Il mondo della vivacità cromatica appartiene a quelle personalità artistiche esuberanti e positive perché all’interno dei toni pieni e irreali riescono a realizzare un’essenza troppo spesso spenta o messa in silenzio da una realtà contingente in cui si sentono limitati e inadeguati, o che semplicemente non è conforme alla loro natura né al loro punto di vista sull’esistenza. A questo approccio pittorico hanno appartenuto nel corso della storia dell’arte autori che hanno optato per uno stile privo di forma e altri per cui invece l’immagine visibile era al centro della loro ricerca cromatica; in tutti i casi il risultato ha sempre avvolto e trasportato l’osservatore in una dimensione divertente e vivace dentro la quale trovare l’entusiasmo fanciullesco perduto dall’adulto. L’artista di cui vi racconterò oggi è autrice di un linguaggio pittorico singolare e contraddistinto appunto dalla vitalità espressiva di chi ha bisogno di lasciare fuoriuscire i propri veri colori per perdersi in un universo creativo privo di forma ma denso di tonalità esuberanti e allegre.
Nel corso del Novecento, in particolar modo durante i primi decenni, esplosero letteralmente stili artistici anticonformisti dove tutte le regole precedenti furono sovvertite e superate da un vento di modernità più affine ai cambiamenti che si stavano generando nella società europea; dal punto di vista dell’utilizzo dei colori furono i Favues francesi a generare la più netta rottura con i princìpi accademici lasciando che fosse l’intensità cromatica a dominare sulla tela. Tra loro Henri Matisse fu forse quello che ebbe una maggiore evoluzione anche dal punto di vista formale poiché dal forte legame con la realtà osservata del periodo giovanile, seppure interpretata secondo la propria emozionalità, passò a un crescente allontanamento da essa fino a tendere verso un’astrazione in cui però i colori continuavano a essere predominanti.
Anche il Cubismo Orfico modificò l’approccio già rivoluzionario del Cubismo introducendo tonalità intense e piene e tendendo di fatto verso un Astrattismo dinamico e coinvolgente. Questi movimenti costituirono la base ispirativa per ciò che venne dopo, oltrepassati gli anni bui delle guerre mondiali, e che seppero evolvere e ampliare il significato profondo del senso visivo del colore rendendolo protagonista delle loro tele; tra gli esponenti dell’Astrattismo fu Carla Accardi ad adottare tonalità piatte e vivaci per sottolineare la sinuosità delle sue forme-non-forme che costiuirono il suo universo pittorico; contestualmente la nuova società degli anni Cinquanta del Novecento vide però anche esplodere un fenomeno artistico che si imponeva di parlare un linguaggio esplicito e comprensibile per la nuova società borghese che non aveva la formazione culturale necessaria a comprendere l’arte più intellettuale, tuttavia aveva il potere di acquisto per potersi permettere di avere in casa delle opere d’arte, e così la Pop Art si pose come anello di congiunzione che potesse colmare questo divario, scegliendo soggetti popolari come i fumetti, i supereroi, i miti del cinema che potessero divenire appetibili dal grande pubblico. Fu Keith Haring a trovare una chiave di lettura originale alla tematica pop, attraverso uno stile originale dove gli omini tutti collegati tra loro e intricati, costituivano una moltitudine riconducibile all’Astrattismo di Carla Accardi o del tardo Henri Matisse, ma in cui ciò che conquistava era appunto la semplicità rappresentativa e la vivacità cromatica. Nell’era più contemporanea la NeoPop, stile nel quale le generazioni di artisti attuali reinterpretano adattandole al loro intento pittorico alcune tra le linee guida del movimento originario del Novecento, le scelte delle tonalità strizzano l’occhio a volte a quelle dei nuovi fumetti oppure semplicemente immaginano una dimensione divertente e piena di vita attraverso la quale astrarsi dalla realtà, come nel caso delle citazioni manga di Takashi Murakami e delle stilizzazioni di Romero Britto. L’artista tedesca Simone Hardt percorre la strada della vitalità cromatica, perché è la più corrispondente alla sua essenza interiore, infondendo alle sue tele un aspetto Pop pur tuttavia avvicinandosi al mondo dell’Astrattismo, quasi ingannando lo sguardo che si illude di trovarsi di fronte a forme riconoscibili per poi realizzare di essere all’interno di un mondo indefinito e impulsivo perché è esattamente questo l’approccio alla tela dell’autrice.
L’intento creativo presenta poi una caratteristica singolare che permette ai suoi dipinti di non avere un verso, bensì possono essere girati in tutti e quattro i lati poiché preferisce, essendo il suo tocco pittorico completamente istintivo, lasciare all’osservatore una libertà interpretativa attraverso cui adeguare l’opera al suo sentire, al suo gusto ed equilibrio estetico, ruotandola finché non trova la perfetta connessione con la propria essenza.
Ed è esattamente l’interiorità di Simone Hardt che domina ogni lavoro, quella capacità di mostrare la gioia percepita nell’atto del dipingere e che si traduce stilisticamente in un mondo fatto di linee nette e definite, di figure morfologicamente non riconducibili a qualcosa di conosciuto, a volte più geometriche altre invece più sinuose che illustrano gli stati d’animo e i temi che l’autrice desidera esprimere. Lo sguardo si perde andando a cercare un riferimento, ingannato dall’aspetto grafico e Pop delle tonalità, ma poi si arrende constatando che tutto ciò che deve fare è immergersi nei forti contrasti dei colori lasciandosi semplicemente conquistare da quella intensa vitalità espressiva.
L’opera Metamorphose appartiene al lato più razionale di Simone Hardt, quella chiarezza logica che consente di comprendere l’alternanza tra positivo e negativo, tra luce e ombra, tra ciò che è possibile prevedere e ciò che invece accade improvvisamente senza potersi preparare al suo sopraggiungere; quello è il momento in cui è necessario compiere il cambiamento di cui parla il titolo, e che segue la presa d’atto della necessità di adeguarsi alla situazione, di lavorare proprio su quel lato ombra che impedisce all’interiorità di osservare la luce soffermandosi sull’oscurità. In qualche modo quella dell’artista è una sollecitazione a evolvere e a prendere coscienza che ogni cosa, nella vita e nella natura, ha bisogno di modificarsi e di adattarsi alle circostanze ed è possibile farlo comprendendo la necessità dell’alternanza delle due forze a volte opposte, simbolo in fondo della lotta spirituale tra bene e male che non è altro che l’essenza stessa dell’esistenza.
In Monkey business, con l’ironia e lo spirito irriverente che la contraddistingue, l’artista sottolinea la tendenza attuale alla prevaricazione, all’inseguimento del profitto a ogni costo a discapito di altre persone che potrebbero esserne danneggiate, all’attitudine a dare priorità ai beni materiali piuttosto che a quelli spirituali; d’altro canto però il termine che dà il titolo alla tela ha un’accezione più leggera, più fanciullesca perché può anche riferirsi allo scherno, alla ragazzata che genera un rimprovero bonario, ecco dunque il motivo dell’aspetto allegro e in fondo divertente della tela. Andando più a fondo nel significato, Simone Hardt sembra invitare l’osservatore a guardarsi dentro e a comprendere quanto la società attuale sia costituita da eterni bambini che danno rilevanza alle questioni superficiali e che, contrariamente a quanto dovrebbero fare, ammirano coloro i quali hanno raggiunto i propri obiettivi a qualsiasi costo anziché porsi in maniera più analitica dando maggiore rilevanza a valori ormai perduti nella società capitalista ed egoica a cui si appartiene, che permetterebbe di vedere più chiaramente le mancanze di molte persone, il loro atteggiamento irrispettoso e immaturo da un punto di vista più spirituale.
In Once upon a Life Time fuoriescono delle lievi evocazioni di figure immaginarie che vanno a costituire l’essenza della fiaba, quei personaggi da Simone Hardt appena accennati e che sembrano danzare sulla tela, quasi la narrazione fosse in costante movimento esattamente come avviene nei momenti del racconto; le tonalità non sono quelle più riconducibili alla dimensione fantastica, piuttosto si legano a una raffigurazione fumettistica, dove i colori sono vitali e intensi e collegabili alla sfera del sogno e della tranquillità, con l’azzurro, della speranza e dell’ottimismo sottolineati dalla presenza del giallo, e infine all’energia e la passione, intesa nel senso più esteso del termine, in virtù del colore rosso. La fiaba è dunque ironicamente quella della vita reale di ciascuno, della sua essenza più profonda che inizia con la nascita e finisce con la dipartita, mentre nel mezzo c’è tutto ciò che la compone nella sua essenza; le sensazioni sono generate dagli accostamenti suggerendo che abbandonandosi all’istinto tutto ciò che dovrebbe essere ragionato perdesse la sua importanza e a predominare dovessero essere solo e unicamente le emozioni spontanee.
Current flow mostra al contrario tonalità molto più delicate, leggere, sottolineando quel fluire di tutto ciò che appartiene alla vita e che determina l’inafferrabilità fondamentale a capire che tutto ha una fine e poi un nuovo inizio; la corrente di cui l’artista parla è quella del pantha rei eracliteo dove non è possibile trattenere l’istante perché un attimo dopo esso è già diverso. Dunque l’esortazione è quella di non resistere a quell’inevitabile, non aggrapparsi a certezze che potrebbero essere solo limiti al naturale progredire della vita, bensì imparare ad apprezzare le circostanze che si susseguono con positività e apertura sorridente nella consapevolezza che saranno sempre funzionali all’evoluzione personale.
Simone Hardt, artista fin da bambina, ha rinunciato a lungo alla sua creatività a causa di scelte sentimentali e professionali, riprendendo a dipingere negli ultimi anni dando finalmente sfogo a tutta quell’indole creativa a lungo tenuta in silenzio.
SIMONE HARDT-CONTATTI
Email: simone.luise.hardt@gmail.com
Sito web: www.artmajeur.com/simone-hardt
Facebook: www.facebook.com/people/Simone-Hardt/100082714849192/
Linkedin: www.linkedin.com/in/simone-hardt-03a13184/
Instagram: www.instagram.com/simone.luise.hardt/
Between Abstractionism and NeoPop the lively multidirectional artworks by Simone Hardt
The world of colourful vivacity belongs to those artistic personalities who are exuberant and positive because within the full and unreal tones they manage to realise an essence that is too often dulled or silenced by a contingent reality in which they feel limited and inadequate, or that simply does not conform to their nature or their view of existence. To this pictorial approach have belonged throughout the history of art authors who have opted for a style devoid of form and others for whom instead the visible image was at the centre of their chromatic research; in all cases the result has always enveloped and transported the observer into an amusing and lively dimension within which to find the childlike enthusiasm lost by adults. The artist I am going to tell you about today is the author of a singular pictorial language characterised precisely by the expressive vitality of those who need to let their true colours flow out in order to lose themselves in a creative universe devoid of form but dense with exuberant and cheerful tones.
During the 20th century, especially the first decades, literally exploded non-conformist artistic styles in which all previous rules were subverted and surpassed by a wind of modernity more akin to the changes that were being generated in European society. From the point of view of the use of colours, it was the French Favues who generated the clearest break with academic principles, letting chromatic intensity dominate the canvas. Among them, Henri Matisse was perhaps the one who also evolved the most from a formal point of view, as he moved from the strong connection with observed reality of his youth, albeit interpreted according to his own emotionality, to an increasing distancing from it until he tended towards abstraction in which colours continued to predominate. Orphic Cubism also modified the already revolutionary approach of Cubism by introducing intense, full tones and tending towards a dynamic and engaging Abstractionism.
These movements constituted the inspirational basis for what came later, after the dark years of the world wars, and who were able to evolve and expand the profound meaning of the visual sense of colour by making it the protagonist of their canvases; among the exponents of Abstractionism was Carla Accardi who adopted flat and vivid tones to emphasise the sinuosity of her non-formal forms that constituted her pictorial universe; however, at the same time, the new society of the 1950s also saw the explosion of an artistic phenomenon that had to speak an explicit and comprehensible language for the new bourgeois society that did not have the cultural education necessary to understand the most intellectual art, but nevertheless had the purchasing power to be able to afford to have works of art in their homes, and so Pop Art set itself up as a link that could bridge this gap, choosing popular subjects such as comic strips, superheroes, and film myths that could become appealing to the general public.. It was Keith Haring who found an original key to the pop theme, through an original style in which the little men, all interconnected and intricate, constituted a multitude that could be traced back to the Abstractionism of Carla Accardi or the late Henri Matisse, but in which what conquered was precisely the representative simplicity and chromatic vivacity.
In the more contemporary era of NeoPop, style in which today’s generations of artists reinterpret and adapt some of the guidelines of the original 20th century movement to their pictorial intentions, the tonal choices sometimes wink at those of the new comic strips or simply imagine a fun and full of life dimension through which to abstract themselves from reality, as in the case of Takashi Murakami‘s manga citations and Romero Britto‘s stylisations. German artist Simone Hardt follows the path of chromatic vitality, because it is the one that best corresponds to her inner essence, infusing her canvases with a Pop look while nevertheless approaching the world of Abstractionism, almost deceiving the eye that is deluded into thinking it is in front of recognisable forms only to realise it is inside an undefined and impulsive world, because this is exactly the author’s approach to the canvas. Her creative intent then presents a singular characteristic that allows her paintings not to have a direction, but rather they can be turned on all four sides because she prefers, as her pictorial touch is completely instinctive, to leave the observer a freedom of interpretation through which to adapt the artwork to his own feeling, taste and aesthetic balance, turning it until he finds the perfect connection with his own essence. And it is exactly Simone Hardt‘s interiority that dominates each work, that ability to show the joy perceived in the act of painting and that is stylistically translated into a world made up of sharp and defined lines, of figures morphologically not referable to something known, sometimes more geometric other times more sinuous that illustrate the moods and themes that the author wishes to express.
The eye gets lost going in search of a reference, deceived by the graphic and Pop aspect of the hues, but then surrenders noticing that all it has to do is to immerse in the strong contrasts of the colors by simply allowing itself to be conquered by that intense expressive vitality. The painting Metamorphose belongs to Simone Hardt‘s more rational side, that logical clarity that allows to understand the alternation between positive and negative, between light and shadow, between what is possible to foresee and what instead happens suddenly without being able to prepare for its coming; that is the moment when it is necessary to make the change of which the title speaks, and that follows the realization of the need to adapt to the situation, to work precisely on that shadow side that prevents the interiority from observing the light by dwelling on the darkness. In a way, the artist’s is a solicitation to evolve and to become aware that everything in life and in nature needs to change and adapt to circumstances and it is possible to do so by understanding the necessity of the alternation of the two sometimes opposing forces, symbolizing at bottom the spiritual struggle between good and evil that is nothing but the very essence of existence.
In Monkey business, with her trademark irony and irreverent spirit, the artist highlights the current tendency to prevarication, the pursuit of profit at any cost at the expense of others who might be harmed by it, the attitude of prioritizing material goods over spiritual ones; on the other hand, however, the term that gives the canvas its title has a lighter, more childlike meaning because it can also refer to the mockery, to the boyishness that generates a good-natured rebuke, hence the reason for the cheerful and ultimately amusing aspect of the canvas. Going deeper into the meaning, Simone Hardt seems to invite the viewer to look within and realize how much today’s society is made up of eternal children who give relevance to superficial matters and who, contrary to what they should do, admire those who have achieved their goals at any cost instead of posing in a more analytical way by giving more relevance to values now lost in the capitalist and selfish society to which one belongs, which would allow one to see more clearly the shortcomings of many people, their disrespectful and immature attitude from a more spiritual point of view. In Once upon a life time, slight evocations of imaginary figures emerge which constitute the essence of the fairy tale, those characters barely mentioned by Simone Hardt and who seem to dance on the canvas, almost as if the narrative were in constant movement exactly as happens in the moments of the story; the shades are not those most attributable to the fantastic dimension, rather they are linked to a cartoonish representation, where the colors are vital and intense and connectable to the sphere of dreams and tranquility, with blue, of hope and optimism underlined by the presence of yellow, and finally to energy and passion, understood in the broadest sense of the term, by virtue of the color red.
The fairy tale is therefore ironically that of everyone’s real life, of their deepest essence which begins with birth and ends with death, while in the middle there is everything that makes up its essence; the sensations are generated by the combinations, suggesting that by abandoning oneself to instinct everything that should be reasoned about would lose its importance and only spontaneous emotions should predominate. Current flow, on the contrary, shows much more delicate, light tones, emphasizing that flow of everything that belongs to life and that determines the elusiveness fundamental to understanding that everything has an end and then a new beginning; the current the artist is talking about is that of the Heraclitean pantha rei where it is not possible to hold back the moment because a moment later it is already different. So the exhortation is not to resist the inevitable, not to cling to certainties that could only be limits to the natural progression of life, but rather to learn to appreciate the circumstances that follow one another with positivity and smiling openness in the knowledge that they will always be functional to personal evolution. Simone Hardt, an artist since childhood, renounced her creativity for a long time due to sentimental and professional choices, resuming painting in recent years finally giving vent to all that creative nature long kept in silence.
