innumerevoli e originali posizioni degli omini, quasi l’artista volesse ancor più enfatizzare la sua attenzione verso dettagli trascurati dalla maggior parte delle persone eppure perennemente presenti davanti agli occhi di quella moltitudine che ogni giorno si riversa nelle strade per affrontare la propria routine. In qualche modo lo sguardo di Matteo Cervone è poetico, riesce a scovare quel sottile romanticismo espressivo che ricorda le pellicole mute di Charlie Chaplin dove tutto, anche la situazione meno piacevole, era elevato da un approccio curioso e morbido, nella consapevolezza che ogni dettaglio e ogni persona, anche la più apparentemente irrilevante, poteva avere una sua importanza nel filo dell’esistenza.

Ecco perché la sua capacità osservativa riesce a trovare un sole all’interno di un semaforo arancione, una matrice ironicamente destinica in due semafori pedonali affiancati, una sfumatura caratteriale in un omino rosso fermo all’interno del disco semaforico, perché egli riesce ad andare oltre immaginando tutto il non detto che si può nascondere dietro una quotidianità solo apparentemente inanimata e banale.

Matteo Cervone, ha lavorato per venticinque anni in aziende multinazionali di servizi come formatore comportamentale, project manager di sviluppo e specialista di processo, tenendo sempre la vena artistica lontana dalla sua quotidianità fino al 2018, quando ha deciso di darle libero sfogo dedicandosi attivamente al perfezionamento della tecnica fotografica. Da quel momento in avanti ha partecipato a mostre collettive e fiere d’arte in Italia e all’estero – Lugano e Barcellona – ed è stato inserito nell’edizione 2024 del Catalogo dell’Arte Moderna Giorgio Mondadori. Ha anche al suo attivo due mostre personali a Milano e una a Pesaro.

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Between Neopop and existential concepts the traffic lights subjects of Matteo Cervone’s photography

In the contemporary world, the meaning of art has become incredibly amplified, taking its place even in those folds and modes of expression that were previously disregarded because they were completely outside the schemes and canons of academic rules. The possibility for 21st century artists to be inspired by and synthesise the guidelines of the main revolutionary movements of the most recent past, gives them the freedom to give life to contaminations, inspirations and innovative languages where the imperative is to transform the creative gesture into an expression not only of one’s own interiority but also of reflections on everything that for ordinary people constitutes an almost invisible normality but that under their observational lens becomes instead an opportunity for visual narration to be transmitted in a simple and direct manner to the observer.

The artist I am going to tell you about today, although he started out as a photographer, focuses his attention on the meaning that springs from simple objects, perhaps even banal in their constant presence, to make them an expressive symbol from which branch out his subtle dissertations on life and society.

After the clear break with academic rules that characterised the first decades of the 20th century, when figuration had to give way to the most complete abstraction, to the renunciation of all known forms, and after the complete subversion of the expressive and compositional schemes of the avant-garde experiments carried out by the Cubists, the Futurists and the Surrealists, art felt the need to return to a visual order that could be more easily understood and accepted by the bourgeois society that was emerging after the Second World War and that needed to recognise symbols and icons that were more up-to-date and closer to their taste.

The Pop Art of the early 1950s marked a new path, initially in the United States but later spreading to Europe as well, through which creative expression chose to speak no longer to the educated elite who had a deep-rooted cultural background and were able to understand conceptual works or those that were simply perfect in their plasticity; the new wealthy class needed to rediscover the symbols of their well-being, their habits and what was familiar in everyday life. The cinematic and consumerist icons of Andy Warhol, who succeeded with a fresh style and strong chromatic impact in making stars of the silver screen as well as supermarket soups the protagonists of a work, stood side by side with the comic strips of Roy Lichtenstein and Steve Kaufman as well as the stylised and simplified little men of Keith Haring, perhaps the first to enter the concept of Pop Art, leaving his messages of sharing and his call for solidarity in the modern multitude in his large murals.

Haring let a cry for help seep from his images, a request for acceptance in a society that was not yet ready to understand his diversity, through an amusing and light-hearted style that won over the general public thanks also to his entrepreneurial ability to create all kinds of gadgets starring his little men. Street Art thus mingled with early Pop Art, marking a new path from the figurative point of view, which paved the way for Jeff Koons‘ hedonistic and purely interiorising extremes, or, on the contrary, Mark Kostabi‘s emotional decontextualisation by virtue of which the individual can identify with his characters devoid of any distinctive sign if not for the amplification of the sensations that emanate from them.

The Milanese artist Matteo Cervone shows a similar approach, albeit finding a different creative medium than the artists mentioned so far, since with a past as a photographer, he could not but continue to use the tool most congenial to him, the one by virtue of which his conceptual inspiration could best express itself; on the other hand, the Pop and decidedly personal aspect of his narrative modality cannot be overlooked since, like Haring and Kostabi, he chooses little men without characterisation who can simultaneously represent the individual as much as the multitude, the contemporary attitude of going without ever stopping, that constant movement synonymous with globalisation but also with personal evolution that constitutes the flow of modern existence. But Matteo Cervone‘s most identifiable feature is the choice of the protagonists of his artworks, those pedestrian traffic lights that most people experience simply as a visual signal aimed at guaranteeing safety and security when crossing, whereas for him they turn into real opportunities to study the figurative approach of different parts of Italy and the world, also on the basis of the period in which the bollards were installed, and to imagine a more psychological and social setting and meaning, almost as if those little red, green or orange men had become the protagonists of sketches, meditations and reflections that the artist used to explore life and human nature.

The Pop message is therefore configured by the wide diffusion of objects typical of any urban jungle, which therefore makes them immediately identifiable in appearance and only a moment later forces the eye to focus on the unusual poses captured by the author, as well as on the similarity to the continuous march of the little men of a very famous 1970s advertisement, those of Lagostina pots, succeeding in giving life to a metropolitan fable that changes from shot to shot also on the basis of the chosen settings, at times natural and enhanced thanks to the contribution of the infinite potential of digital, others instead superimposed during digital processing to infuse the final result with a greater suggestion that leads towards the concept that the artist wishes to express. From the point of view of meaning, the guide to observation comes from the title, ironic in the way that only something that wants to go deep down needs to be, examining existential habits, approaches to self-knowledge that contemporary man too often neglects to make.

The highlighting of those implications, those folds, through a popular figuration and at the same time never taken into consideration as an art form, somehow surprises and at the same time destabilises because Matteo Cervone immediately makes it clear that beyond the image there is something else, there is an introspective curiosity that induces him to show the world as it is in its essence, to tell, by virtue of his visual imagination, stories, fragments of existence that materialise before his gaze as he scrutinises the pedestrian traffic lights, so fascinating in their immediacy. His imagination, like that of a film director, leads him to create a narrative line that is fulfilled by virtue of the surrounding environment, almost as if the suspension of the small, colourful characters, the absolute protagonists of his photographic compositions, allows him to create an ideal scenario that is linked to the evocation he wishes to instil from work to work.

The observer is thus drawn into a metropolitan world by virtue of which Matteo Cervone provokes questions, reflections on modern attitudes, on the way of transforming objectivity into subjectivity in order to have an unprecedented point of view, but above all, in perfect Pop Art line, of using irony and a smile to play down, while highlighting it, the awareness of being part of a whole that tends on the one hand to induce the individual to feel like a number but on the other to understand how much the feelings and emotions experienced in existence belong to the human race and are shared on a universal level, thus nullifying any kind of division on the basis of race, religion or culture.

The play of light and reflections often present in his works capture the attention as much as do the countless and original positions of the little men, almost as if the artist wanted to emphasise even more his attention to details overlooked by most people and yet perennially present before the eyes of the multitude who pour into the streets every day to go about their routine. Somehow Matteo Cervone‘s gaze is poetic, he manages to unearth that subtle expressive romanticism reminiscent of Charlie Chaplin’s silent films where everything, even the least pleasant situation, was elevated by a curious and soft approach, in the knowledge that every detail and every person, even the most seemingly irrelevant, could have its own importance in the thread of existence.

This is why his observational skills manage to find a sun inside an orange traffic light, an ironically destinic matrix in two pedestrian traffic lights side by side, a character nuance in a little red man standing still inside the traffic light disc, because he manages to go beyond imagining all the unspoken that can be hidden behind an everyday life that is only apparently inanimate and banal. Matteo Cervone has worked for twenty-five years in multinational service companies as a behavioural trainer, development project manager and process specialist, always keeping his artistic vein away from his everyday life until 2018, when he decided to give it free rein by actively dedicating himself to perfecting his photographic technique. Since then, he has participated in group exhibitions and art fairs in Italy and abroad – Lugano and Barcelona – and was included in the 2024 edition of the Catalogo dell’Arte Moderna Giorgio Mondadori. He also has two solo exhibitions in Milan and one in Pesaro to his credit.