I sogni floreali di Petra Mörth, tra ricordi di viaggio e atmosfere retrò in un un’Art Nouveau leggera e vivace

Molto spesso il presente, con tutte le sue complicazioni e sfaccettature a volte fin troppo esistenziali e individualiste, induce alcuni creativi, quelli per i quali la vita ha bisogno di essere assaporata con tocco di spensieratezza e di orientamento verso la bellezza, a cercare un’espressività affine alla loro inclinazione, al punto di vista con cui hanno bisogno di affrontare la vita e l’arte; questo sentimento di evasione nei confronti di una realtà spesso eccessivamente pragmatica o al contrario troppo concettuale, induce questo tipo di artisti a cercare il contatto con la bellezza, con la piacevolezza del vivere e con una rappresentazione che in qualche modo possa generare una dimensione attraverso la quale attrarre l’osservatore all’interno di un mondo immaginario che costituisce un ponte con un passato apparentemente lontano eppure incredibilmente vicino dal punto di vista del senso pittorico. La protagonista di oggi mostra esattamente questo tipo di attitudine, questo desiderio di vedere il lato positivo della vita attraverso un ritorno alla purezza della natura ma anche ripercorrendo i ricordi e i colori catturati durante i suoi numerosi viaggi.

La Rivoluzione industriale e tutta la corsa verso la meccanizzazione e l’automatizzazione dei processi produttivi che ne conseguì, segnò una vera e propria spinta alla ribellione da parte di un nutrito gruppo di artisti che non volevano adeguarsi alla riproduzione delle immagini, poiché la fotografia stava cominciando a dominare anche per il basso costo rispetto a un dipinto, così come gli artigiani non potevano accettare che il loro lavoro potesse essere messo in secondo piano rispetto a una maggiore velocità realizzativa in cui le macchine erano sicuramente inarrivabili; così nell’Inghilterra di fine Ottocento, William Morris ebbe l’idea di creare un tipo di arte che racchiudesse in sé una rappresentazione della realtà incatturabile da qualsiasi macchina e che al contempo introducesse le abilità artigianali estendendo le linee guida della corrente anche ad altri ambiti di applicazione come la decorazione di mobili e di oggetti, del vetro, gli intarsi del legno.

L’Arts and Crafts aveva come presupposto imprescindibile la morbidezza delle forme, l’introduzione di particolari floreali e sinuosi e qualche anno dopo la sua nascita questo concetto si diffuse nell’intera Europa continentale assumendo connotazioni diverse, e denominazioni diverse, sulla base del paese di provenienza degli artisti che vi aderirono. L’Art Nouveau si focalizzò sulla stilizzazione della natura mescolata a figure femminili simili a muse o a meravigliose fate dei boschi avvolte da fiori e da foglie, come testimoniano le indimenticabili opere pittoriche del ceco Alfons Mucha, le meravigliose architetture del belga Victor Horta che si cimentò nella decorazione del vetro, del ferro e del legno dei palazzi di Bruxelles, e i gioielli e i cristalli di René Lalique. A Vienna invece, centro nevralgico dell’arte in quel particolare periodo storico, il movimento prese il nome di Secessione viennese ed ebbe come massimo esponente Gustav Klimt che interpretò le linee guida mescolando un tratto pittorico tradizionale nei ritratti al centro delle tele, avvolgendole con foglia oro e fiori stilizzati infondendo una sensazione di inarrivabile evanescenza. In Italia la corrente orientata alla bellezza e alla piacevolezza del vivere fu denominata Stile Liberty ed ebbe in Galileo Chini uno dei maggiori interpreti, il quale enfatizzò la stilizzazione delle figure delle donne e della natura mettendo in luce l’irrealtà sognante delle delle atmosfere raccontate; il Modernismo spagnolo fiorì in particolar modo nell’architettura di Antoni Gaudì mentre la Germania fu rappresentata, nel suo Jugendstil, da Hans Christiansen. L’artista austriaca Petra Mörth si immerge letteralmente nel mondo della natura, stilizzandola sulla base del suo personale sentire ed entrando così di diritto nello stile Art Nouveau moderno dove a emergere in maniera evidente è il bisogno di allontanare le complessità del vivere attuale per entrare in una dimensione ideale da cui imparare tutto il positivo che si genera dalla leggerezza, dalla capacità di apprezzare ogni singolo istante vissuto e da una natura che diviene protagonista legandosi alle sensazioni e alle emozioni percepite dall’autrice.

Dal punto di vista espressivo in alcune opere a prevalere è l’irrealtà visiva, la sovrapposizione di elementi fortemente stilizzati che vanno a generare velature da cui emergono le tonalità piene delle piante sottostanti ai reticolati puntinisti o geometrici che Petra Mörth inserisce nelle composizioni; ad altre invece appartengono atmosfere più sognanti dove meravigliosi animali esotici vengono immersi in una natura colorata secondo la sensazione mnemonica dell’artista, quasi come se lasciasse fuoriuscire dal suo scrigno emotivo ciò che ha provato quando il suo sguardo si è posato sulla scena rappresentata adeguando le tonalità alla sua fantasia espressiva.

Poi vi sono le tele dove a essere co-protagoniste sono donne contraddistinte da un aspetto e da un abbigliamento retrò, immerse in paesaggi completamente irreali quasi appartenessero al mondo del sogno piuttosto che a quello della realtà; in questa serie di opere la morbidezza della flora viene spesso affiancata dal rigore divertente della geometricità di alcuni dettagli, sfumando così verso l’Art Déco, per sdrammatizzare la sensazione sognante e introdurre il concetto di leggerezza funzionale a sorridere della vita e di se stessi, quasi come se per Petra Mörth quella fosse la vera chiave di un’esistenza piacevole e rasserenante a dispetto di tutto ciò che accade intorno e che nella maggior parte dei casi può generare ombre e ansie. È stato infatti proprio il momento della pandemia a far nascere in lei l’esigenza di misurarsi con l’arte visiva, dunque il suo approccio è stato fin da subito quello di cercare una strada per evadere dal confinamento e dall’impossibilità di mantenere i rapporti sociali, trovando nella natura, nella bellezza della semplicità, e nei ricordi dei suoi numerosi viaggi la chiave per superare quel momento destabilizzante.

L’opera Les Belles è forse quella più vicina allo Jugendstil che di fatto costituì la base dell’Espressionismo, e sebbene l’aspetto della donna sia fortemente contemporaneo, il pavone accanto a lei è uno degli elementi più caratteristici proprio dello stile pittorico che aveva dominato durante il periodo della Belle Epoque, e costituisce in quest’opera l’unico legame con la natura, con la rappresentazione di quel mondo che tanto la fa sentire in contatto con se stessa. La donna appartiene probabilmente al ricordo di un viaggio dell’autrice e così la memoria del reale si mescola alla fantasia di sottolinearne la bellezza affiancandole uno degli animali più belli che l’occhio umano conosca, paragonando con ironia e arguzia l’attitudine di entrambi a mostrarsi al loro meglio.

In Strawberry field invece la scena è completamente dedicata alle foglie sotto cui le fragole si nascondono, quasi come se per Petra Mörth il momento più magico fosse l’osservazione e la ricerca dei frutti deliziosi, piuttosto che la raccolta; e forse il reticolato di puntini bianchi che attenua il nero e il rosso delle foglie e dei loro succulenti prodotti, sta a rappresentare esattamente quel desiderio di lasciare intatta quella bellezza, come se volesse in qualche modo proteggere tutto attraverso quel velo delicato che si connette con la sua sensibilità. Sembra una metafora della vita questa tela, un sottolineare quanto a volte sia meglio soffermarsi su ciò che viene visto attendendo il momento giusto per prenderlo, piuttosto che afferrare freneticamente ogni occasione senza neanche domandarsi se la si vuole davvero.

Il dipinto My jungle resort racconta di un bellissimo panorama tropicale in cui i colori sono completamente decontestualizzati, quasi appartenessero a una terra di mezzo tra sogno e realtà, quasi gli elementi geometrici della parte inferiore della tela costituissero la base solida da cui elevarsi per dipingere un mondo più bello; il tucano è perfettamente a suo agio in quell’universo fatto di piante e di fiori, incurante di scoprire se appartiene a una visione oppure a un ambiente reale ciò che conta per lui è vivere serenamente. Anche in questo caso la stilizzazione contribuisce a infondere la sensazione che tutto esca da un bellissimo mondo di fantasia in cui a prevalere sono le belle emozioni, la leggerezza e la piacevolezza del vivere.

In Sea of flowers, opera che mostra molti elementi Art Déco, Petra Mörth mette di nuovo al centro la figura femminile, intesa come emanatrice di buoni sentimenti e di positività, ma in questo caso le infonde un aspetto retrò attraverso il costume da bagno decisamente simile a quelli indossati negli anni Settanta del Novecento, quasi a sottolineare un periodo storico in cui tutto sembrava essere più facile, dove la fiducia verso il futuro e l’allegria prevalevano rispetto a una fase contemporanea decisamente più piena di incertezze e di destabilizzazioni; dunque lo sguardo dell’autrice è nostalgico e il tuffo all’interno di un mondo soffice e magico fatto di fiori grandi e profumati ne sottolinea l’attitudine a desiderare di effettuare un balzo indietro nel tempo per comprendere meglio l’incanto di quegli anni.

Petra Mörth ha iniziato il suo percorso pittorico quattro anni fa ma ha già all’attivo tre mostre personali in Austria e la partecipazione a quattro mostre collettive in Italia – Venezia, Firenze, Milano e Montecosaro, dove ha ricevuto un importante riconoscimento -.

PETRA MÖRTH-CONTATTI

Email: petra.moerth01@gmail.com

Sito web: www.fineart-petramoerth.at/about

Facebook: www.facebook.com/petra.morth.129

Instagram: www.instagram.com/fineart_petramoerth/

The floral dreams by Petra Mörth, between travel memories and retro atmospheres in a light and lively Art Nouveau

Very often the present, with all its complications and facets that are at times all too existential and individualistic, induces some creatives, those for whom life needs to be savoured with a carefree touch and an orientation towards beauty, to seek an expressiveness akin to their inclination, to the point of view with which they need to approach life and art; this feeling of escapism from a reality that is often excessively pragmatic or, on the contrary, too conceptual, induces this type of artist to seek contact with beauty, with the pleasantness of living and with a representation that in some way can generate a dimension through which to draw the observer into an imaginary world that constitutes a bridge with a past that is apparently distant and yet incredibly close from the point of view of pictorial meaning. Today’s protagonist shows exactly this kind of attitude, this desire to see the positive side of life through a return to the purity of nature, but also by retracing the memories and colours captured during her many travels.

The Industrial Revolution and the whole race towards mechanisation and automation of production processes that followed, marked a real push towards rebellion by a large group of artists who did not want to adapt to the reproduction of images, as photography was also beginning to dominate due to its low cost compared to a painting, just as artisans could not accept that their handworks could be put on the back burner compared to a greater speed of production in which machines were certainly unattainable; so in late 19th century England, William Morris had the idea of creating a type of art that would encapsulate a representation of reality that could not be captured by any machine and at the same time introduce craft skills by extending the guidelines of the movement to other fields of application such as furniture and object decoration, glass, wood inlay. Arts and Crafts had as a prerequisite the softness of forms, the introduction of floral and sinuous details and a few years after its birth this concept spread throughout continental Europe taking on different connotations, and different names, depending on the country of origin of the artists who adhered to it.

Art Nouveau focused on the stylisation of nature mixed with muse-like female figures or marvellous woodland fairies enveloped in flowers and leaves, as evidenced by the unforgettable paintings of the Czech Alfons Mucha, the marvellous architecture of the Belgian Victor Horta who tried his hand at decorating the glass, iron and wood of Brussels palaces, and the jewellery and crystal of René Lalique. In Vienna, on the other hand, the nerve centre of art in that particular historical period, the movement took the name Vienna Secession and had as its greatest exponent Gustav Klimt, who interpreted the guidelines by mixing a traditional pictorial line in the portraits at the centre of the canvases, wrapping them in gold leaf and stylised flowers, instilling a feeling of unattainable evanescence. In Italy, the current oriented towards the beauty and pleasantness of living was called Stile Liberty and had in Galileo Chini one of its greatest exponents, who emphasised the stylisation of the figures of women and nature, highlighting the dreamy unreality of the atmospheres portrayed; Spanish Modernism flourished particularly in the architecture of Antoni Gaudí while Germany was represented in its Jugendstil by Hans Christiansen.

The Austrian artist Petra Mörth literally immerses herself in the world of nature, stylising it on the basis of her personal feelings and thus entering by right into the modern Art Nouveau style, where what clearly emerges is the need to distance from the complexities of modern living in order to enter an ideal dimension from which to learn all the positive that is generated by lightness, by the ability to appreciate every single moment experienced and by a nature that becomes the protagonist, binding itself to the sensations and emotions perceived by the author. From an expressive point of view, in some works it is the visual unreality that prevails, the superimposition of highly stylised elements that generate veils from which emerge the full tones of the plants below the pointillist or geometric grids that Petra Mörth inserts in the compositions; to others, on the other hand, belong more dreamy atmospheres where marvellous exotic animals are immersed in a nature coloured according to the artist’s mnemonic sensation, almost as if she were letting leak from her emotional treasure chest what she felt when her gaze rested on the scene depicted, adapting the tones to her expressive imagination. Then there are the canvases where the co-protagonists are women distinguished by their retro appearance and clothing, immersed in completely unreal landscapes as if they belonged to the world of dreams rather than reality; un this series of artworks, the softness of the flora is often flanked by the amusing rigour of the geometricity of certain details, thus fading towards Art Deco, to play down the dreamy feeling and introduce the concept of lightness functional to smiling at life and at oneself, almost as if for Petra Mörth that was the real key to a pleasant and soothing existence in spite of everything that goes on around and which in most cases can generate shadows and anxieties. It was in fact the moment of the pandemic that triggered in her the need to measure herself with visual art, so her approach was from the outset to seek a way out of confinement and the impossibility of maintaining social relationships, finding in nature, in the beauty of simplicity, and in the memories of her many travels the key to overcoming that destabilising moment.

The artwork Les Belles is perhaps the closest to the Jugendstil that in fact formed the basis of Expressionism, and although the woman’s appearance is strongly contemporary, the peacock next to her is one of the most characteristic elements of the painting style that dominated during the Belle Epoque period, and constitutes in this work the only link with nature, with the representation of that world that makes her feel so in touch with herself. The woman probably belongs to the memory of one of the author’s journeys, and so the memory of reality is mixed with the fantasy of emphasising her beauty by placing one of the most beautiful animals known to the human eye next to her, ironically and wittily comparing the attitude of both of them to show themselves at their best. In Strawberry field, on the other hand, the scene is completely dedicated to the leaves under which the strawberries hide, almost as if for Petra Mörth the most magical moment was observing and searching for the delicious fruit, rather than picking it; and perhaps the latticework of white dots that softens the black and red of the leaves and their succulent produce, is meant to represent exactly that desire to leave that beauty intact, as if she wanted to somehow protect everything through that delicate veil that connects with her sensitivity. It seems like a metaphor for life in this canvas, an underlining of how sometimes it is better to dwell on what is seen while waiting for the right moment to grab it, rather than frantically grabbing every opportunity without even wondering if one really wants it.

The painting My jungle resort tells of a beautiful tropical landscape in which the colours are completely decontextualised, almost as if they belonged to a middle ground between dream and reality, almost as if the geometric elements of the lower part of the canvas constituted the solid base from which to rise in order to paint a more beautiful world; the toucan is perfectly at ease in that universe of plants and flowers, heedless of whether it belongs to a vision or to a real environment what counts for him is to live serenely. Here too, stylisation helps to instil the feeling that everything comes out of a beautiful fantasy world in which beautiful emotions, lightness and the pleasantness of living prevail. In Sea of flowers, a painting that displays many Art Deco elements, Petra Mörth once again places at the center the female figure, understood as the emanator of good feelings and positivity, but in this case she infuses it with a retro look through the swimming costume that is decidedly similar to those worn in the 1970s, almost as if to emphasise a historical period in which everything seemed to be easier, where confidence in the future and cheerfulness prevailed over a contemporary phase that is decidedly more full of uncertainties and destabilisation; therefore, the author’s gaze is nostalgic and the plunge into a soft and magical world made of large, fragrant flowers underlines her attitude of wanting to take a leap back in time to better understand the enchantment of those years. Petra Mörth started her painting career four years ago but already has three solo exhibitions in Austria and participation in four group exhibitions in Italy – Venice, Florence, Milan and Montecosaro, where she received an important award – to her credit.