Molto spesso un unico linguaggio espressivo non è sufficiente a permettere all’universo creativo di un artista di fuoriuscire in maniera completa e appagante, perché limitandosi arginerebbe quell’interezza narrativa che segna l’unicità, la personalizzazione di uno stile identificabile con l’autore; nella contemporaneità dunque l’evoluzione dei linguaggi stilistici del secolo scorso conduce verso una sinergia, una mescolanza affascinante e aperta all’interazione con ulteriori mezzi di comunicazione e con altre forme d’arte che si vanno a fondere dando vita a una stratificazione espressiva ammaliante proprio per l’originalità che contraddistingue questo tipo di approccio. L’artista di cui vi racconterò oggi mostra una forte attitudine alla sperimentazione, alla necessità di andare oltre gli schemi predeterminati per creare una cifra stilistica in cui la non forma aleggia e volteggia sopra scenari irreali in cui di quando in quando inserisce dettagli di realtà.
Il Novecento, in particolar modo la prima metà del secolo, è stato un periodo vivace ed eclettico dove tutte le certezze artistiche furono completamente disgregate da nuovi venti espressivi, da avanguardie per le quali tutte le regole ritenute fondamentali e irrinunciabili fino a poco prima non avevano più senso rispetto alle ricerche e alla necessità di generare trasformazioni che dovevano essere al passo con il cambiamento dei tempi. A rompere completamente lo schema espressivo fu l’Arte Astratta di Vassily Kandinsky che teorizzò un assoluto allontanamento dalla riproduzione del reale per entrare nella dimensione delle forme che si muovono sulla tela al ritmo dei pensieri e delle emozioni dell’autore; poco dopo tuttavia, le linee guida più radicali degli esponenti del De Stijl, del Suprematismo, dell’Astrattismo Geometrico distaccarono il gesto plastico da qualsiasi soggettivismo tendendo verso un’indipendenza del bello artistico che fosse affrancato dalla riproduzione del mondo reale così come dall’universo interiore dell’autore.
Se dunque da un lato l’Arte Astratta volle completamente estraniarsi dal contesto della realtà dell’epoca, in cui la prima guerra mondiale indusse molti artisti a rifiutare di rappresentare un mondo in cui la devastazione e la sofferenza dominavano, dall’altro vi fu invece il Surrealismo che mise in luce esattamente gli incubi più profondi lasciando emergere, attraverso una pittura fortemente figurativa quanto decontestualizzata, quelle inquietudini e il dolore che si stratificavano nell’interiorità emergendo nella dimensione onirica; le atmosfere post-apocalittiche di Salvador Dalì e di Yves Tanguy, dove i mostri della coscienza popolavano le tele eversive e destabilizzanti, si affiancavano a quelle più mentali e meditative di René Magritte e di Paul Delvaux in cui il turbamento emergeva da un’apparenza ordinaria poi modificata attraverso dettagli irreali e allarmanti che raggiungevano la consapevolezza solo a seguito di un esame più approfondito.
Poco dopo, e con il proseguire del secolo e delle guerre, cominciò a emergere la necessità di inserire anche nell’Arte Astratta il medesimo approccio emozionale e interiore, rifiutato dai movimenti astratti dei primi del Novecento, dando vita così all’Espressionismo Astratto, un movimento che doveva osservare solo due punti fondamentali: la totale libertà rappresentativa e l’emozione, la quale doveva dominare le opere. Nella risposta europea al nuovo movimento, maestri come Alberto Burri, Antoni Tapìes, Jean Fautrier, introdussero nelle loro tele la materia per enfatizzare la concretezza e la forza delle sensazioni ma anche per permettere all’arte, ancora una volta di evolversi.
L’artista Stanislav Riha, di origine ceca ma da quaranta anni residente a Vancouver, in Canada, mostra caratteristiche appartenenti ai movimenti finora esaminati e le supera dando vita a un Surrealismo Astratto in cui mantiene un’autonomia realizzativa in virtù della quale dà un nuovo senso all’introduzione impercettibile della materia, come ritagli di carta, all’interno di scenari pressoché indefiniti, in altri casi invece con una figurazione evanescente, lasciando predominare una non forma che contribuisce a infondere la sensazione di silenziosa emozionalità, quasi le pennellate sinuose stessero a indicare il passaggio del tempo, degli eventi, delle circostanze a dispetto dell’apparente immobilità della vita quotidiana.
I ritagli di stoffa e di carta, si innescano nella composizione finale quasi a costituire un elemento di disturbo al fluire delle cose, mentre in altri casi invece contribuiscono a generare un punto fermo, un ostacolo al correre arioso dell’energia evocata attraverso larghi nastri di colore, ondulati e curvilinei, che spiccano dagli sfondi nebulosi, stratificati e appartenenti al mondo dell’indefinitezza.
Lo sguardo si perde dentro l’irrealtà costituita dai contrasti cromatici, poi nota dettagli riconoscibili e così tende a cercare ulteriori riferimenti che non trova, così si focalizza su quelle strisce fluttuanti che sembrano spiegare tutto pur non dando risposte bensì assecondando ed enfatizzando la casualità di ciò che appartiene al vivere attuale, come se il controllo che l’essere umano è convinto di avere fosse sovvertito dall’impatto emozionale delle opere spontanee di Stanislav Riha. La gamma cromatica si modifica sulla base della sensazione che egli desidera imprimere, dunque la maggiore leggerezza e impalpabilità che si lega al mondo dell’ascolto, dell’immaginazione o dell’ariosità del senso di libertà, si affianca alle tonalità intense del ricordo, dei misteri della vita e della magia che avvolge l’esistenza e la natura.
L’opera Lavander field è quella dove più prevale la componente astrattista perché tutto è affidato al ricordo, alla memoria delle distese di lavanda osservate forse durante un viaggio e che hanno toccato le corde interiori dell’artista fino al punto di conservare dentro di sé la sensazione provata quando il suo sguardo si è perso nella delicatezza magica del colore violetto, tralasciando il dettaglio e assorbendo la piacevolezza armonica del paesaggio. Dunque, nel momento in cui ha avvertito l’esigenza di mettere su tela quel sentire emozionale si è completamente lasciato andare all’indefinitezza, alla libertà di lasciar scorrere la percezione ricevuta dalla totalità di un paesaggio che si è fissato nel suo scrigno interiore; la tonalità dominante nella parte bassa del quadro è dunque il violetto, sovrastato dall’evocazione di un cielo rosso, forse perché osservato al tramonto o forse semplicemente per sottolineare la passionalità dell’emozione. Il nastro del fluire invece è rappresentato in un delicato colore celeste, quello del pensiero, dell’immaginazione, del ricordo.
Listener invece presenta elementi di collage perfettamente incastonato nella composizione quasi a costituire una rete di echi di rimbalzo delle voci che si diffondono in quell’atmosfera chiara e leggera, molto simile a un corridoio etereo dove tutto può ricevere un’attenzione molto più focalizzata sul senso profondo, sulle parole non dette, come se tutto fosse affidato al sentire intimo. Il dialogo, o la mancanza di esso, è uno dei temi contemporanei che spingono Stanislav Riha a riflettere e a meditare su quanto la società attuale manchi di quell’apertura empatica tipica invece dei tempi passati; la tecnologia e l’isolamento generato dall’attitudine a nascondersi dietro lo schermo di un computer inducono l’uomo moderno a essere incapace di ascoltare se non se stesso e dunque questa tela rappresenta un suggerimento e un’esortazione a recuperare un canale comunicativo in una dimensione morbida e avvolgente, come sottolineato dalla circolarità e sinuosità dei suoi nastri pittorici che sembrano correre da un punto all’altro senza interruzione e interferenze.
In Runaway emerge una maggiore figurazione, lo stile si avvicina quasi a un Futurismo rivisitato e attenuato dagli eccessi, perché l’evocazione stilizzata e sfuggente della moto suscita nell’osservatore il senso del movimento, di quell’esigenza di fuggire da una situazione immobile in cui l’individuo si sente in trappola e che gli impedisce di sentirsi libero di rivelare la sua natura più autentica. Dunque l’istinto, rappresentano dai gatti che sembrano fuoriuscire dalla ruota sotto forma di essenza, induce a liberarsi dall’apparente catena costituita dalla riga spessa in marrone e dal muretto in grigio sullo sfondo, elementi materici che sottolineano la rigidità della condizione da cui l’anima necessita di affrancarsi. Qui la gamma cromatica del nastro emozionale è sui toni del rosso, quasi a voler rappresentare la determinazione necessaria ad abbandonare le false certezze precedenti e spingersi verso un ignoto spesso migliore.
E infine in Whale la figurazione appare più evidente, così come lo scenario circostante, un luogo sospeso nello spazio e nel tempo frutto dell’immaginazione dell’autore e funzionale a mettere in evidenza la pura bellezza di un ricordo indefinito, come esprime l’inconsistenza del corpo della balena, che non sembra affatto minacciare l’imbarcazione vicina, piuttosto ne accetta la presenza con la tipica generosità del mondo animale.
Stanislav Riha, pittore e scultore, ha al suo attivo la partecipazione a mostre e premi di pittura in Canada e all’estero – Italia, Stati Uniti, Giappone, Austria, Spagna, Portogallo, Repubblica Ceca – ricevendo premi e riconoscimenti, e le sue opere sono pubblicate in importanti riviste e cataloghi di tutto il mondo.
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Alchemy, emotion and narrative in the Abstract Surrealism by Stanislav Riha, letting the undefined open windows onto the visible
Very often, a single expressive language is not sufficient to allow an artist’s creative universe to emerge in a complete and satisfying manner, because limiting it would curb that narrative wholeness that marks the uniqueness, the personalisation of a style indentifiable with the author; in contemporary art, therefore, the evolution of the stylistic languages of the last century leads towards a synergy, a fascinating mixture that is open to interaction with other media and other art forms that merge, giving rise to an expressive stratification that is captivating precisely because of the originality that distinguishes this type of approach. The artist I am going to tell you about today demonstrates a strong aptitude for experimentation, for the need to go beyond predetermined schemes to create a stylistic cipher in which non-form hovers and twirls above unreal scenarios in which he occasionally inserts details of reality.
The 20th century, especially the first half of the century, was a lively and eclectic period in which all artistic certainties were completely disrupted by new expressive winds, by avant-gardes for whom all the rules considered fundamental and inalienable until recently no longer made sense compared to the research and the need to generate transformations that had to keep pace with the changing times. What completely broke the pattern of expression was the Abstract Art of Vassily Kandinsky, who theorised an absolute departure from the reproduction of reality to enter the dimension of forms that move on the canvas to the rhythm of the author’s thoughts and emotions; shortly afterwards, however, the more radical guidelines of the exponents of De Stijl, Suprematism and Geometric Abstractionism detached the plastic gesture from any subjectivism, tending towards an independence of artistic beauty that would be freed from the reproduction of the real world as well as from the inner universe of the author. Thus, if on the one hand Abstract Art wanted to completely remove itself from the context of the reality of the time, in which the First World War induced many artists to refuse to represent a world in which devastation and suffering dominated, on the other hand there was Surrealism, which brought to light exactly the deepest nightmares, letting those anxieties and pain emerge through a strongly figurative yet decontextualised painting, stratified in the interiority emerging in the dream dimension; the post-apocalyptic atmospheres of Salvador Dali and Yves Tanguy, where monsters of conscience populated subversive and destabilising canvases, were juxtaposed with the more mental and meditative ones of René Magritte and Paul Delvaux in which disturbance emerged from an ordinary appearance then modified through unreal and alarming details that only reached awareness upon closer examination.
Shortly afterwards, and as the century and the wars went on, began to emerge the need to incorporate the same emotional and interior approach, rejected by the movements of the early 20th century, into Abstract Art as well, thus giving rise to Abstract Expressionism, a movement that had to observe only two fundamental points: total representational freedom and emotion, which was to dominate the artworks. In the European response to the new movement, masters such as Alberto Burri, Antoni Tapìes and Jean Fautrier introduced matter into their canvases to emphasise the concreteness and strength of sensations but also to allow art to evolve once again. The artist Stanislav Riha, of Czech origin but resident in Vancouver, Canada, for the past forty years, shows characteristics belonging to the movements examined so far and goes beyond them to create an Abstract Surrealism in which he maintains a realisational autonomy by virtue of which he gives new meaning to the imperceptible introduction of matter, such as scraps of paper, within almost indefinite scenarios, in other cases instead with an evanescent figuration, letting a non-form predominate that contributes to instilling the sensation of silent emotionality, almost as if the sinuous brushstrokes were indicating the passage of time, events and circumstances in spite of the apparent immobility of everyday life.
The scraps of fabric and paper, are triggered in the final composition almost as if to constitute an element of disturbance to the flow of things, while in other cases they contribute to generating a still point, an obstacle to the airy flow of energy evoked through broad ribbons of colour, undulating and curvilinear, which stand out from the hazy, layered backgrounds belonging to the world of indefiniteness. The gaze loses itself in the unreality constituted by the colour contrasts, then notices recognisable details and so tends to look for further references that it does not find, so it focuses on those fluctuating stripes that seem to explain everything although they do not give answers but rather pander to and emphasise the randomness of what belongs to present-day living, as if the control that human beings are convinced they have is subverted by the emotional impact of Stanislav Riha‘s spontaneous works. The chromatic range changes according to the sensation he wishes to imprint, so the greater lightness and intangibility that is linked to the world of listening, imagination or the airiness of the sense of freedom, is juxtaposed with the intense tones of memory, the mysteries of life and the magic that envelops existence and nature. The painting Lavander field is the one where the abstractionist component prevails the most because everything is entrusted to memory, to the remembering of the lavender expanses observed perhaps during a trip and which touched the artist’s inner chords to the point of preserving within himself the sensation he felt when his gaze was lost in the magical delicacy of the violet colour, leaving out the detail and absorbing the harmonious pleasantness of the landscape.
So, the moment he felt the need to put that emotional feeling on canvas, he completely let himself go to indefiniteness, to the freedom of letting flow the perception he received from the totality of a landscape that was fixed in his inner treasure chest. The dominant tone in the lower part of the painting is therefore violet, overlapped by the evocation of a red sky, perhaps because observed at sunset or perhaps simply to emphasise the passion of the emotion. The flowing ribbon, on the other hand, is represented in a delicate sky-blue colour, that of thought, imagination, memory. Listener, on the other hand, presents elements of collage perfectly embedded in the composition almost as if to constitute a network of echoes of the bouncing voices that spread in that clear and light atmosphere, very similar to an ethereal corridor where everything can receive much more focused attention on the deep meaning, on the unspoken words, as if everything were entrusted to intimate feeling.
Dialogue, or the lack of it, is one of the contemporary themes that lead Stanislav Riha to reflect and meditate on how much today’s society lacks the empathic openness typical of times past; technology and the isolation generated by the attitude of hiding behind a computer screen lead modern man to be incapable of listening except to himself, and so this canvas represents a suggestion and an exhortation to recover a channel of communication in a soft and enveloping dimension, as underlined by the circularity and sinuosity of his pictorial ribbons that seem to run from one point to another without interruption or interference. In Runaway emerges a greater figuration, the style almost approaching a Futurism revisited and toned down by its excesses, because the stylised and elusive evocation of the motorbike arouses in the observer the sense of movement, of that need to escape from a motionless situation in which the individual feels trapped and that prevents him from feeling free to reveal his most authentic nature.
Thus instinct, represented by the cats that seem to emerge from the wheel in the form of essence, induces one to break free from the apparent chain constituted by the thick stripe in brown and the small wall in grey in the background, material elements that underline the rigidity of the condition from which the soul needs to free itself. Here the chromatic range of the emotional ribbon is in shades of red, as if to represent the determination needed to abandon previous false certainties and push on towards an often better unknown. And finally in Whale, the figuration appears more evident, as does the surrounding scenery, a place suspended in space and time, fruit of the author’s imagination and functional in highlighting the pure beauty of an indefinite memory, as expressed by the insubstantiality of the whale’s body, which does not seem to threaten the neighbouring vessel at all, but rather accepts its presence with the typical generosity of the animal world. Stanislav Riha, a painter and sculptor, has participated in painting exhibitions and awards in Canada and abroad – Italy, USA, Japan, Austria, Spain, Portugal, Czech Republic – receiving prizes and awards, and his artworks are published in major magazines and catalogues worldwide.
