Il mondo dell’arte presenta differenti sfaccettature e molti autori contemporanei hanno la possibilità di beneficiare delle aperture generate nel passato più recente in virtù delle quali si è ampliato il ventaglio di mezzi espressivi e di tecniche esecutive riconducibili alla creatività più alta precedentemente riservata alla pittura e alla scultura; uno tra questi relativamente nuovi strumenti esecutivi è la fotografia che permette nell’attualità di elaborare un linguaggio in cui la riproduzione non è più fondamentale piuttosto può divenire manifestazione di tutto ciò che appartiene all’interiorità tanto quanto può esserlo il percorso realizzativo di una tela o di una statua. La protagonista di oggi mostra uno stretto e indissolubile legame tra fotografia e capacità di scendere a fondo, andare oltre l’immagine narrata per esplorarne i confini, i semitoni più affini a un’interiorità ricca che sfugge a qualsiasi delimitazione e priva di chiarezza visiva proprio perché spesso è esattamente nell’impalpabilità che si può cogliere il significato più profondo di tutto ciò che è intorno alla vita.
Gli inizi del Novecento hanno visto l’affermarsi di una tecnologia attraverso la quale fu possibile immortalare immagini dell’osservato senza più la necessità di ricorrere a un disegno o a un dipinto; la fotografia, creata già agli inizi del Diciannovesimo secolo, ebbe sviluppi inaspettati al punto di indurre pittori e scultori ad allontanarsi dalla pura ed estetica rappresentazione della realtà per affermare quanto l’arte fosse superiore e più espressiva di qualsiasi mezzo meccanico. A partire dai primi studi di Joseph Nicéphore Niépce e di Louis Jacques Mandé Daguerre, che sperimentarono l’utilizzo della nuova tecnica prevalentemente sulla riproduzione di paesaggi, con il passare del tempo invece gli artisti che si dedicarono a questo mezzo iniziarono ad avvertire l’esigenza di introdurre la poesia, l’emozione, la creatività inducendo il mondo culturale a considerare la fotografia come vera e propria forma d’arte che potesse in qualche modo affiancare la pittura. Cominciò così a emergere un approccio diverso, nei ritratti e nelle nature morte, che induceva gli autori a interpretare la personalità dell’individuo immortalato oppure a pervadere di liricità le scene raccontate; la versatilità del nuovo mezzo stimolò così anche gli esperimenti sul movimento compiuti da Eadweard Muybridge, in cui veniva studiato il galoppo dei cavalli immortalando in sequenza diversi istanti poi posizionati consecutivamente uno di seguito all’altro, svelando gli errori compiuti dai pittori suoi coevi nella riproduzione delle scene con equini in corsa. Non solo, il suo lavoro anticipò il concetto di fotografia come struttura scenica, utilizzata frequentemente nelle ricerche degli esponenti del Surrealismo finalizzate a realizzare la loro irrealtà inquietante e morbosa con qualunque mezzo espressivo, così come il Futurismo e gli autori dell’Arte Cinetica nello studio del movimento si ispirarono proprio lui. Dunque la fotografia divenne arte e fu utilizzata anche per lasciare traccia di tutta quella serie di nuove tecniche espressive, emerse a partire dalla metà del Ventesimo secolo, che rientrano nella categoria della Performance Art, dove il corpo dell’esecutore è protagonista mettendo in scena sensazioni, emozioni, provocazioni in contatto diretto con un pubblico che, almeno nell’intenzione iniziale, non potevano essere replicate né comprate. Di fatto tuttavia, la fotografia intervenne, ancora una volta, a lasciare traccia di quel percorso nuovo di cui una delle più celebri interpreti è la controversa figura di Marina Abramović che si è spinta oltre ogni limite con le sue performance, offrendo il suo corpo al lesionismo e al pericolo pur di saggiare e scandagliare le reazioni del pubblico.
L’artista umbra Veronica Morresi mescola questi due percorsi di ricerca, quello fotografico e quello della Performance Art, per dare vita a un linguaggio espressivo personale e intimista attraverso cui lascia trapelare le sue riflessioni, le sensazioni suscitate da concetti e abitudini della contemporaneità che hanno bisogno di essere esplorati, analizzati e respirati in virtù di un risultato figurativo dissolto, sfumato, sussurrato, in un dialogo silenzioso tra il suo corpo e una particolare e complessa tecnica di autoscatto da cui emerge la proiezione di sé funzionale a fondersi con l’idea e il concetto che desidera esprimere. L’effetto visivo è un movimento ripetuto ma fluido, dunque diverso da quello quasi concitato e rapido degli autori del Futurismo a cui si ispira, e in cui la figura principale, se stessa, diviene paradossalmente solo un mezzo per esplorare l’atmosfera circostante, l’energia emanativa che si diffonde inducendo l’ambiente a dialogare inconsapevolmente con il corpo e al contempo inducendo l’osservatore a partecipare intuitivamente e a interrogarsi sulla forma del mistero davanti a sé che in fondo corrisponde alla propria capacità interpretativa di un’immagine offuscata e proprio per questo stimolante a raggiungere l’essenza del concetto.
Le scenografie di Veronica Morresi sono sempre spoglie, quasi decontestualizzate, per mettere in evidenza la sostanza espressa dal corpo in movimento in comunicazione con se stesso, nella prevalenza delle opere addirittura lo sfondo è bianco o nero proprio per permettere al movimento impalpabile ed evanescente di imprimersi nella retina del fruitore che individua a un primo sguardo figure che poi, soffermandovisi, si trasformano in altro, come fossero vive e si muovessero sulla pellicola in maniera autonoma. Procedere attraverso lo sviluppo e la declinazione di temi principali a cui di volta in volta si dedica e in virtù dei quali approfondisce e sviscera ogni aspetto, ogni sfaccettatura del pensiero di base che ne stimola la riflessione e l’esigenza di interiorizzazione, è una delle sue prerogative principali; il processo esecutivo dunque parte da un’intuizione a cui Veronica Morresi si lascia andare in maniera del tutto impulsiva, predisponendo la macchina fotografica all’autoscatto in sequenza e poi lasciando che il suo corpo segua quasi inconsapevolmente la linea emozionale che dal concetto di partenza si sviluppa spontaneamente.
Il risultato delle immagini dove lo sfondo è nero è l’evidenza di quanto, nonostante la tendenza contemporanea a catalogare e racchiudere ogni cosa all’interno di confini conosciuti e prevedibili dove vengono escluse sfumature che condurrebbero verso una mancanza di sicurezze di cui molte persone hanno bisogno, di fatto la realtà sia diversa perché sfugge alle definizioni categoriche, si ammorbidisce di tutta quella personalizzazione che induce ad arrendersi all’evidenza che le delimitazioni non sono realizzabili, non sono mantenibili a lungo.
La casualità e l’esistenza sopraggiungono a scompaginare tutto, sottolineando quanto il determinismo non sia perseguibile perché inadatto alle molteplici sfaccettature umane e anche agli eventi che si susseguono; il movimento visivo di Veronica Morresi sottolinea così le infinite possibilità, le rifrazioni esistenziali che impediscono a chiunque di avere un quadro ben chiaro e stabile di se stesso e degli altri perché tutto è in costante movimento, in continua evoluzione secondo la legge eraclitea. Nel lavoro dell’autrice a scorrere è l’aria, l’impercettibilità di una costante corrente energetica in grado di rendere impossibile un’immobilità rassicurante ma di fatto limitante, sottolineando quanto sia impensabile l’attitudine di alcuni a rimanere arroccati su una posizione a volte insostenibile suggerendo piuttosto di imparare a ballare al ritmo delle tempeste, come sottolineato dal poeta libanese Khalil Gibran.
In alcuni progetti Veronica Morresi esplora la forza comunicativa del corpo nudo dove però, in virtù del suo stile offuscato e soffuso, la nudità è solo evocata perché lo scopo dell’autrice è quello di scendere alla scoperta dell’anima, dell’intimità emozionale che non riesce a esprimersi attraverso le parole e dunque viene affidata al corpo, totalmente incapace di mentire ma soprattutto in grado di scoprirsi senza rivelarsi, di trovare un linguaggio impercettibile ai più eppure perfettamente chiaro a chi mostra la sensibilità e la capacità fondamentali a percorrere quel viaggio all’interno di sé.
Attraverso il movimento lento che fuoriesce dagli scatti Veronica Morresi libera tutte le debolezze, insicurezze, fragilità, i segreti intimi che vanno a costituire il substrato su cui si sviluppa l’unicità e l’autenticità di ciascun individuo e induce l’osservatore a immedesimarsi in quel cammino di scoperta di sé perché la decontestualizzazione e l’irriconoscibilità dei dettagli sollecita a dare una propria interpretazione, a legare il visibile a tutte quelle sensazioni interiori spesso inascoltate e che davanti alle visioni impalpabili ed evanescenti dell’autrice sembrano emergere in maniera spontanea e coinvolgente.
Veronica Morresi ha al suo attivo la partecipazione a molte mostre collettive su tutto il territorio nazionale – Genova, Rimini, Salerno, Spoleto, Roma, Terni, Milano, Firenze – e all’estero – Madrid – mentre nel 2022 è stata protagonista di una mostra personale alla Biblioteca Comunale di Terni e il 22 febbraio 2025 inaugurerà la sua personale a Palazzo Eroli di Narni.
VERONICA MORRESI-CONTATTI
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Between performance and photography to immerse in the introspective and emotional visions of Veronica Morresi
The world of art presents different facets and many contemporary authors have the opportunity to benefit from the openings generated in the more recent past by virtue of which has expanded the range of expressive means and executive techniques traceable to the highest creativity previously reserved for painting and sculpture; one among these relatively new executive tools is photography, which allows in the present day to elaborate a language in which reproduction is no longer fundamental rather it can become a manifestation of everything that belongs to interiority as much as the realization path of a canvas or a statue can be. Today’s protagonist demonstrates a close and indissoluble link between photography and the ability to go down deep, to go beyond the narrated image to explore its boundaries, the semitones most akin to a rich interiority that eludes any delimitation and lacks visual clarity because it is often in the intangibility that one can grasp the deepest meaning of everything around life.
The early twentieth century saw the emergence of a technology through which it was possible to immortalize images of the observed without the need to resort to a drawing or painting; photography, created as early as the beginning of the nineteenth century, had unexpected developments to the point of causing painters and sculptors to move away from the pure and aesthetic representation of reality to affirm how art was superior and more expressive than any mechanical medium. Beginning with the early studies of Joseph Nicéphore Niépce and Louis Jacques Mandé Daguerre, who experienced the use of the new technique mainly on the reproduction of landscapes, as time went on instead, the artists who devoted themselves to this medium began to feel the need to introduce poetry, emotion, and creativity, inducing the cultural world to consider photography as a true art form that could in some way complement painting.
Thus began to emerge a different approach, in portraits and still lifes, that induced the authors to interpret the personality of the individual immortalized or to pervade the narrated scenes with lyricism; so the versatility of the new medium also stimulated the experiments on movement carried out by Eadweard Muybridge, in which the galloping of horses was studied by capturing in sequence several instants then placed consecutively one after the other, revealing the errors made by his coeval painters in reproducing scenes with running equines. Not only that, his work anticipated the concept of photography as a scenic structure, frequently used in the researches of the exponents of Surrealism aimed at realizing their disturbing and morbid unreality with any expressive medium, just as Futurism and the authors of Kinetic Art in their study of the movement were inspired by him. So photography became art and was also used to leave a trace of that whole series of new expressive techniques, which emerged from the middle of the twentieth century, that fall under the category of Performance Art, where the executor’s body is the protagonist by staging sensations, emotions, provocations in direct contact with an audience that, at least in the initial intention, could not be replicated or bought.
In fact, however, photography intervened, once again, to leave a trace of that new path of which one of the most famous interpreters is the controversial figure of Marina Abramović who pushed herself beyond all limits with her performances, offering her body to injury and danger in order to essay and probe the audience’s reactions. The Umbrian artist Veronica Morresi mixes these two paths of research, the photographic and the Performance Art, to give life to a personal and intimist expressive language through which she lets leak out her reflections, the sensations aroused by concepts and habits of contemporaneity that need to be explored analyzed and breathed by virtue of a dissolved, nuanced, whispered figurative result, in a silent dialogue between her body and a particular and complex self-timer technique from which emerges the projection of herself functional to merge with the idea and concept she wishes to express. The visual effect is a repeated but fluid movement, thus different from the almost frantic and rapid one of the Futurist authors she is inspired by, and in which the main figure, herself, paradoxically becomes only a means of exploring the surrounding atmosphere, the emanative energy that spreads out inducing the environment to unconsciously converse with the body and at the same time inducing the observer to intuitively participate and question the form of the mystery before him that after all corresponds to his own interpretive capacity of an image that is blurred and precisely for this reason stimulating to reach the essence of the concept. Veronica Morresi‘s set designs are always bare, almost decontextualized, to highlight the substance expressed by the body in movement in communication with itself, in the prevalence of the works even the background is white or black precisely to allow the impalpable and evanescent movement to imprint itself on the viewer’s retina who identifies at first glance figures that then, dwelling on them, turn into something else, as if they were alive and moving on the film independently.
Proceeding through the development and declination of main themes to which she dedicates herself from time to time and by virtue of which she deepens and dissects every aspect, every facet of the basic thought that stimulates her reflection and the need for internalization, is one of her main prerogatives; the executive process therefore starts from an intuition to which Veronica Morresi lets go in a completely impulsive way, setting up the camera for the self-timer in sequence and then letting her body follow almost unconsciously the emotional line that from the starting concept spontaneously develops. The result of the images where the background is black is evidence of how much, in spite of the contemporary tendency to categorize and enclose everything within known and predictable boundaries where nuances are excluded that would lead toward a lack of certainty that many people need, in fact reality is different because it escapes categorical definitions, it softens of all that personalization that induces one to surrender to the evidence that delimitations are not feasible, are not maintainable for long. Randomness and existence overtake to disrupt everything, underscoring how determinism is not pursuable because it is unsuitable for the many human facets and even the events that follow one another; Veronica Morresi‘s visual movement thus underscores the infinite possibilities, the existential refractions that prevent anyone from having a clear and stable picture of themselves and others because everything is in constant motion, constantly evolving according to the Heraclitean law.
In the author’s work to flow is air, the imperceptibility of a constant energetic current capable of making impossible a reassuring but in fact limiting immobility, emphasizing how unthinkable is the attitude of some people to remain entrenched in a sometimes untenable position suggesting rather to learn to dance to the rhythm of the storms, as pointed out by the Lebanese poet Khalil Gibran. In some projects Veronica Morresi explores the communicative power of the naked body where, however, by virtue of her blurred and suffused style, nudity is only evoked because the author’s purpose is to descend to the discovery of the soul, of the emotional intimacy that cannot express itself through words and therefore is entrusted to the body, totally incapable of lying but above all able of discovering itself without revealing, of finding a language imperceptible to most and yet perfectly clear to those who show the fundamental sensitivity and ability to take that journey within themselves.
Through the slow movement that comes out of the shots Veronica Morresi releases all the weaknesses, insecurities, fragilities, intimate secrets that go to make up the substrate on which the uniqueness and authenticity of each individual is developed and induces the observer to identify with that journey of self-discovery because the decontextualization and unrecognizability of the details urges to give one’s own interpretation, to link the visible to all those inner feelings that are often unheard and that in front of the author’s impalpable and evanescent visions seem to emerge in a spontaneous and engaging way. Veronica Morresi has to her credit the participation in many group exhibitions all over the country – Genoa, Rimini, Salerno, Spoleto, Rome, Terni, Milan, Florence – and abroad – Madrid – while in 2022 she was the protagonist of a personal exhibition at the Municipal Library of Terni and on February 22, 2025 she will open her solo exhibition at Palazzo Eroli in Narni.
